Crítico

Um feliz aniversário

2011-06-28T19:58:00.001+01:00

Texto Publicado originalmente no jornal "O Diabo"

Henrique Silveira – crítico

Concerto de aniversário da Orquestra Metropolitana de Lisboa, 9 de Junho no Grande Auditório do CCB com casa a três quartos, abertura Egmont, concerto op. 64 para violino e orquestra de Mendelssohn com Augustin Dumay no violino, sinfonia nº6, pastoral, de Beethoven; direcção de Michael Zilm.

Este concerto foi uma celebração de aniversário que reuniu Zilm de novo à Metropolitana de Lisboa, o trabalho que este director tem realizado com a orquestra tem sido de grande nível e as suas qualidades são evidentes, foi mais uma vez com grande prazer que assistimos à sua direcção eficaz e directa, sem gestos excessivos mas com evidente paixão e um profundo conhecimento das partituras que acompanha e dá segurança aos músicos. Zilm trabalha o incontornável Beethoven com uma excelência rara, todos os detalhes da partitura estão lá: todos os crescendos e diminuendos, todos as acentuações, com Zilm não há pequenas e grandes notas. Mas o mais importante é a poesia que coloca no fraseado e a qualidade da massa e da coesão sonora e orquestral. É uma lição ver Zilm dirigir e isso reflecte-se na prestação orquestral.

Assim Egmont, apesar de uma entrada desatenta da orquestra acabou com grande força e energia, própria de Beethoven.

Seguiu-se um concerto de Mendelssohn com um homem também muito ligado à Metropolitana, Dumay, tem uma excelente técnica do violino e um grande som, apenas tenho a apontar a falta de nuance no seu som, Dumay toca entre o meio-forte e o fortíssimo, abusando da sonoridade e sendo às vezes demasiado agreste na sua sonoridade que poderia ser mais aveludada nos momentos de maior recolhimento. De resto dois andamentos rápidos com grande força e energia e um andamento central com uma excelente entoação mas com alguma falta de matizes subtis.

A obra final, a “Pastoral” de Beethoven teve da parte de Zilm algum deleite no som, gostámos do segundo andamento, “cena à beiro do regato”, em que o fluir dos violoncelos em soli e restantes cordas, embalou o canto das madeiras, seguiu-se uma “alegre reunião de camponeses” divertida e vigorosa interrompida por uma violenta “tempestade” e rematada por um andamento final em que as sombras se dissiparam e a alegria regressou após a violência da tempestade. A orquestra correspondeu bem às solicitações do maestro e houve ligação.

A leitura de Zilm apenas pecou por alguma parcimónia nos tempos, faltando um certo elemento de surpresa e tensão, por outro lado a leitura agreste de Dumay e alguns deslizes pequenos nas trompas impediram que este concerto fosse perfeito, ficando ao nível do muito bom.

Espera-se que a Metropolitana continue por muitos anos, para além dos 19 anos festejados, livre de problemas financeiros que ainda a afectam e que continue a contribuir para a música em Portugal como o tem feito até aqui.

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Apenas alguma exactidão

2011-06-28T19:56:00.001+01:00

Texto Publicado originalmente no jornal "O Diabo"

Henrique Silveira – crítico

Sinfonia nº2 em dó menor, Ressurreição, de Gustav Mahler. Orquestra Sinfónica de S. Francisco, Coro Gulbenkian, direcção de Michael Tilson Thomas, Laura Claycomb, soprano, Katarina Karnéus, meio soprano. Coliseu dos Recreios cheio. Encerramento da temporada 2010/2011 da Fundação Gulbenkian.

A gigantesca sinfonia Ressurreição é uma das obras maiores do repertório sinfónico, uma obra de grande envergadura da orquestra reforçada com metais e percussões suplementares. Começada em 1888 e acabada em 1894, revelou as hesitações de um jovem compositor sobre a sua arte a forma, exemplo disso é o primeiro andamento, cuja concepção seria originalmente a de um poema sinfónico independente Totenfeier, Rito fúnebre, e que depois de muitos avanços e recuos veio a ser o primeiro andamento, allegro maestoso, desta obra grandiosa e trágica que incorpora ainda um poema de Des Knaben Wunderhorn no quarto andamento Urlicht, Luz Original, o ciclo de poemas populares alemães. A obra gira em torno da morte e da vida para além desta. Não tem a menor inspiração na religião católica mas sim na crença, do judeu Mahler, numa Ressurreição post-mortem.

Mahler afirmou que um das chaves da sua música era a exactidão, a outra chave era o que estava para além das notas. Michael Tilson Thomas recorreu a uma leitura muito suave, com gestos difusos e pouco acentuados à frente da “sua” orquestra. Numa acústica miserável como a do Coliseu é quase deitar-se música para o lixo a execução de uma obra tão complexa e contrastante como esta sinfonia. Os fortíssimos soam débeis e os pianíssimos e os detalhes perdem-se. O que seria o lado mais interessante da leitura de Thomas: os detalhes, ficaram reduzidos à anemia sonora. Por outro lado a géstica muito difusa do maestro trouxe algumas inexactidões em algumas entradas a começar pelo início que deveria trazer um grande impacto e uma enorme tensão e que, por falta de exactidão, se saldou por algum desconchavo. O segundo andamento, o Andante Moderato, foi talvez o melhor momento da sinfonia, com predomínio para a suavidade do ritmo de dança e o diálogo entre os instrumentos.

O scherzo, terceiro andamento, baseado na melodia do Sermão de Santo António aos peixes, uma canção que Mahler escreveu ao mesmo tempo que compunha a sinfonia, foi fluido, quase como o fluxo de água e do discurso do Santo, faltando tensão nos pontos de clímax.

Os andamentos finais com partes vocais, foram diversos, Urlich, teve a exaltação mística, mais própria do lado apolíneo de Thomas, enquanto ao andamento com o poema Ressurreição de Klopstock faltou de novo tensão. O coro ouviu-se com dificuldade e não houve grande nuance, mais uma vez por culpa da acústica da sala, mas a afinação pareceu-me perfeita. As solistas cumpriram com esforço para vencer o vazio acústico da sala, tendo eu apreciado vivamente o timbre escuro de Katarina Karnéus sendo Laura Claycomb um pouco estridente na emissão. Apesar disso musicalidade e sentido da poesia foram a tónica destas cantoras.

Quem foi o maestro preparador de coro? Ninguém sabe, nem no programa vem mencionado nem agradeceu em palco, mais uma deselegância e falta de informação do programa.

Uma interpretação relativamente exacta mas sem muito para além das notas.

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Mestre de capela incógnito

2011-06-28T19:51:00.002+01:00

Texto Publicado originalmente no jornal "O Diabo"

Henrique Silveira – crítico

Programa de encher o olho com abertura de Fidelio, recitativo e ária de concerto Ah! Perfido!... e sinfonia nº9 em ré menor, tudo obras de Beethoven, na Fundação Gulbenkian a 3 de Junho com casa cheia, direcção de Bertrand de Billy. Coro e orquestra Gulbenkian. Solistas: Adina Aaron, soprano, cantou ária e sinfonia, Adrineh Simonian, meio soprano, Charles Reid, tenor e Boaz Daniel, barítono.

A primeira parte era apenas um aquecimento, a abertura de Fidelio foi tocada com energia e convicção mas com um vibrato nas cordas algo excessivo. Seguiu-se uma obra da juventude de Beethoven, inspirada fortemente no modelo mozarteano. A soprano Adina Aaron mostrou uma voz muito bonita, com grande densidade nos graves e brilho nos agudos, foi enérgica e entusiástica. No entanto, a sua interpretação pecou por ser demasiado enfática e melodramática e por abusar de um vibrato pesadão e de um estilo mais apropriado ao romantismo tardio do que a Beethoven. O seu entusiasmo juvenil levou-a a perder a linha do tom num momento crucial do allegro final e a gritar de forma excessiva. Mais contenção e domínio da respiração também se exigem. Adina Aaron mostrou que tem um grande futuro como cantora verdiana, repertório que, aliás, já aborda.

A nona sinfonia de Beethoven começou de forma agreste com um falhanço brutal da segunda trompa logo na entrada e uma interpretação pesadíssima e muito arrastada do allegro ma non troppo, un poco maestoso que mais parecia a marcha fúnebre de um paquiderme falecido no jardim zoológico do que um andamento que deve ser rápido mas não demasiado. Notei que o naipe de trompas esteve particularmente inseguro, sobretudo as trompas graves, andando a 4ª trompa sempre a coxear atrás das notas ao longo de toda a sinfonia.

Depois de um scherzo com energia e muito bem sublinhado pelos sopros e onde as cordas foram particularmente coesas passámos para o andamento lento que se queria poético mas que nos pareceu apenas rotineiro: faltou definição nos planos sonoros, nas articulações e nos jogos de subtileza.

O final, com o grandioso hino à alegria de Schiller, foi tocado com empenho e denodo quer pela orquestra, quer pelo gigantesco coro Gulbenkian. No meu entender em número excessivo para a obra e as dimensões da sala e orquestra. O que se notou aqui foi a falta de preparação dos detalhes, sobretudo nas partes muito rápidas, que acabaram por ser ofegantes e tumultuosas, em vez de serem enérgicas e com grande precisão. Penso que faltaram ensaios para se apurar com perfeição esta obra que é de um enorme grau de dificuldade técnica e artística.

Os solistas estiveram relativamente bem, mas sem se poder afirmar que foram perfeitos, o que atendendo à dificuldade das suas partes já é um feito.

O maestro que preparou o coro nem veio agradecer ao palco, nem figura qualquer menção sobre o seu nome e currículo no programa. Quem foi? Fica uma palavra para o seu trabalho de qualidade ao conseguir dar coesão a um grupo tão grande de cantores.

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Anúncios de temporadas

2011-06-08T15:34:00.007+01:00

Dispenso os anúncios de temporada anunciadas como conferências de imprensa mas que acabam por ser comícios, na Gulbenkian até parece que os jornalistas foram tratados como crianças, a brochura da temporada não foi distribuída antecipadamente com a desculpa de que se iriam distrair durante os tempos de antena dos senhores programadores!...

Os Três Pintos

2011-06-04T11:49:00.004+01:00

Texto Publicado originalmente no jornal "O Diabo"

Henrique Silveira – crítico

Die Drei Pintos é uma ópera que Carl Maria von Weber não conseguiu acabar e que foi completada e reinventada por Gustav Mahler. Versão de concerto a 27 de Maio na Fundação Gulbenkian com casa pouco acima de meia, direcção de Lawrence Foster. Coro e orquestra Gulbenkian. Solistas: Philippe Fourcade, barítono em Pantaleone de Pacheco e no estalajadeiro, Peter Furlong, tenor em Don Gomez de Freiros, Michaela Kaune, soprano em Clarissa, Simona Ivas, meio soprano em Laura, Marius Brenciu, tenor em Don Gaston Viratos, Martin Snell, baixo em Don Pinto de Fonseca, Dora Rodrigues, soprano em Inez, Job Arantes Tomé, barítono em Ambrósio e Fernando Luís no papel falado do narrador que representou Gustav Mahler. David Pountney na concepção e autoria da narração.

Sendo uma ópera cómica em três actos, passada em Espanha, com diálogos em alemão, foi considerado que seria melhor fazer uma narração resumida do que acontece na cena entre as partes musicais, a narração foi criada por David Pourtney, inglês. A sua explicação no programa é rudimentar, estando mesmo ausentes o texto desta e a biografia do autor, facto lamentável que aliás se tem vindo a somar a erros de palmatória nos textos dos mesmos. A tradução do texto narrado por Fernando Luís foi, no mínimo, rústica; serve de exemplo a utilização de “senhorio” em vez de “estalajadeiro”, simplesmente ridículo e limitado!

Com um elenco prometedor de início, tivemos um Fourcade com uma voz encorpada e correcto no papel de estalajadeiro e posteriormente no pai de Clarissa a heroína. Peter Furlong o tenor que ama Clarissa e que, por razões nebulosas, não a pode cortejar começou titubeante na entoação mas depois encontrou-se com o decorrer da obra, mostrou uma boa voz muito lírica e tipicamente alemã. A sua amada, Clarissa, aqui por Michaela Kaune, entrou muito fria e a arrastar as frases musicais, mas depois aqueceu e conseguiu corrigir algum ácido nos agudos e mostrou uma voz encorpada e densa, com musicalidade e sentido musical, pena alguma dificuldade em largar as notas a tempo. Simona Ivas, Laura criada da anterior, tem uma voz muito bonita e colocada, é musical, mas padece de potência e os agudos são pobres em harmónicos, o que não é estranho uma vez que se trata de um meio soprano e o papel vai algumas vezes a um registo desconfortável para este tipo de voz. Marius Brenciu, no papel motor da acção em Don Gaston, foi a grande desilusão, agarrado à leitura do papel, correndo atrás das notas e sem graça na interpretação, denotou uma preparação francamente insuficiente, quando tentou brilhar a voz partiu-se nos agudos e foi confrangedor ouvir gritos em vez de canto. Martin Snell, no papel cómico de Don Pinto, não teve graça nenhuma e andou também a ler o papel, não cumpriu objectivos mínimos, mesmo cantando as notas todas. Dora Rodrigues esteve muito bem no papel de Inez, lírica e musical. Job Tomé foi mais uma vez uma revelação, divertido, preparado, não se deixando dominar pela música, cantando o falsete com comicidade, foi simplesmente perfeito. A narração de Fernando Luís foi clara e precisa, representando com convicção o papel do autor que finalizou a composição e pondo em contrapondo a relação de Mahler com o neto de Weber e sua Mulher, Marion, com que teve uma relação complicada que envolveu traição, intriga e amor.

A direcção de Foster foi mais clara que o habitual e o conjunto manteve-se coeso, não percebo apenas o passar da batuta para a mão esquerda para depois andar aflito sem saber onde a colocar! A orquestra esteve a elevado nível e apenas a falta de aprumo de alguns músicos também se lamenta, não é próprio ver fivelas de cintos com as competentes banhas abdominais sobrepostas em traje de casaca, para evitar isso existem coletes brancos ou faixas brancas.

O coro preparado por Jorge Matta esteve a um elevado nível, mais uma vez foi lamentável a não inclusão do seu trabalho no programa da Gulbenkian, um erro grave e uma desconsideração imerecida para aquele que é o grande motor do coro Gulbenkian; ao contrário de todas as grandes casas, a começar pelo Festival de Bayreuth, onde o maestro de coro aparece sempre em grande destaque e com direito a importante biografia em todos os programas.

A ideia da narração foi realizada com cuidado e foi mais eficaz que os diálogos em alemão que não têm sentido na versão de concerto.

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O Fagote de Veludo

2011-06-04T11:46:00.000+01:00

Texto Publicado originalmente no jornal "O Diabo"

Henrique Silveira – crítico

Carl Maria von Weber: andante e rondó húngaro para viola e orquestra, op. 35, concertos para Fagote e orquestra op. 75 e concerto nº2 para clarinete e orquestra op. 74. Beethoven: concerto para violino op. 61. Samuel Barseguian na viola, Ricardo Ramos no fagote, Esther Georgie no clarinete e Frank Peter Zimmermann no violino. Quinta 19 de Maio na Fundação Gulbenkian com casa meia, direcção de Lawrence Foster. Orquestra Gulbenkian.

A obra inicial fez-me lembrar esta anedota: “Como se sabe quando a viola está fora de tom? É quando o arco se move!” E assim foi: o solista mostrou sonoridade fraca e esteve constantemente desafinado, foi pouco interessante em termos musicais com um fraseado altamente monótono. Sofri particularmente com as cordas ré e lá. Um mau início.

O belo concerto de Weber para fagote foi uma revelação. O solista português Ricardo Ramos foi muito afirmativo, confiante, com uma sonoridade cheia e aveludada, rico nos graves e médios e brilhante nos agudos. A sua musicalidade foi evidente na poesia do segundo andamento e foi poderoso no terceiro. O seu som firme e bonito serviu uma inteligência musical que deu interesse e surpresa às frases de Weber e disfarçou com ligeireza uma única hesitação no primeiro andamento. Uma grande elegância no legato e um staccato muito claro foram elementos técnicos que me impressionaram vivamente.

Já Eshter Georgie no clarinete desiludiu. A obra de Weber não é compatível com um staccato trapalhão, articulações erráticas e falta de brilho sonoro, muito evidente nas sextinas finais. Dir-se-ia que Georgie é incapaz de forte e fortíssimo. Improvisando nas ornamentações no primeiro andamento, facto que não repetiu nos seguintes, teve como elementos fortes uma grande doçura no som, belíssimos pianíssimos e um poético segundo andamento que compensou, de certa forma, os defeitos dos andamentos rápidos.

O concerto de violino de Beethoven teve um Zimmermann que me pareceu cansado de tocar em público. Vim a saber posteriormente que estava indisposto. Os pontapés no chão ao mesmo tempo que toca desequilibram e descontrolam o som, facto que ocorreu diversas vezes. No entanto deu o mote à orquestra nas articulações enérgicas e nas arcadas decididas e o seu som é belíssimo. O primeiro andamento, que costuma ser arrastado até à exaustão por solistas menos dotados, foi um modelo de energia e propulsão. Percebe-se que mesmo adoentado Zimmermann é um grande músico.

A direcção de Foster foi errática e imprecisa, uma espécie de mistura de gestos de sinaleiro com a violência de um “diestro tourero”, mas a eficácia é reduzida para tanto espalhafato e de Weber a Beethoven houve desencontros. Pede-se ainda mais atenção ao contrabaixo que no concerto para clarinete de Weber, terceiro andamento, teve uma falsa entrada em fortíssimo em vez de piano: uma sapatada musical que fez saltar o público da última fila!

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A a Z

2011-06-04T11:44:00.002+01:00

Texto Publicado originalmente no jornal "O Diabo"

Henrique Silveira – crítico

É uma crítica inabitual, vem a propósito da publicação de um CD na ACCENT pelo Collegium 1704, instrumental e vocal, sob a direcção de Václav Luks das obras de Jan Dismas Zelenka dedicadas à morte do seu “mestre” Augusto o Forte, soberano da Saxónia e da Polónia. Inabitual porque é sobretudo uma “Apologia a Zelenka” e menos uma crítica.

Conhecido dos amantes da música antiga e muito celebrado na República Checa desde os anos sessenta do séc. XX, é pouco conhecido fora dos círculos eruditos. Nascido em 16 de Outubro de 1679 na Boémia e falecido dois dias antes do Natal de 1745, na capital da Saxónia, Zelenka teve formação jesuíta, sendo o seu instrumento o Violone, uma viola da gamba contrabaixo que daria origem ao contrabaixo moderno. Depois de viver em Praga foi para Dresden em 1710 onde se tornou músico da corte e mais tarde segundo mestre de capela sob a direcção de Heinichen mas, após a morte deste, nunca viria a ser nomeado para o seu lugar, ficando como compositor de música católica, uma vez que era esta a sua confissão. Dresden vivia na esquizofrenia religiosa, uma vez que Augusto tinha passado de luterano a católico para poder ser eleito rei da Polónia, tendo até afirmado que “umas missas valem bem o título de rei da Polónia!”. A corte continuava a ser luterana mas todas as cerimónias passaram a ser celebradas segundo a liturgia católica e teve de se improvisar uma igreja católica nas instalações da antiga ópera de Dresden.

Zelenka e Bach conheciam-se, Dreden e Leipzig estão perto, e há documentos que provam a alta consideração mútua de dois homens castigados pelo seu tempo. Zelenka acabou por morrer só e deprimido e com muita da sua música ainda por escutar. No entanto grande parte da sua obra, comprada após a morte do compositor pela monarquia de Dresden conservou-se quase intacta e bem conservada até hoje.

O CD citado reúne duas das obras mais espantosas do estilo de Zelenka, o “Ofício dos Defuntos” e o “Requiem em Ré”, ambas de 1733, data de morte de Augusto, toda a maestria do compositor é evidente: um domínio total das tensões orquestrais recorrendo a um pujante baixo, o dramatismo e o impacto de grandes massas sonoras, o uso de cores inusitadas, com charamelas (clarinetes), trompetes e trompas, além dos habituais oboés e flautas. Uma linha de baixo extraordinária, uma harmonia de uma constante inovação e variação, o uso do contraponto coral e instrumental. O recurso de elementos de um modernismo espantoso a par com o canto gregoriano e arcaicismos dignos do século XVI. Zelenka era um homem de todos os recursos e isso transparece de forma vigorosa nestas obras “escritas a grande velocidade” para os funerais de um soberano importante e amado pelo seu povo.

Interpretado por um dos maiores conhecedores de Zelenka este não é um disco totalmente perfeito, mas o equilíbrio entre uma orquestra de alto nível, um coro muito respeitável e belas vozes solistas tornam este CD um documento importante na descoberta da música viva de um homem que merece ser ouvido e respeitado na sua paixão pela música. Simplesmente brilhante.

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Uma boa rotina

2011-05-20T16:51:00.000+01:00

Texto Publicado originalmente no jornal "O Diabo"

Henrique Silveira – crítico

Danças húngaras nº1, 3 e 10 de Johannes Brahms, concerto nº2 para violino e orquestra de Béla Bartók com Hae-Sun Kang como solista, Suite para orquestra opus 27, Suite Villageoise, de George Enesco e Moldava de Bedrich Smetana. Sexta 6 de Maio na Fundação Gulbenkian com casa meia, direcção de Lawrence Foster.

Um programa de obras ou compositores ligados pelo senso comum ao nacionalismo musical, bem concebido à partida, pena a fraca a adesão do público.

As danças húngaras de Brahms foram abordadas com energia musical, gostei da densidade das cordas que encheram a sala na dança nº1, no entanto os pizzicati de violinos e violas precisam de mais apuro rítmico. Gostei também da liderança que o primeiro contrabaixo induziu no seu grupo.

Seguiu-se um concerto de Bartók, uma peça de resistência do repertório do violino e uma obra de grande fôlego. Kang, uma coreana especialista em música contemporânea, esteve quase sempre tecnicamente a um bom plano, com uma excepção na cadência onde teve uma falha clamorosa, mas foi gélida na interpretação, neste particular esperava mais do segundo andamento, andante tranquilo, com tema e variações em que o lirismo esteve muito arredado, Bartók não pode ser visto como uma peça para violino e electrónica... Não sei se por falta do maestro ou da solista o terceiro andamento, allegro molto, foi muito lento e arrastado, assim considero que este concerto acabou por ter uma interpretação pouco inspirada.

Depois do intervalo apresentou-se Foster com um compositor em que é especialista, o romeno Enesco, mais uma vez energia e clareza simples na interpretação de uma obra sobrecarregada de orquestração, uma obra que usa das cores orquestrais para criar uma paleta de efeitos evocativos, do campo às brincadeiras das crianças, uma velha casa de infância, um rio sob a lua e danças rústicas. Uma palavra para Pedro Ribeiro, solista em oboé, que tocou destacado da orquestra numa varanda sobre a plateia da Gulbenkian para criar o efeito evocativo da distância, um solo quase perfeito com um belíssimo som e projecção e muita poesia. Esta suite de Enesco foi o ponto alto do concerto.

A orquestra esteve em bom plano com uma belíssima sonoridade.

Seguiu-se um dispensável Moldava, que evoca o rio Checo, de Smetana. Parecia um rio carregado de lama e detritos de tal forma pesado e arrastado, com acompanhamento paquiderme nos contrabaixos, com destaque negativo para a lenta e penosa coda final. Foster, mais uma vez, mostrou ser capaz do pior e do melhor.

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A Paixão

2011-05-10T12:06:00.003+01:00

Texto Publicado originalmente no jornal "O Diabo"

Henrique Silveira – crítico

Johann Sebastian Bach, Paixão Segundo S. João. Amsterdam Baroque Orchestra and Choir, direcção de Tom Koopman. Teresa Wakim, soprano, Maarten Engeltjes, contratenor, Tilman Lidchi, tenor e Klaus Mertens, baixo. Segunda 18 de Abril na Fundação Gulbenkian com casa cheia.

Aquela que é encarada como música de indignação e revolta perante a morte, numa grande intensidade dramática, foi tratada de uma forma invulgarmente doce por Tom Koopman. Surpreendeu logo de início o tratamento de uma suavidade etérea que alternou o piano com o forte nas interjeições do coro: Senhor, Senhor, Senhor, Nosso Senhor, que abre a obra e que em vez de ser violenta foi despojada e transparente em todas as suas linhas. Essa leitura ponderada e transparente, deixando a música respirar de forma serena em todas as suas dissonâncias, foi levada ao extremo em toda a obra, deixando Bach falar através das harmonias e da retórica interior à música. Perdeu-se o drama mas ganhou-se paz. A Paz de Cristo que reina no final quando tudo está consumado e uma lindíssima viola da gamba dialoga com um contralto, interrompida por uma alla breve que nos dá por finda a luta de Cristo na Terra.

Um coro de uma qualidade superlativa moveu-se com virtuosismo ao longo dos coros, corais e turbas da obra, mostrando vozes individuais de elevado nível e um conjunto de uma grande homogeneidade. Perfeito no contraponto e seguríssimo nas entradas.

Tanto o Evangelista, Lidch, como o Cristo, Mertens cantaram também as árias de tenor e baixo. Irrepreensível o tenor foi sublime nos recitativos. Mertens teve apenas um ligeiro problema ao deixar escapar a linha numa das árias. Um pouco mais hesitantes de início foram o contratenor e a soprano mas melhoraram ao longo da noite.

Instrumentistas quase perfeitos onde brilhou a flauta de Hazelzet e um extraordinário Jaap ter Linden no violoncelo e na viola da gamba.

Apenas alguma ligeireza no acompanhento dos recitativos, onde o órgão de Koopman, que também dirigia, foi algo superficial, fizeram com que este concerto não tivesse sido um marco interpretativo.

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o - Mau, * - sofrível, ** - interessante, *** - bom, **** - muito bom, ***** - excepcional.

P.S. Mais uma vez pouco espaço para uma crítica que se queria muito mais longa...

O Esplendor da Juventude

2011-05-02T18:15:00.003+01:00

Publicado originalmente no jornal "O Diabo"

Henrique Silveira – crítico

Gustav Mahler Jugendorchester com direcção de Philippe Jordan, tenor Burkhard Fritz e barítono Thomas Hmpson, Domingo 17 de Abril, Fundação Gulbenkian, Adagio da Sinfonia nº 10 e Canção da Terra de Gustav Mahler.

No centenário da morte de Mahler a orquestra juvenil que se refunda todos os anos com mais de uma centena dos jovens músicos mais prometedores da Europa volta à sua digressão de Páscoa. Portugal participou com Pedro Fernandes na trompa e Filipe Alves no trombone. Note-se a elevada proporção de jovens de países da mesma ou menor dimensão que a nossa, como Bélgica, Eslováquia ou Estónia, que contribuem com mais músicos. Por outro lado a Espanha tem um largo número de cordas na orquestra e Portugal tem zero músicos neste sector. É um barómetro de como vai mal o ensino da música em Portugal.

O concerto começou com o desesperado adagio da sinfonia que Mahler nunca veio a concluir. O Adagio seria o primeiro andamento. A obra foi tocada com um amor pela música que chegou a ser avassalador, é certo que alguns pizzicati saíram pouco exactos, é certo que, numa tessitura muito ingrata, as violas estiveram quase perfeitas com excepção de uma desafinação pontual, é certo que algumas entradas não foram milimétricas nos metais graves, mas a beleza da entoação, o equilíbrio notável de uma formação tão jovem com uma grande densidade nas cordas, em maior número do que numa formação habitual, e um belíssimo som nas madeiras, deixaram o público de rastos. A direcção muito inspirada e poética de Jordan, apenas com as mãos, criou momentos de grande intensidade dramática e também de grande lirismo. Mahler confrontado com a traição de uma mulher, que nunca o entendeu, e a doença mortal despediu-se desta terra com estes compassos tão bem entendidos por estes jovens, notável.

A Canção da Terra, de facto são seis canções sinfónicas agrupadas numa obra coerente, foi o corolário perfeito este concerto especial. A obra tem uma grande intensidade e exige um grande tenor, com agilidade, potência e brilho; um tenor completo, que seja capaz de um bom piano e de fortíssimos rutilantes, de poesia, de ironia e de virtuosismo. Fritz, um alemão do norte, começou frio e com dificuldades vocais de emissão e entoação na primeira canção mas à medida que aqueceu mostrou ter todas as qualidades mencionadas acima, precisa apenas de melhorar no domínio da suavidade vocal.

Thomas Hampson que, no meu entender, nem tem uma voz muito bela em termos de timbre, construiu uma narrativa coerente e empolgante, perfeito na dicção e na forma de dizer poesia, Hampson foi o poeta chinês que Mahler transformou em música. Com domínio total do papel, e da respiração, foi apenas um pouco ácido nos graves em termos de afinação, teve confiança total na emissão. Acabou numa “Despedida”, último lied do ciclo, tão bela que atingiu o indizível e nos comoveu, mostrando uma qualidade superlativa.

E o encanto da juventude perdurou na nossa memória e levou-nos aos tempos de Mahler e da sua vida tão complicada quando foi bela a sua música. Bravo jovens músicos.

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o - Mau, * - sofrível, ** - interessante, *** - bom, **** - muito bom, ***** - excepcional.

O mini mercado

2011-04-27T17:53:00.004+01:00

Publicado originalmente no Jornal "O Diabo"

Henrique Silveira – crítico

O supermercado da música, como era chamada à Festa da Música, desapareceu. Hoje os Dias da Música no CCB passaram a ser uma espécie de minimercado. Felizmente algum do espírito manteve-se e o público continua a acorrer, em menor número do que nos velhos tempos, mas continua generoso com os artistas.

O público é um dos aspectos mais fascinantes deste evento: a acrescentar ao clássico ruído dos sacos plásticos, das tosses e das crianças aos gritos, temos agora a novidade das cavalgaduras a mandar mensagens escritas. Enfim: o trivial.

Fica a crítica à contratação de uma orquestra checa, vinda de Brno, que não mostrou ter qualidade suficiente em cotejo com as orquestras portuguesas e que terá sido um dos números mais elevados na coluna das despesas. Se a mesma tivesse sido eliminada do programa sobraria muito dinheiro para contratar mais e melhores solistas.

Passamos em revista os cinco concertos a que assistimos após selecção prévia daquilo que pensámos ser o mais interessante e de maior qualidade musical

1. Concerto de Estreia – Orquestra Filarmónica de Brno

Sexta-feira, dia 15, 21h. Paraísos artificiais de Luís de Freitas Branco, Rapsódia em Blue de George Gershwin e Sinfonia do Novo Mundo de Antonin Dvorjak. Solista em piano Jorge Moyano e direcção de Svárovský. Sala quase cheia.

A leitura do poema sinfónico de Freitas Branco foi básica, alguma cor inicial depressa se desvaneceu caindo a interpretação numa mediania que deixou a obra morrer. Uma leitura quase à primeira vista que não dignificou a orquestra.

Seguiu-se uma pesada Rapsódia em Blue com um surpreendente, pelo swing e flexibilidade, Jorge Moyano que mostrou grande musicalidade.

Finalmente uma fraca nona sinfonia de Dvorjak em que os melhores instrumentistas foram o timpaneiro e o corne inglês. Toda a orquestra fraquejou: som grosseiro nos metais, primeiro violino com vibrato caprino, clarinete rachado, trompas graves num absoluto descalabro, falta de equilíbrio e despautério sonoro, sem planos de cor, enfim uma pobre imagem do que uma orquestra checa faria com uma obra tão emblemática do seu património musical. Uma desilusão.

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2. Concerto a dois Pianos

Sábado, dia 16, 16h, Marta Zabaleta e Miguel Borges Coelho, pianos, em Visions de l’Amen, de Olivier Messiaen. Sala quase cheia.

As visões do místico e católico Olivier Messiaen para dois pianos são pequenas obras primas de metafísica.

Os pianistas tocaram de forma plenamente conseguida, com uma coesão estilística e dando o sentido do sublime que há nesta obra. Densos e dramáticos nas sonoridades que explorara as ressonâncias e os harmónicos dos pianos, atingiram a perfeição no “Amen do desejo”, no “Amen do Juízo final” e no “Amen da consumação”.

Apenas a sala desadequada ao som majestoso dos dois pianos de concerto, com um pé-direito baixíssimo e muito acanhada, destruiu a fruição do concerto. É miserável dar aos pianistas e ao público semelhantes condições.

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3. Quarteto Prazak

E este quarteto checo tocou a Suite lírica de Alban Berg e “Cartas íntimas”, o quarteto de cordas nº 2 de Janácek.

Este quarteto é um pouco rústico na sua sonoridade mas é capaz de momentos de grande transcendência e paixão na sua abordagem vigorosa da interpretação.

Na Suite Lírica destaco os brilhantes allegro misterioso e o presto delirando, verdadeiros ícones da produção do compositor e tocados de forma notável pelo quarteto.

Já o quarteto de Janácek teve o constante problema da desafinação do primeiro violino, o que deu algum ácido ao andamento final. Provavelmente calor excessivo na sala e cansaço contribuíram para este lado menos bom. No entanto no moderato, terceiro andamento, atingiu-se a paixão e sentiu-se o profundo amor de Janácek.

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4. Orquestra Sinfónica Metropolitana

Erich Korngold, concerto para violino op. 35, Kurt Weill, Suite da Ópera dos Três Vinténs para orquestra de sopros. Solista em violino: Jack Liebeck, maestro Cesário Costa. Sala meia.

Um solista com um belíssimo som e um grande lirismo, sem cair no mau gosto no ultra-romântico concerto de Korngold. Bom acompanhamento da orquestra, com boa definição de planos sonoros e de cores, pelo maestro Cesário Costa.

Seguiu-se uma interessante suite de Weill, belíssima música tocada com interesse e muito cuidado pela orquestra onde brilharam clarinetes e saxofones e onde todos os músicos estiveram bem. Não é propriamente uma linguagem fácil, a do modernismo erudito com laivos do cabaré. O seu balanço muito especial foi sendo encontrado ao longo do concerto.

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5. Quarteto Brodsky

Andamento para quarteto de Webern, 1905, três peças para quarteto de cordas de Stravinsky e quarteto de Ravel. Sala quase cheia.

Sonoridade grosseira, excesso de som e vibrato agressivo do primeiro violino. Falta de refinamento em Ravel e virtuosismo fácil foram a tónica deste concerto, em que escapou um pouco o andamento lento de Ravel. As notas foram tocadas, os tempos eram os certos mas foi faltando a este quarteto um primeiro violino que se fundisse no grupo. Quando isto acontece está tudo dito, em vez de um quarteto temos um trio mais um.

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o - Mau, * - sofrível, ** - interessante, *** - bom, **** - muito bom, ***** - excepcional.

Dias da música - Portugueses

2011-04-17T10:50:00.007+01:00

Curiosamente o melhor que escutei este ano veio de intérpretes portugueses. É certo que apenas escutei cinco concertos e que hoje estou cuidar do jardim durante o dia e sem paciência para me encafuar em salas escuras a apanhar overdoses de música, poca sed matura. Logo à noite a Gulbenkian espera por mim... Amanhã uma Paixão Segundo S. João preparará o resto da quaresma até à Sexta-Feira Santa com o seu encanto mágico de Bach a Wagner.

A crítica aos conco concertos sairá neste blog dentro de uma semana, depois de sair na terça feira no jornal.

Entre a concisão e a entropia

2011-04-17T10:46:00.003+01:00

Publicado originalmente no Jornal "O Diabo"

Henrique Silveira – crítico

Orquestra Gulbenkian com Sequeira Costa em piano e direcção de Joana Carneiro.

Helix de Esa-Pekka Salonen, concerto para piano e orquestra nº1 de Sergei Rachmaninov e Concerto para orquestra de Béla Bartók. Sala a três quintos.

Quando assisti à estreia de Helix, nos proms de 2005 em Londres, achei a mesma um exercício sobre aceleração do tempo, com alguma técnica mas sem grande arte. Uma obra, sobrecarregada orquestralmente onde nem Gergiev lhe conseguiu dar alguma cor. Na Gulbenkian a interpretação foi tão trapalhona do ponto de vista rítmico que a princípio nem reconhecia a música. Uma obra tratada de forma displicente e... está tudo dito.

Seguiu-se a obra dos dezasseis anos de Rachmaninov. Sendo certo que revista mais tarde, mostra claramente uma invenção natural e juvenil com uma riqueza que às vezes, embrenhado nos seus problemas psicológicos, o compositor não conseguiu obter em obras posteriores. Aqui brilhou Sequeira Costa que, retirado dos afazeres profissionais e de uma agenda pesada de recitais e concertos tem agora uma espécie de segunda juventude: mais de oitenta anos dão-lhe uma segurança artística, uma confiança na sua arte e uma profundidade insuperáveis. A orquestra acompanhou relativamente bem com alguns atrasos de marcação sobre o piano no primeiro andamento e um grosseiro solo de fagote: som roufenho a tapar o piano e sem sentido da linha musical, o solista tem grandes qualidades e apenas precisava de ter tido mais trabalho e atenção; faltou também maestrina para moderar a fúria fagotística.

A lição de Sequeira Costa foi notável, senhor de um toucher denso e cheio obtendo fortíssimos sem martelar, senhor de um fraseado de uma elegância e de uma concisão absolutas, sem recurso a efeitos espúrios e rodriguinhos pseudo românticos, consegue segurar a linha da música de uma forma perfeita sem nunca a quebrar. O andante cantabile foi de uma enorme poesia e o Allegro Scherzando final demonstrou uma técnica invejável. Descendente em linha recta de Lizst e Hans von Bullow, através do seu professor Vianna da Motta, escutar Sequeira Costa é um privilégio raro em tempo de coqueluches superficiais.

Seguiu-se o concerto para orquestra de Bartók. É uma obra de uma grande densidade musical, requintada e brilhante na orquestração e tecnicamente muito difícil.

As minhas referências para esta obra são Karajan em disco e Boulez e Rattle ao vivo, sempre com a Filarmónica de Berlim. A Gulbenkian sai prejudicada na comparação logo no início, pois não tem o mesmo efectivo nas cordas, o que prejudica claramente o mel que deveria sair dos violinos e violas em grave e mesmo dos violoncelos ou o peso dos contrabaixos, tanto mais que alguns naipes surgem em divisi.

No meu entender a maestrina deveria ser menos exuberante na géstica, o que gera problemas de comunicação e entropia musical. Seria necessário mais eficácia e menos desenfreamento gesticular, mais atenção aos detalhes, mais direcção das entradas e controle dos equilíbrios e planos sonoros e menos transe frenético e menos direcção dos solos e das linhas óbvias. No entanto o resultado final, muito por mérito da orquestra, foi razoável.

*** (Pelo Sequeira Costa)

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Nota - Escutámos a versão de 7 de Abril, Quinta-feira.

Nota sobre concerto de abertura dos dias da música

2011-04-16T10:11:00.004+01:00

Veio ao CCB, para os dias da música e em tempo de grave crise, uma orquestra completa de Brno. Infelizmente o resultado no concerto de abertura foi fraco.
A orquestra até tem boa fama local, na República Checa, mas a forma como se apresentou foi a roçar o lamentável.
Penso que a direcção do CCB deve indicar à direcção da formação checa que está muito insatisfeita com os resultados e que isso deve ser comunicado aos músicos, de forma a que não tenham um comportamento menos profissional nos concertos que se seguem.

Portugal não pode ser visto como uma colónia de férias paga com dinheiro do FMI em que se dão umas notas esborrachadas e se bebem uns copos e se apanha sol e já está!... o público português merece ainda respeito.

Isto mesmo que o público não se dê ao respeito e aplauda com bravos e de pé quem esteve a gozar com o pagode durante hora e meia.

Escapou Jorge Moyano que esteve ao seu melhor nível numa brilhante rapsódia em Blue de Gershwin.

O Teatro de Mehta

2011-04-10T22:23:00.003+01:00

Publicado originalmente no Jornal "O Diabo"

Henrique Silveira – crítico

Orquestra do Maio Musical Florentino, direcção de Zubin Mehta, novo Palácio das artes de Budapeste. Aberturas de Verdi, Vésperas Sicilianas, Luísa Miller e A Força do Destino na primeira parte, segunda parte com a Sinfonia nº1 de Mahler e extras: dança húngara nº5 de Brahms e Intermezzo da Cavalaria Rusticana de Mascagni. Concerto a 2 de Abril, sala cheia com 1700 lugares.

A primeira parte serviu para aquecer e encher. As aberturas de Verdi foram tocadas com alguma paixão, talvez com a excepção da Luisa Miller um pouco mais arrastada do que seria espectável. Gostámos sobretudo do primeiro clarinete, simplesmente brilhante nos seus solos e de um apropriado Cimbasso italiano no naipe dos trombones a fazer a parte mais graves. Os vinte e cinco minutos iniciais passaram depressa.

A sinfonia nº1 de Mahler é música de menor fluência para a orquestra italiana do que o idiomático Verdi. Aqui devia sentir-se a batuta de um grande maestro. Infelizmente a sucessão de erros técnicos e artísticos deixou muitas dúvidas da actual qualidade da orquestra e, sobretudo, das qualidades de Mehta em Mahler. Desafinações nos primeiros violinos nas notas mais agudas, sforzandi anémicos, falta de equilíbrio sonoro entre metais graves e resto da orquestra, trompas graves com som feio, um solo de contrabaixo tocado com notas ao lado no quarto andamento, vibrato caprino na primeira flauta, notas erradas massacrando a harmonia nas trompas e falta de som nos violinos foram constantes em Mahler.

No entanto, o mais constrangedor foi o teatro expressivo de Mehta, com amplos e belos gestos, mas com pouca eficácia e sem se dar ao trabalho de dar entradas. Isso foi notório nos momentos mais líricos, em que o maestro fazia uma pantomina muito inspirada mas da orquestra saia um som descoordenado e pouco poético.

O primeiro andamento não teve nem mistério nem clímax, e acabou a arrastar-se penosamente sem capacidade de arranque no final. É espectável o público ficar sem fôlego mas apenas os músicos ficaram ofegantes. O segundo andamento foi frouxo e monótono. O terceiro foi trapalhão e desinteressante. O quarto foi o pior, o famoso Frère Jacques foi destruído pelo contrabaixo seguindo-se uma inenarrável confusão e descoordenação, cuja única explicação será a falta de trabalho e falta de ensaios. O final foi agressivo e pesado e a poesia nunca esteve presente, o barulho e as notas erradas das trompas foram tónica e dominante.

Gostámos muito do naipe dos fagotes, dos clarinetes e das violas. Os violinos com um concertino com pouca personalidade, o solista em flauta com um som horrendo e um mau e desatento naipe de trompas foram o pior da orquestra, o resto foi sofrível. A orquestra de Florença esteve a um nível inferior ao exigível numa formação com a sua história.

Após aplausos entusiásticos misturados com poucos, mas audíveis, apupos Mehta teve o descaramento de dar dois extras: uma banalíssima e desinteressante Dança Húngara de Brahms, com muito pouca cor e pouco contraste e um belíssimo intermezzo de Mascagni que mitigou um pouco o sofrimento. Mehta fez o seu teatro e lá vai andando ao seu ritmo de cruzeiro desfrutando de uma fama e de um mediatismo que não tem paralelo com o trabalho produzido. Mahler escreveu que a chave da sua interpretação era a exactidão e o que estava para além das notas e, neste caso, não se obteve nem uma coisa nem outra.

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O sabor amargo do Café Zimmermann

2011-04-07T16:34:00.002+01:00

Publicado originalmente no Jornal "O Diabo"

Café Zimmermann – Bach – Concerts avec plusiers instruments – V – Edições Alpha 168

Henrique Silveira – crítico

O famoso café de Leipzig onde Telemann e Kunhau reuniam o seu Collegium Musicum, posteriormente retomado por Bach de 1729 a 1737, dá nome a um agrupamento barroco.

Certamente o leitor já apanhou desilusões na sua vida. Uma das minhas maiores desilusões foi ter assistido a dois concertos deste agrupamento e ter percebido que o que eu entendia por quatro bons CDs de música de Johann Sebastian Bach não tinha a menor correspondência com o agrupamento em si, pelo menos à primeira vista.

Constatei que um dos directores do grupo, Pablo Valleti, tem uma técnica pobre e aflitiva no seu violino, e que apesar de se arrogar ser defensor da prática do violino barroco do início do século XVIII, não prescinde da queixeira, inventada apenas no século XIX por Ludwig Spohr, e do vibrato, técnica utilizada sobretudo a partir do século XX. Por outro lado a sua direcção é inexistente em concerto, preocupado com os aspectos técnicos do seu instrumento e deixando ao deus dará o resto do conjunto, que no caso de serem grande músicos lá se vão aguentando, mas no caso habitual, provavelmente para poupar, e como se trata de uma formação sem uma base fixa, acaba por redundar em desastre. A outra directora do agrupamento, Céline Frisch, é uma pobre cravista ao vivo.

Depois desta constatação a recepção de um novo disco deste agrupamento será sempre olhada com um sabor amargo. E assim acontece com este quinto CD da colecção dedicada aos concertos com vários instrumentos de Bach, que inclui a obra solística, os concertos duplos, triplos e quádruplos e ainda os concertos de Brandenburg do compositor alemão. Começa o CD com a suite nº3, os tempos são vigorosos mas sente-se insegurança na entoação, a rapidez excessiva esconde a insegurança que os membros do grupo têm na retórica musical de Bach. A famosa ária é apenas mais uma banalidade de filme de pacotilha, no seu pobre enunciar das linhas, som magro e falta de nobreza no final das frases. Cada frase parece que vai acabar o texto musical e nunca anuncia nada de novo. É feito a despachar e o belo eterno de Bach banaliza-se na conversa da treta. Cada nota sustentada pelos violinos e violas é uma tortura infindável apesar de apressada por um agrupamento nervoso. A suite arrasta-se pelos trompetes falsamente naturais onde vai sempre faltando qualquer coisa e onde os trios conclusivos soam sempre deselegantes.

Segue-se o concerto para cravo em fá menor BWV 1056, com uma interpretação pouco inspirada de Frisch e um acompanhamento a uma voz por parte algo tristonho.

O pior do disco é o concerto Brandeburguês nº6, onde a desafinação de Valetti e das restantes cordas é constante numa constante sopa de notas acabando o último andamento, um allegro, numa queda para o abismo da pobreza sonora. Um concerto demasiado difícil e fora do alcance técnico e estético deste grupo. Nem os gurus da pós-produção da Alpha conseguem disfarçar o mau produto de base, simplesmente vergonhoso.

O triplo concerto BWV 1063 para três cravos, agora com Dick Boerner e Anna Fontana adicionados a Frisch, termina menos mal um CD fraco. Creio que a o facto de aqui a direcção ser de Frisch em vez do pobre Valetti dá um pouco mais de cor a um conjunto pouco conseguido.

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A Luta de Vasco e Nuno

2011-03-30T10:10:00.004+01:00

Ópera Banksters em estreia absoluta no S. Carlos

Henrique Silveira – crítico

Estreia a 18 de Março de 2011 com sala pouco mais de meia. Direcção musical de Lawrence Renes com Orquestra Sinfónica Portuguesa e Coro do Teatro Nacional de S. Carlos. Obra do compositor Nuno Côrte-Real com libreto de Vasco Graça Moura.

É célebre a imagem de Jacob lutando durante a noite com um ser, nunca nomeado mas interpretado como um anjo, nas pinturas de Rembrandt, Delacroix ou na gravura de Doré. Essa imagem vai percorrer a encenação de João Botelho: a luta constante entre esse estranho ser, enviado de um paraíso fiscal, Angelino Rigoleto, tenor Musa Nkuna, e o banqueiro Santiago Malpago, barítono Jorge Vaz de Carvalho. O denso texto original de José Régio, Jacob e o Anjo, que se aplicava a D. Afonso VI é desmontado e reconstruído por Graça Moura que cria um libreto em rima de um finíssimo sentido de humor e musicalidade, misturando alguns elementos brejeiros com uma refinada erudição. A obra original de Régio serve de prancha de salto para a história de um banqueiro, visitado por um ser estranho que precipita a acção. O banqueiro é traído pela mulher, Mimi Kitsch, soprano Sara Braga Simões, e pelo Accionista irmão de Santiago, barítono Diogo Oliveira.

A música de Côrte-Real não acompanha o sentido de humor de Vasco Graça Moura, criando-se assim o principal equívoco desta obra. Côrte-Real sabe utilizar a prosódia e o português resulta muito legível mas aquilo que seria, à partida, uma tragicomédia resulta, através da música, num produto muito enfático, continuamente sobrecarregado na orquestração com uso e abuso dos metais, muito denso de graves, muito repetitivo na exploração do material temático e no abuso da marcação pelos tímpanos, quase sempre em fortíssimo, de ritmos assumidamente brutais, como o do “malhão malhão” dos Zés Pereiras, que deixam o auditor num sufoco de tensão que nunca distende, acabando tudo em ambiente de tragédia pura e dura.

A música é sempre ofegante. As citações contínuas de outros trechos musicais, assumidas ou inconscientes, como o cliché dos violoncelos após um momento mais pungente, acabam por perder o efeito e são mais uma máscara que se confunde com a realidade. Os momentos de grande beleza musical banalizam-se pela sua exploração exaustiva onde falta a concisão. A constante divagação estilística de Crte-Real é uma espécie de barroquismo pós-moderno que, de tão assumido, se torna num pastiche que nem sequer consegue ser reaccionário. Após uma muito interessante e fresca Oratória Popular, estreada recentemente em Torres Vedras, esta ópera é, para mim, uma desilusão.

A encenação de Botelho é primorosa, resultando muito visual e evocativa e muito bem coadjuvado por todos os elementos da equipa cénica.

O maestro não conseguiu dar coesão ao todo e o coro foi a habitual abominável colecção de cromos aos gritos. Grande dignidade na representação e canto de Vaz de Carvalho, com bela dicção, e uma muito interessante Sara Braga Simões [teatralmente] com Diogo Oliveira a cumprir bem, Musa Nkuna foi fraco e Chelsey Chill foi excessiva, o resto dos cantores primou por uma fraca mediania.

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o - Mau, * - sofrível, ** - interessante, *** - bom, **** - excepcional

Nota -Este texto curto de cerca de 3000 caracteres não me satisfaz. As necessidades jornalísticas forçam-me a uma concisão que, apesar da disciplina que impõe, é castradora e deixa a crítica sempre incompleta. Mas são as regras do jogo.

Orquestra Sinfónica Portuguesa II

2011-03-20T11:25:00.003Z

Publicado originalmente no Jornal "O Diabo"

Henrique Silveira – crítico

Continuamos a analisar nesta edição a Orquestra Sinfónica Portuguesa. Como vimos é uma orquestra fraca que custa ao erário público mais de cinco milhões de euros por ano com os seus cento e dez músicos. Uma orquestra que nada tem evoluído desde a sua fundação. Uma orquestra que oscila na esquizofrenia de ser ao mesmo tempo uma orquestra sinfónica e uma orquestra de ópera e não faz bem nem uma coisa nem outra.

Quais as soluções para este problema crónico? Como escrevemos anteriormente não existe avaliação de desempenho. Os maestros vão e vêm e nunca deixam escrito qual a impressão causada por este ou aquele naipe, ou pelos músicos em particular. Depois das audições para entrar na orquestra nunca mais os músicos têm de provar se estão aptos, os instrumentos são de má qualidade e o som, sobretudo nas cordas, é horrendo. Este estado de coisas, com uma crítica geralmente amorfa e com pouco espaço, leva a que muitos músicos se estejam nas tintas para o estudo e a arte, e a coisa sai como calha e se vão dedicando a outros projectos que lhes vão rendendo proventos extra.

Qual a solução? No meu entender é simples, extinção da orquestra como orquestra “sinfónica” e passagem a “Orquestra Nacional de Ópera”. Redução dos quadros a cinquenta e cinco músicos escolhendo apenas os mais capazes e indemnizando os restantes através de audições com um júri internacional e os músicos a tocar atrás de cortinados. No futuro fazer uma avaliação de desempenho anual, com avaliações pelos maestros e por eventual audição dos músicos. Os avaliados como “insuficiente” por duas vezes teriam de sair da orquestra. Enfim, reformar a orquestra e transformá-la numa organização séria e capaz. Hoje em dia o público está afastado da orquestra pela sua falta de qualidade e esta não presta um grande serviço à comunidade. Deve-se investir o dinheiro poupado, que será da ordem dos três milhões de euros por ano, para fazer uma sala de ensaios e uma sede para a orquestra. Ao longo dos anos o dinheiro poupado permitiria uma muito maior actividade artística do Teatro de S. Carlos.

Para os concertos Portugal conta com orquestras de nível muito superior que cumprem a função de transmitir a música sinfónica ao público, orquestras que têm público fiel e mantém um nível razoável.

Os outros corpos artísticos permanentes sofrem dos mesmo defeitos. O coro do Teatro de S. Carlos é péssimo e os bailarinos da Companhia Nacional de Bailado na sua maioria já nem sequer dançam. É necessário acabar com este estado de coisas que apenas serve para esbanjar dinheiro aos contribuintes portugueses, nesta época de crise, e criar soluções que permitam salvaguardar os artistas e o público.

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Esclarecimento (a sair na edição de 22 de Março de 2011) – Nunca escrevi que a OSP deve ser extinta, o que eu defendo é a extinção do nome “Sinfónica” e a substituição por “Orquestra Nacional de Ópera”. Defendo de facto a redução de quadros mas penso que se devem, e cito, : “...criar soluções que permitam salvaguardar os artistas ...”.

Orquestra Sinfónica Portuguesa I

2011-03-20T11:19:00.004Z

Publicado originalmente no jornal "O Diabo"
Henrique Silveira – crítico

Mega Ferreira, presidente do CCB, anunciou com pompa e circunstância que a obra Daphnis et Chloé de Maurice Ravel seria apresentada nos Dias da Música, esse sucedâneo da Festa da Música, mais pobrezinho que o evento anterior e baseado fundamentalmente nos mesmos princípios. A obra de Ravel é extraordinária, é necessário um grande refinamento da orquestra e do coro.

A obra vai ser entregue à Orquestra Sinfónica Portuguesa, o que me levou a esta reflexão. Pois fique sabendo que a orquestra custa mais de cinco milhões ao Estado por ano, foi fundada em 1993 e nunca se conseguiu afirmar como uma orquestra razoável sequer no plano português sem falar do plano internacional. Desde a sua criação a Orquestra Sinfónica Portuguesa nunca se livrou de alguns problemas que assolaram a sua existência.

Em primeiro lugar a esquizofrenia de ser uma orquestra de ópera e ao mesmo tempo uma orquestra de concertos, os seus 110 elementos nunca se encontram em conjunto para fazer ópera e nos períodos em que há ópera não se fazem concertos. Se em Viena a Filarmónica, associação livre de músicos do teatro de ópera, se reúne nos seus tempos livres para ensaiar e fazer concertos aos Domingos, com uma carga enorme de trabalho que conjuga mais de 300 noites de ópera com dezenas de concertos, a sinfónica portuguesa terá cinquenta noites de ópera e uma vintena de concertos anuais, com uma produtividade baixíssima. No entanto os seus padrões de qualidade são tão baixos que seria impossível uma maior produção, acresce a isso que a orquestra portuguesa não consegue fixar repertório devido o número ínfimo de vezes que se apresenta em público.

Em segundo lugar esta orquestra tem sido desprezada pelo poder político e por todas as tutelas, sem excepção, desde a sua criação. Não tem uma sala de concertos própria, o que a par da sua falta de qualidade, tem contribuído para um total desfasamento do público. Por outro lado não tem salas de ensaio, estudo, biblioteca, ou gabinetes de trabalho e estúdios para os músicos desenvolverem as suas actividades relacionadas com a orquestra e paralelas e nem sequer espaços de arrumações dignos desse nome têm para guardar instrumentos que podem ser volumosos. Andam com a casa à costas ensaiando onde calha, muitas vezes no impróprio Salão Nobre do Teatro de S. Carlos.

Finalmente a orquestra não tem na sua constituição músicos verdadeiramente excepcionais e não há qualquer avaliação de desempenho. Os lugares são de funcionalismo público, seguros e para sempre. Toquem bem ou mal ninguém os repreende. As críticas eram penosas no início mas a coisa está tão estagnada que os críticos já nem se dão ao trabalho de ir aos concertos e nas críticas das ópera andam pela condescendência e evitam referir-se à orquestra.

Desde 1993 nunca a orquestra evoluiu, os críticos internacionais com quem tenho falado dizem-me sempre: que pena, a vossa orquestra nacional é tão fraca... Se no Índice de Desenvolvimento Humano Portugal aparece pelo lugar 30 a nossa orquestra nacional terá à frente, e de longe, mais de trezentas orquestras, o que diz bem do estado de coisas da orquestra pública.
Continua.

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O substituto

2011-03-16T11:59:00.002Z

Henrique Silveira - crítico

Abertura da Flauta Mágica de Mozart, Canções de um Viandante de Gustav Mahler e Sinfonia nº 15 de Chostakovich. Orquestra Gulbenkian com direcção de Ainars Rubikis e o barítono Georg Nigl. 24 de Fevereiro, Fundação Gulbenkian. Sala a quatro quintos.

Yakov Kreizberg por motivo de “força maior” não veio dirigir a Orquestra Gulbenkian nesta semana de Fevereiro, foi subtituído pelo jovem Rubikis, nascido em Riga em 1978, terra de grandes músicos e de grande tradição. O concerto iniciou-se por uma esquecível abertura de Mozart, onde a falta de domínio da linguagem mozarteana por parte de maestro e orquestra, e a total trapalhada e desacerto nas entradas constituiram uma entrada displicente. Salvou-se o clarinete, com sonoridade clássica, de Esther Georgie.

Seguiu-se um barítono a cantar Mahler que, apesar de atacar os agudos quase impossíveis da partitura e de uma boa forma de dizer a poesia em alemão, foi atraiçoado por uma má técnica vocal, um stress vocal excessivo nos fortíssimos, em que abusou da gritaria, e um mau domínio do diafragma e da respiração. Foram frequentes as frases acabadas em perda e desafinação quando lhe faltou o fôlego, tudo fruto de má coordenação do diafragma e dos pontos de respiração. Foram demasiados defeitos graves e, apesar de ter começado nos pequenos cantores de Viena, uma má escolha da direcção artística da Gulbenkian.

A segunda parte teve a última sinfonia de Chostakovich com Allegretto, Adagio, Allegretto e Adagio - Allegretto. Apesar de falta de coordenação nas entradas dos metais e da falta de comunicação entre trompas (bem) e trombones (menos bem) sobretudo nos Adagios, apesar de alguns pizzcati descoordenados nas cordas, apesar de entradas fraquinhas nas madeiras agudas e apesar de uma resposta lenta ao gesto do maestro por parte da orquestra, foi uma leitura interessante, embora mais pelo lado doce e subtil do que pelos momentos mais duros e agrestes do ácido humor de Chostakovich. Divertidas citações de Rossini e negras as citações de Wagner que o compositor vai amenizando ao longo do último andamento acabando de forma mágica nas belas e etéreas percussões finais. Muito empenhados todos os solistas com destaque para o violoncelo. O maestro esteve empenhado e atento mas o seu gesto nem sempre foi eficaz na comunicação com os músicos.

O final da obra foi belíssimo, Estaline já estava morto e Chostakovich pode despedir-se deste mundo sem peias estéticas, caminhando para as estrelas.

Orquestra: a melhorar a atenção e coesão nas entradas em andamentos lentos e o aprumo patente na falta de verniz nos sapatos que já mereciam uma visita ao sapateiro.

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Viva a luta

2011-03-10T11:24:00.001Z

Homens da Luta: o festival português e o internacional já são uma bandalheira. Ganharam estes que vão para o gozo em vez de uns outros quaisquer que acreditam naquilo. Acho uma desconstrução pobre mas ao menos é uma desconstrução.

1+1=1

2011-03-10T11:05:00.003Z

Henrique Silveira – crítico

O Teatro Nacional de S. Carlos levou à cena mais uma produção, desta feita reuniu a Gianni Schicchi de Puccini a experiência operática Blue Monday de Gershwin. Assistimos a 17 de Fevereiro com a casa quase cheia. Dirigiu Martin André, director artístico do Teatro à frente da OSP. Parece que o grande elo de ligação era o facto de as duas óperas terem sido estreadas em Nova Iorque! Note-se que o Gianni se integra num ciclo de três óperas curtas juntamente com Suor Angelica e Il Tabarro.

Começou-se pela experiência de Gershwin, Blue Monday, produto híbrido de vinte e cinco minutos, nem carne nem peixe, nem jazz, nem blues, nem musical, nem ópera, numa história que pretendia parodiar a ópera verista e que acaba por se tornar num episódio mau de “soap opera” em triângulo em que nem sequer existe intrigalhada. Presentes: Tom o cantor por um João Merino com inglês de Sacavém, a mocinha, Vi por Laura Giordano, que mata o rapaz, o jogador Joe por Mário João Alves, por julgar que este recebeu um telegrama de uma outra mulher que, afinal, era apenas a notícia de que a sua mãe tinha morrido, isto perante os assistentes Mike, dono do café onde se passa a acção por Nuno Dias, e Sam, o faz tudo, por João de Oliveira.

Fracasso claro de Gershwin mais por causa de uma história pobre e teatro deficiente do que pela música que não serve qualquer propósito dramático. Fracasso que mais uma vez se estendeu a esta récita onde Martin André não conseguiu dar um cheirinho de blues e a orquestra esteve monótona e os cantores também se limitaram a cantar as notas e não “o que está entre estas” como disse o maestro numa entrevista.

Já o Gianni Schicchi, foi interpretado com mais entrega pelos cantores, sendo o titular Yanni Yannissis e sua fillha Lauretta por Laura Giordano os mais cotados, cumprindo de forma agradável o papel. A família florentina que se debate pela herança do velho Buoso Donati a quem velam, Maria Luísa de Freitas, Carlos Guilherme, Ana Paula Russo, Miguel Neves, João de Oliveira, Nuno Dias, Jorge Martins, Luisa Francesconi, Simeon Dimitrov, Rui Baeta, Christian Luján e João Rosa estiveram razoáveis com um ligeiro destaque para o sobrinho Leonardo Capalbo. Martin André mais uma vez dirigiu sem grande brilho todo o conjunto mas de forma mais equilibrada do que na ópera de Gershwin e a orquestra, apesar do som miserável dos violinos, cumpriu.

A encenação a cargo de André E. Teodósio foi inapta na direcção de actores em Gershwin, onde os actores cantores andavam à deriva no palco, e mais interessante nas marcações em Puccini onde sublinharam bem o sentido da comédia e do teatro de Puccini. E, se quem tinha visto a desastrosa encenação de “Um Outro Fim” de um barroquismo pós-moderno confusionista, que o encenador coloca numa perspectiva preparatória desta encenação, vai encontrar aqui em Blue Monday e em Schicchi um convencionalismo total. Dá a ideia que o S. Carlos e os estereótipos referidos pelo encenador em diversas entrevistas, como aquele dos casacos de pele do intervalo, o intimidaram e o impediram de se tornar o Schlingensief tuga. É pena, pois é necessário um verdadeiro subversivo em S. Carlos. Sobra a ideia do carro funerário, que desvenda o mistério antes do tempo em Gershwin e é redundante em Puccini. A grande ideia é o carro funerário? E daí?...

Blue Monday – o

Gianni Schicchi – **

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Sofia – A Hora da Alma

2011-03-10T11:04:00.003Z

Henrique Silveira – crítico

Sofia Gubaidolina, a grande compositora russa nascida em 1931 na cidade tártara de Chistopol, esteve em Lisboa. O programa da sua visita foi preparado por Filipe Pinto Ribeiro, pianista que estudou em Moscovo e profundo conhecedor da música russa fundador do Schostakovich Ensemble, e incluiu quatro concertos, a projecção de um documentário e um encontro com a compositora.
Todos estes eventos tiveram lugar no Centro Cultural de Belém. Em particular assistimos ao “... Para Gubaidulina” um concerto de câmara no dia 9 de Fevereiro no Pequeno Auditório esgotado. Escutámos o Schostakovich Ensemble nas seis bagatelas de Webern, tocadas com precisão e alma.
Já o quinteto de Schostakovich op. 57, teve uma interpretação muito vigorosa, talvez excessivamente pesada, sobretudo no som das cordas, por vezes em desequilíbrio numa tentativa de puxar pelo som, um pouco dentro da escola russa actual de cordas. Penso que teria sido mais interessante uma leitura mais irónica e menos densa.
O prato forte, porque todos esperavamos, era a segunda parte do concerto com abras da compositora russa. Depois do notável exercício sobre a última fuga de Bach, excelente tocada, mais uma vez com precisão e alma, tivemos uma notabilíssima execução do “funânbulo” para piano e violino. Tatiana Samouil esteve notável no violino e Filipe Pinto Ribeiro foi magistral na forma como criou sonoridades sombrias e misteriosas com um copo de água a roçar a cordas do piano e na forma como tocou o final da obra ao teclado. A incisão e o lado obsessivo do violino, estranhamente evocativo, lembraram um quadro de Chagall, simplesmente notável a obra e a execução.
A obra mais exigente veio finalmente com a presença de sete violoncelos em palco, um solista: Nicolas Alstaedt, membro do Schostakovich ensemble e seis convidados: V. Bartikian, R. Reis, J. Lake, T. V. Pereira e M. Kiska. A própria compositora e Filipe Pinto Ribeiro tocaram aquafones, instrumentos com varetas de metal e um ressoador com água accionados por arcos. Faltou precisão aos tutti dos violoncelos mas percebeu-se a notável e etérea construção de Gubaidolina onde o tema do Dies Irae se vai insinuando de forma persistente até à dissolução final. Apesar de algumas pequenas falhas um excelente concerto. Público em delírio. Foi a Hora da Alma.
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Al-Kindi

2011-03-10T11:03:00.003Z

Henrique Silveira – crítico
Al-Kindi ensemble com direcção de Julien Weiss, coro Munshiddin e Derviches da Irmandade Qaderi de Aleppo na Síria com direcção do Sheikh Habboush e Coro Bizantino Tropos de Atenas com direcção de Konstantinos Angelidis.
31 de Janeiro, Fundação Gulbenkian. Sala esgotada.
Al-Kindi foi um sábio árabe do século nono de Bagdade que introduziu a filosofia grega no mundo árabe. Um nome que é também a paráfrase de um grande concerto na Gulbenkian reunindo diversos mundos no mesmo palco e tendo como tema Maria mãe de Jesus (considerado um Grande Profeta pelo Islão), que se celebrou num Stabat Mater estilizado entre gregos e árabes.
Um longo concerto com música árabe e bizantina, uma revelação de grande beleza das relações entre a complexa estrutura dos coros bizantinos na sua enorme riqueza modal, notável sobretudo em “Theotoke Parthene” nos oito modos bizantinos, paleta incrível da gama de recursos vocais e musicais da música grega, e o mundo árabe com o extraordinário e famoso Al-Kindi do suíço Weiss, radicado na Turquia e entretanto convertido ao islão, e que reune os melhores intérpretes em flauta, Rebab, Percussão e no canto de Bekir Buyukbas, um autêntico poeta na forma como diz e canta o árabe clássico.
O Sheikh Habboush da irmandade Qaderi (Sheikh quer dizer numa tradução livre: homem sábio ou, de outra forma: ancião) é um homem da mais profunda tradição musical da Síria, mais melódico e doce do que Buyubkas, recriou pela sua voz no nosso imaginário as viagens ao Oriente em que genuínos derviches giram até ao transe místico ao som encantatório dos instrumentos tradicionais, onde pontifica a Cítara de Weiss.
Negativa apenas a ausência do oud de Qadri Dalal (habitual neste projecto) e de um coro bizantino reduzido a metade do seu efectivo. Será que a Gulbenkian para poupar nos cachés apenas nos deu a conhecer metade do projecto ecuménico de Weiss? Ou será que os músicos optaram por viajar em formação reduzida? O que é certo é que o peso sono dos oito bizantinos na sala da Gulbenkian foi insuficiente para o espaço e que o alaúde árabe é indispensável num concerto de música tradicional deste universo sendo a sua ausência lamentável.
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Crédito a vinte anos

2011-03-10T10:59:00.002Z

Henrique Silveira – crítico

Sinfonia nº 9, em Ré maior – Gustav Mahler. Orquestra Filarmónica de Los Angeles com direcção de Gustavo Dudamel

22 de Janeiro, Fundação Gulbenkian. Sala esgotada.

Dudamel é um maestro jovem, ainda na casa dos vinte anos, e nesse ponto reside a sua maior força e o seu maior defeito, controlando a partitura de cor, sabendo os pontos chave das entradas, dos tempos e dos lugares, domina a milionária orquestra de Los Angeles, da qual é titular, não se deixando dominar pela mesma. É notável a empatia que os músicos estabelecem com o seu maestro e a forma como respeitam a sua direcção. Tudo gira em torno do seu gesto vigoroso, determinado e perfeito. Dudamel é técnica natural e é arrojo expressivo.

Um fruto do sistema venezuelano, que torna jovens excluídos em músicos, Dudamel acabou por se tornar num produto do “star sistem”, suprema contradição. O excesso, o entusiasmo, a subversão do “clássico tornado rock”, como vem em todas as folhas de programa onde Dudamel aparece, o excesso sonoro e a origem humilde formam uma mistura que deixa os americanos à beira de um ataque de histeria e serve às mil maravilhas a Universal na promoção do seu “produdo”. Felizmente Dudamel é um pouco mais do que isso.

Nesta nona de Mahler, além do virtuosismo técnico e da beleza sonora e qualidade da orquestra, aspectos evidentes, foi óbvia a falta da compreensão profunda do Mahler final, um Mahler sombrio e depressivo que, lido de forma exuberante e linear por Dudamel, foi muitas vezes banal e pouco refinado. Soube por isso a pouco a falta de minúcia no detalhe da metamorfose do belo no horrível, metáfora tão evidente nas trompas que se cruzam do som natural ao som com surdina e atravessam a fronteira do etéreo para o mais horrível sofrimento em poucos segundos. Essa má passagem no primeiro andamento foi o paradigma de Dudamel, superficial, pouco gradual, evidente como um mágico que deixa perceber os truques.

Se somarmos a isto a falta de sentido do sarcasmo e da ironia num Ländler grosseiro, e a falta da sustentação do som nos violinos nas passagens mais expostas nos agudos em pianíssimo, com excesso de stress no som, abusando agressivamente do vibrato em todas as cordas, sobretudo no rondo, acabamos num Mahler técnico superficial. Mahler disse que “a música está para lá das notas” e Dudamel ainda não percebeu bem isso.

Talvez dentro de vinte anos esteja pronto para esta música e isso compreendeu-se no Adagio conclusivo, onde Dudamel tocou a estrela onde Mahler vive. E que belo final onde após o último som morrer a sala esperou um minuto e, milagre único nesta noite até as tosses se calaram, pelo gesto redentor e apaziguador do maestro a fechar o gesto.
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Uma Katia Inclinada

2011-03-10T10:56:00.004Z

Versão não cortada - a que saiu no jornal teve de ser amputada por razões de espaço.

Henrique Silveira – crítico

Kátia Kabanová – ópera de Leos Janácek, Teatro Nacional de S. Carlos (TNSC), casa muito fraca com menos de metade da lotação. Dia 14 de Janeiro, 20h30m com meia hora de atraso.
Orquestra Sinfónica Portuguesa com direcção de Julia Jones, coro do TNSC. Katerina Kabanová: Ausryne Stundyte, Tichon: Hans Georg Priese, Marfa Kabanová: Dagmar Peckova, Boris: Arnold Bezuyen, Dikoi: Magnus Baldvinsson, Vánia: Finnur Bjarnason, Várvara: Anna Grevelius substituída em playback por Natascha Petrinsky, ainda com Larissa Savchenko, Mário Redondo, Ana Cosme, Luísa Lucena e João Queirós. Encenação de David Alden, figurinos de Jon Morrel, coreografia/equilibrismo: Maxine Braham e luzes de Adam Silverman. Co-produção com o teatro Wielki-Opera Varsóvia e English National Opera.
Com a direcção musical de Julia Jones tivemos o prazer de poder ver e ouvir Janacek (1854-1928) pela segunda vez em alguns dias após “Da Casa dos Mortos” na Gulbenkian. Desta feita o TNSC apresentou uma verdadeira encenação da obra do compositor moravo estreada em 1921.
A prevista Grevelius, com problemas de saúde, não pode cantar e foi substituída à última hora por Petrinsky, que cantou num camarote adjacente ao palco seguindo a partitura. O atraso de meia hora deveu-se à chegada em cima da récita da cantora, que nem sequer. Petrelius ficou em palco a esbracejar e a abrir a boca a fingir que representava e cantava, mas o efeito era sobretudo cómico: o som vinha de um lugar completamente díspar. No entanto parece ter sido a única solução para não cancelar a récita e evitar ao anémico público presente a devolução do valor dos bilhetes. Saúda-se a solução do problema mas os efeitos teatrais foram comprometidos em todas as cenas em que Várvara intervinha.
A direcção musical de Julia Jones foi atenta às vozes e pode-se dizer que foi notável o esforço da substituta para tentar tão em cima do acontecimento salvar a récita e, apesar da descoordenação inevitável, conseguiu-se um resultado vocal sofrível.
A encenação esteriotipada de Alden contava com um plano inclinadíssimo em palco, parece que o encenador quis dar aos cantores o máximo de desconforto, além de actores e cantores, passámos a ter equilibristas no palco do TNSC, daí, provavelmente, a necessidade do coreógrafo Braham, só com grande prática e treino se pode transformar um cantor de ópera numa espécie de artista de circo, uma vez que as marcações, limitadas pela geometria peculiar do palco ficava limitada ao evitar escorregar e cair dentro do fosso da orquestra. Um dos membros do coro deixou mesmo cair um objecto que tinha na mão e este foi cair em cima dos músicos. É caso para dizer que além do traje de cerimónia faltavam capacetes amarelos aos membros da orquestra. Se a inspecção das condições de trabalho fosse mais rigorosa e tivesse feito uma rusga lá acabava a récita antes do tempo por falta de rede.
A casa dos Kabanov era uma espécie de parede de uma barraca gigante, um mastodonte de madeira, que andava de um lado para o outro em palco criando as diversas atmosferas (des)necessárias.
Depois a ideia de que os russos andam todos de colete e barrete e que dentro e fora de casa andam sempre vestidos de igual parece saída de um filme dos anos trinta e não de uma encenação que não entendeu o âmago da peça de Ostrovski, adaptada por um Janacek que faz verdadeiro teatro e caracteriza os personagens do ponto de vista psicológico de forma notável, uma reflexão sobre as fraquezas humanas, a culpa, o amor, a convenção e a religião. Com Alden tudo é estereótipo, tudo é superficial e resume-se a não cair para dentro da orquestra. Pode-se dizer que se percebe que o encenador é homem de teatro e que tem alguma competência mas que não esteve inspirado.
Como sempre ns últimos tempos a que tenho assistido à OSP, esta esteve francamente mal: excessos de som nos metais, violinos horríveis em termos de beleza sonora, desafinados, sem corpo, desconcentração geral e som mal equilibrado e feio.
O coro, alvíssaras, tem uma intervenção muito breve e no meio da tempestade a coisa passou despercebida.
Salvaram-se algumas vozes, sobretudo as da Stundyte e Peckova. Priese e Bjarnsson cumpriram e o tenor Bezuyen, que conhecemos de Bayreuth, esteve muito fraco nos agudos exigentes mas acabou por cumprir no resto. Baldvinsson foi grosseiro vocalmente e teatralmente e exibiu uma voz cansada e envelhecida.
Mesmo assim o nível acabou por superar o dos tempos da última direcção de Dammann.
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Esa Pekka Salonen em Lisboa

2011-03-10T10:55:00.003Z

Henrique Silveira – crítico

Philharmonia Orchestra, Coro Gulbenkian, Attila Fekete, tenor, e Michele Kalmandi, barítono. Direcção de Esa-Pekka Salonen no Coliseu dos Recreios de Lisboa a 13 de Janeiro. Casa a 90%.
Na acústica péssima do Coliseu dos Recreios foram interpretados o Mandarim Maravilhoso e a Cantata Profana de Béla Bartók e a Sagração da Primavera de Igor Stravinsky. Deve-se dizer que este programa é um tremendo tour de force por páginas da maior dificuldade técnica da história da música. Com armadilhas rítmicas em tempos irregulares, entradas sucessivas dos instrumentos em ritmos alucinantes, todo este programa punha à prova a capacidade de resistência à pressão de maestro e músico em duas horas de concerto.
Se o Mandarim Maravilhoso foi um extraordinário jogo de clareza e transparências nos diversos planos sonoros em que todos os instrumentos brilharam, a Cantata Profana teve muito mais difícil apreensão pelo público. A orquestra acotovelava-se no palco onde celesta, piano, órgão, harpa e diversos altifalantes disputavam o espaço. Os altifalantes devem-se ao facto de na acústica do Coliseu nem o coro conseguir ouvir a orquestra nem a orquestra o coro, criando-se dificuldade de coordenação e comunicação insanáveis. O som do coro parecia vindo do fundo de um poço.
Mas quando se tem Salonen nem tudo está perdido e o maestro finlandês conseguiu estar em todos os pontos essenciais da partitura, com uma atenção aos detalhes, às entradas de vozes e instrumentos, com uma capacidade de comunicação através da minúcia não fabricada ou falsa de um gesto ao mesmo tempo essencial e completo. Creio que esta capacidade de comunicação, uma grande musicalidade e uma capacidade de análise e conhecimento das partituras faz deste maestro uma tremenda força que é capaz nas mais adversas circunstâncias transformar o impossível no belo. Um modelo copiado por seguidores mas quase impossível de seguir na sua eficácia.
Os cantores solistas fizeram o possível por se ouvir no inferno acústico do Coliseu, com algumas reservas em alguns agudos do tenor que saíram partidos.
A Sagração da Primavera foi um coroar perfeito do trabalho de Salonen, os aspectos rítmicos foram realizados de forma superlativa, numa direcção que mais uma vez privilegiou o detalhe, a clareza, a elegância e o equilíbrio em detrimento do lado mais selvagem da partitura.
Os pontos altos foram a clareza e a qualidade sonora geral, trabalhados com grande detalhe, a suavidade e ao mesmo tempo a densidade dos metais, a pujança e energia das cordas. Sublimes os pianíssimos quase inaudíveis da orquestra e em particular dos trompetes.
A orquestra dos tempos de Walter Legge continua a sobreviver com mais ou menos dificuldades, os contratos agora são precários e os músicos nem sequer têm ordenado fixo, mas o brio, a qualidade profissional e a entrega são totais.
Brilhante também a bela exposição sobre a orquestra, um projecto da Philharmonia, patente no Museu do Design de Lisboa. A não perder.
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Da Casa dos Mortos

2011-03-10T10:52:00.003Z

Henrique Silveira – crítico

Ópera com música e libreto de Leos Janácek – Segundo o livro de Dostoievski. Fundação Gulbenkian a três quartos no dia 6 de Janeiro. Orquestra Gulbenkian. Coro (masculino) Gulbenkian. Direcção de Esa-Peka Salonen.
Esta última ópera, e obra, de Janacek é um harmonioso encontro de desequilíbrios. Uma orquestração estranha, um coro masculino, apenas uma mulher em nove cantores e um texto traduzido do russo para checo pelo compositor. São sucessões de experiências, narrativas pessoais, episódios e até teatro dentro do teatro, com as peças representadas pelos presos na cadeia siberiana. A experiência da prisão na Sibéria é colocada de forma áspera por vozes cantando no ritmo métrico da linguagem falada e por uma orquestração agreste. Como a obra não foi acabada pelo compositor a partitura sofreu diversas agressões “completantes”. Infelizmente foi uma versão para orquestra alargada e não a ideia original de Janacek que nos foi dada.
Semi-encenada esta versão de concerto teve projecção vídeo e cantores com figurinos estilizados como prisioneiros e guardas russos e movimento cénico em frente da orquestra. O coro acotovelava-se do lado esquerdo do palco e a orquestra vestida com camisas pretas, grande demais para o espaço, dava uma impressão desconfortável de ajuntamento desordenado debaixo de telões de projecção brancos.
A direcção exuberante e muita atenta aos cantores de Esa-Pekka Salonen não foi suficiente para dar coesão ao tecido musical na abertura e primeiro acto, de grande complexidade rítmica, e notaram-se descordenações dentro da orquestra ao nível das entradas de instrumentos e na coesão dos intrumentos com as vozes.
A produção vinha do Festival de Helsínquia dirigido anteriormente por Risto Nieminen, novel director do serviço de música da Gulbenkian. Veio, pois, uma armada nórdica de cantores: Esa Ruuttunen, barítono, com a voz um pouco cansada mas eficaz no alter ego de Dostoievski, Gorjanchikov; Eric Stolossa, tenor, excelente e sensível em Aljeja; Stefan Margita, tenor, impressionante na sua força eslava; Gordon Gietz, tenor, muito consistente; o baixo barítono Pavlo Hunka foi notável na sua expressividade no relato de Chiskov; Hannu Niemelä, Baixo-barítono, esteve em alto nível nos seus desdobramentos de personagens, nove no total; e muito bem os tenores Dan Karlström e Petri Bäkström; muito bela o soprano Anna Danik, num brevíssimo relance de uma prostituta.
A direcção multimédia de Kristiina Helin recorreu ao Nosferatu de Murnau, ao Lot em Sodoma de Watson e ao documentário finlandês O mundo dos Ladrões, com ressonâncias tarkovskianas, sobre uma prisão na ilha de Ognyi. Preferi as projecções de fotografias contemporâneas dos anos da composição por Janacek e a forma como Helin reforçou a importância da figura matriarcal na psique dos prisioneiros. Penso que a utilização dos Nosferatu é um cliché estafado que se deve justificar apenas pela admiração que Nelin nutre pelo cinema de Murnau. O desenho de luzes foi eficaz.
O nível musical foi subindo e as descoordenações iniciais foram passando gradualmente acabando a orquestra e o coro por se adaptarem a pouco e pouco aos gestos vigorosos de Salonen. A leitura foi mesmo assim algo enfática e primária, sublinhando pouco os momentos mais densos do ponto de vista psicológico, no entanto, este encontro de Salonen com a Gulbenkian é um excelente prenúncio para futuras colaborações.
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A Fúria Criadora

2011-03-10T10:49:00.001Z

Crítica a CD

Henrique Silveira – crítico

Johann Sebastian Bach – Passio Secundum Johannem, La Chapelle Rhénane com direcção de Benoit Haller. Zig Zag Territoires.
Bach chegou a Leipzig em 1723, é certo que em 1724 dirigiu a sua primeira Paixão, segundo S. João, nesta cidade. Era então um homem maduro, com 38 anos, com um domínio técnico total da sua arte e com uma fúria criativa verdadeiramente notável.
A Paixão segundo S. João terá provavelmente grande parte do seu texto da própria lavra de Bach, seguindo ainda o Evangelho de João. Bach utiliza o recitativo e os coros de forma extremamente viva para nos dar, de forma dramática, a narração da Paixão de Cristo, os coros são o retrato da multidão. Os corais (não confundir com os coros) luteranos e as árias comentam, de forma apaixonada, os eventos que se sucedem. O coro inicial é um fresco notável da Fé de Bach na persistência do Sol grave repetido até à exaustão pelos contrabaixos e pelo órgão gerando uma harmonia de grande complexidade que se renova sistematicamente sobre o tal sol grave, representando a renovação da Fé. O sofrimento de Cristo, os espinhos e aos pregos, são representados nas desconfortáveis notas agudas em oboés e flautas, e pelo fluxo interminável do tempo, em notas ondulantes das cordas, enquanto o coro arrasa pelos gritos de Senhor, Senhor, Nosso Senhor, o teu Nome é glorificado em todos as naçõe. Pela tua Paixão mostraste que és o verdadeiro Filho de Deus, para todos os tempos,e mesmo na maior humilhação foste glorificado!
É uma obra de amor exaltado que Benoit Haller nos traz, e é essa visão é também verdadeiramente o aspecto musical mais impressionante desta gravação que recorda a versão de 1725 com algumas árias para nós desconhecidas nas versões habituais da obra.
As vozes de Nenoit Arnoult em Jesus, Dominik Wörner em Pedro e Pilatos, Tanya Aspelmeier, Salomé Haller, Julien Freymuth, Pascal Bertin, Michael Feyfar, Philippe Froeliger e, sobretudo Julien Prégardien num evangelista tocante de uma voz colorida, jovem e rica, são jovens e vibrantes e fazem um coro de apenas oito vozes, de um brilho e uma força sem par.
A orquestra da Capela Renana com um poderoso órgão, e não um anémico positivo, enriquecida com um contrafagote e duas violas da gamba, dá uma sonoridade belíssima e cheia, com um baixo contínuo de um vigor irreprensível. O coro inicial, sobre o qual toda a obra irradia, é simplesmente arrasador na construção natural de um contraponto que serve apenas uma fianalidade: “Apenas a Glória de Deus”.
Simplesmente brilhante.
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A Invenção da Natureza

2011-03-10T10:47:00.003Z

Henrique Silveira – crítico

Concerto da Akademia Für Alte Musik, com Ariadne Daskalakis em violino e a participação do bailarino e coreógrafo basco Juan Esnaola. Grande Auditório da Gulbenkian, sala esgotada.
No programa os Elementos de Rebel (1666-1747) e as Quatro Estações de Vivaldi (1678-1741). Versões coreografadas em que a orquestra participa, sobretudo nas quatro estações.
Unir Rebel a Vivaldi fazia sentido à priori, ambas as obras são motivadas pela Natureza, sendo a obra de Rebel, com uma instrumentação muito mais elaborada incluindo flautas, oboés e percussão, uma verdadeira obra prima da invenção. Desde o caótico aglomerado de notas inicial representando o Caos Inicial, os elementos em Rebel não são apenas a Terra, a Água, o Fogo e o Ar, encontramos também o Amor e, nas danças que compõem a obra, surge também o canto imitativo dos rouxinóis e outros elementos figurativos, como as quedas de água, as montanhas, as florestas e as flores.
Nesta obra tão emblemática Juan Esnaola dançou o Caos, aparecendo em palco com uns esgares horrendos e uns trejeitos de momo, cheguei a interrogar-me se o bailarino estava a tentar parodiar, com evidente mau gosto, a paralisia cerebral. O lado musical foi o elemento mais interessante com a orquestra em grande virtuosismo a dar um colorido verdadeiramente pujante e uma dimensão telúrica da obra extraordinária de Rebel, que algumas desatenções no início, inadmissíveis num agrupamento deste nível, mancharam.
Sem intervalo sucecederam-se as Quatro Estações, obra conhecida e interpretada ad nauseam por tudo o que é ensemble barroco do mundo inteiro, aqui a leitura do coreógrafo continuou a ser literal: os sonetos que servem de mote ao Vivaldi no programa da obra, foram escrupulosamente seguidos, tivemos lareira em palco e patinadores no gelo no Inverno, tivemos caçada com os instrumentos a fingirem de espingarda com folhas espalhadas pelo palco, no Outono. A trovoada e a tempestade de Verão foram particularmente bem conseguidas. Os músicos simularam cortejos, atiraram aviões de papel, tocaram em cima de escadotes, quase toda a orquestra a tocar de cor e todos se envolveram na recriação artística de Esnaola. A solista Ariadne Daskakis tocou e dançou, tocou pendurada de cabeça para baixo, tapada com um lençol, com neve de papel a cair em cima, folhas secas, deitada no chão, sentada, em cima de um escadote. Evidentemente a música saiu a perder, desafinação constante e falta de estabilidade do som foram as notas dominantes. Foi uma visão inovadora das Quatro Estações, que ouvidas até à exaustão anteriormente, aguentam bem estes tratos de polé para se poder encontrar a outra dimensão escondida da obra. Também só faltava tocá-las de pernas para o ar depois de cada grupo ter tentado ser “inovador” na sua abordagem.
Se na primeira obra venceu a música, na segunda venceu a performance. Um espectáculo interessante, que acabou por ser pobre em dança e em música mas que ganhou na soma das partes.
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Horror em Bach

2011-03-10T10:45:00.002Z

Seis suites de Bach para violocelo na Gulbenkian
Henrique Silveira - crítico

Jean Guihen Queyras, 43 anos, canadiano residente em Fraça, apresenta-se como aquelas coqueluches típicas de Paris. Isto reflecte-se em discos premiados, em fotos de charme, e na loucura que envolve os seus concertos em França. Toca num violoncelo de 1696, um Gioffredo Cappa, emprestado pela Societé Générale. A peça de arte de Cappa foi “modernizada”: tem um cavalete mais alto, um ângulo muito superior do braço e cordas de aço.
Imagine-se que um quadro de Leonardo não se via de longe, pedia-se ao pintor “Zé dos Bigodes” para lhe avivar as cores! Isto acontece com instrumentos antigos para soarem ao “gosto” moderno, melhora o som...
Queyras deu-nos a 18 de Dezembro um concerto com a integral das suites, 140 minutos de música. A ordem sequencial das suites foi alterada, Queyras tocou na primeira parte as suites 1, 4 e 5 e na segunda parte as suites 2, 3 e 6. É uma escolha acertada pois a suite nº 5 pede a reafinação do instrumento: a corda mais aguda seria aqui baixada um tom, de lá para sol, o que se chama “scordatura”. A recuperação da afinação exige algum tempo de estabilização.
O que nos surpreendeu de início, e se agravou até ao final, foi a fraca qualidade técnica do instrumentista, notas assobiadas e guinchos (violoncelo rachado?), desafinação constante muito evidente nas passagens a duas cordas, pouca fluidez nas passagens mais rápidas, com destaque para uma trágica “courante” na suite nº1 com notas comidas e uma velocidade excessiva.
O ritmo em Queyras é uma noção vaga e subjectiva. Bach por este instrumentista é uma espécie de compositor passível de ser tocado no tempo que se quer em cada compasso, toda a retórica se perde neste pára arranca sacudido e engasgado. Queyras chegou ao extremo de tocar semicolcheias mais lentas do que colcheias num mesmo compasso da sarabade nº 2, transformando o ritmo ternário numa papa rítmica informe. A articulação é sacudida por: passagens de corda imperfeitas que estragam o legato escrito por Bach, v.g. Sarabande da suite nº5; invenção do legato onde Bach não o escreveu. Por outro lado sempre que há saltos para o grave, Queyras perde um tempo infinito, quebrando o discurso. Todo o discurso das danças originais se perdeu.
Queyras não tem um violoncelo de cinco cordas, com uma corda afinada em mi agudo, necessário para a sexta suite. Resolveu vandalizá-la no seu violoncelo de quatro cordas. Tivemos agudos baços, penosos e desafinação horrível, o mote constante deste remate azedo para um concerto miserável. Um extra de segundos de Kurtag, compositor acessível a Queyras, acabou com o tormento.
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Vésperas de Monteverdi no CCB

2011-03-10T10:42:00.003Z

Henrique Silveira - crítico

Depois de em 2008 Marco Mencoboni nos ter apresentado umas Vésperas de Monteverdi (1567-1643) na Sé Patriarcal de Lisboa, esta obra rara surge em duas versões diferentes com uma semana de intervalo. É caso para dizer que não há fome que não dê em fartura. Neste caso tivemos Claudio Cavina com a sua “La Venexiana” no grande auditório do Centro Cultural de Belém em Lisboa, a 8 de Dezembro, isto após a interpretação da semana passada na Gulbenkian.
Editadas em 1610, serviam para a celebração da liturgia das Vésperas de Nossa Senhora, incluindo os Salmos habituais da liturgia mariana e ainda “concertos” que Monteverdi intercalou na liturgia habitual com excertos dos Cânticos dos Cânticos e de Isaias, integrando ainda uma sonata sobre o “cantus firmus” Sancta Maria ora pro nobis e culminando num dos dois possíveis Magnificat que escreveu para esta obra. Se nos salmos e Magnificat é geralmente jocundo e jubilatório, nas outras secções é subtil e intimista. Uma obra destinada a impressioar o Papa feita por um Monteverdi de saída da Mântua dos Gonzagas e em demanda de um novo posto. Uma colecção do melhor que teria composto, no capítulo religioso, até então. Infelizmente o Papa não acusou a recepção da obra e Monteverdi acabou por ir para Veneza onde teve um tratamento à altura do seu génio.
Foi esta dualidade que Claudio Cavina, que foi um excelente contratenor mas cuja voz dá sinais evidentes de consaço, não conseguiu atingir. Procurou em demasia o madrigalismo a que está ligado pelo seu currículo mesmo quando a obra exige mais força vital e, sobretudo, uma retórica de pergunta e resposta, de diálogos e de ressonâncias ligadas aos lugar onde a obra foi criada, a Basílica de Santa Bárbara em Mântua, com a disposição de diversas tribunas, para além da do órgão, onde se poderiam alojar quatro dispositivos corais e instrumentais.
Acabou por ser uma interpretação frouxa e monocórdica e onde a superficialidade da leitura de Cavina nunca conseguiu atingir o âmago da partitura. Os responsórios em canto gregoriano foram pouco impressivos e a sua interpretação instável, mas valia a sua eliminação por não adiantarem nada a uma interpretação sem sentido litúrgico. Mais uma vez se procurou uma ideia de “suposta perfeição” intimista mas onde se falhou na direcção pouco consistente de Cavina que acabou por levar a uma sucessão de lugares comuns pouco ensaiados e de fraca coesão musical. Salvou-se a música belíssima do mestre italiano.
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Monteverdi e Bach na Gulbenkian

2011-03-10T10:37:00.004Z

Henrique Silveira - crítico

Começo esta nova colaboração no “O Diabo” com duas obras notáveis da história da música, realizadas recentemente nesse outro monumento da cultura portuguesa que é a Fundação Gulbenkian. Não é por acaso que começo com a temporada desta intituição, é sem dúvida a melhor temporada portuguesa e tem prestígio internacional, trazendo a este país o que melhor se faz no campo da música chamada erudita. Escrevo então sobre as Vésperas da Beata Virgem de Caudio Monteverdi, a 29 de novembro, e às Variações Goldberg de Bach, a 1 de Dezembro, ambos no grande auditório da Fundação.
O concerto de 29 contou com o agrupamento instrumental “Musica Fiata” com as vozes da “La Capella Ducale” com o inglês Roland Wilson a dirigir. Foi um concerto interessante (o pior que se pode afirmar numa crítica) em que Claudio Monteverdi foi interpretado de forma cuidada mas demasiado linear, sem exacerbar as paixões contidas na partitura. As dissonâncias e as pausas dramáticas foram sempre obliteradas “à inglesa” num estilo branco, planar, maçador. Alguns momentos de rara beleza, mais por virtude da composição do que pela interpretação, conseguiram fazer-se sentir, isso foi patente no Magnificat final. Entretanto a Sonata sobre Santa Maria foi uma catástrofe rítimica e interpretativa com destaque negativo para o segundo violino e o segundo corneto. As vozes oscilaram entre o medíocre dos segundos tenores e bom do soprano Monika Mauch.
*
O concerto de dia 1 foi verdadeiramente extrordinário, András Schiff interpretou as Variações Goldberg ao piano com um sentido notável do tempo, com uma subtileza e uma qualidade tímbrica e uma sensibilidade verdadeiramente tocantes. Afirmou ainda uma qualidade técnica que apenas titubeou um pouco nas passagens em que das mãos se sobrepõem, resultantes da escrita original para um cravo com dois teclados que, no caso do piano, resultam quase impossíveis de resolver. Uma articulação de uma grande beleza e um ímpeto notável coroaram as variações 16 e 30, num plano verdadeiramente superlativo. Schiff nunca utilizou a pedaleira, utilizando apenas o teclado numa paleta quase infinita de recortes.

o - Mau, * - sofrível, ** - interessante, *** - bom, **** - excepcional

Niobe

2010-03-26T00:35:00.006Z

Na estreia de Niobe Mário Vieira de Carvalho consegue torturar hoje pós-hermeneuticamente, e antes de qualquer compreensão possível, mais 250 pessoas com dinheiros públicos. Provavelmente hoje também o S. Carlos bateu todos os recordes de financiamento de um lugar na ópera com dinheiros públicos!

Niobe no S. Carlos: Deprimente, soturno, penoso. Menos de 250 pessoas na sala, número oficial. Próximo Domingo (récita sem assinatura) estão previstas menos de 60 (cada lugar ocupado deve ficar ao Estado mais de 1800 euros)! Confesso que se percebe este desfasamento do público. Eu cumpri a minha penitência da quaresma, talvez de dez quaresmas...

O "Intermezzo" foi simplesmente lamentável, Stockhausen com 23 anos já compunha obras menos datadas do que aquela porcaria...

Niobe no S. Carlos

2010-03-19T08:26:00.003Z

Eu nem devia ir, mas tenho uma crítica para fazer. É já no dia 25, no S. Carlos em Lisboa, e começo já a ficar doente, ontem tive uma crise fortíssima de enxaqueca: aqueles cantores e orquestra fazem prever um desastre. Quem gosta de música antiga e tem uma paixão muito particular pelo século XVII sofrerá horrores com um previsível massacre e retalhe da ópera de Stefani. Em princípio é necessário uma fortíssima preparação psicológica para conseguir passar por aquilo sem uma crise grave de saúde. A antevisão possível e aconselhável é imaginar uma catástrofe de dimensões bíblicas, preparar o riso, em vez do choro, olhar para o que vai acontecer como uma espécie de segunda Aggripina de Handel e canalizar as energias para a anedota em vez da tragédia. Depois tudo o que vier de positivo, como umas notas certas aqui e ali, uma frase acertada estilisticamente de um cantor, acabará por ser um lenitivo que apaziguará o desconforto e o desencanto de ver uma obra programada assim....

Não aconselhei nenhum amigo a ir, infelizmente lá terei de subir ao cadafalso como o cordeiro para o sacrifício quase em tempo de Páscoa. Felizmente ainda será bem dentro da Quaresma mas deverá ser uma penitência muito pior do que o cilício, o jejum a pão e água e a auto-flagelação com chicote, coisas que já não se exigem ao devoto da música antiga.
A esperança é a última a morrer e dizem-me que nunca se sabe, mas o currículo de Christroph Dammann é desastroso. Aliás, depois do fiasco de D. Branca não se percebe porque razão ficou no cargo. Dammann devia ter sido despedido com justa causa no mesmo dia da estreia falhada por razões nebulosoas e mal explicadas e desculpas que não mascaram a incompetência do alemão.
Quem o contratou fazendo um contrato ruinoso para os cidadãos e o Estado devia ser fortemente responsabilizado.
E dizem que ser crítico é agradável...

Dias da música - uma aparente má escolha

2010-03-17T10:38:00.001Z

Retrospect Ensemble é cabeça de Cartaz em mais uns "dias da música". Porquê apostar num grupo fraco, que nos últimos concertos tem sido entre o péssimo e o medíocre?
O nome de "King consort" já lá vai e este conjunto desconjuntado é um fantasma do que foi em tempos... Bola preta para a escolha, espera-se ainda mas com com algum desencanto uma boa surpresa, mas equipa que desce de divisão raramente volta ao topo.

Café Zimmermann - a poor balance

2010-03-12T09:31:00.013Z

Café ZImmermann: two concerts in Lisbon at Gulbenkian Foundation, two disasters. A live performance of Bach concerts is completely out of limits of this poor ensemble. Pablo Valetti is a kind of joke as violinist, no sense of tuning, no sense of the music, trying hard to play the notes, with no time to conduct or play the nuances, plays vibrato trying to hide the bad tone intonation of his violin (what a shame that violin in so poor hands)...
David Plantier as no sound at all, a real misery missing attacks and even giving up at the difficulties, his solo in piccolo violin was unbelievably bad in terms of tone quality and in sheer technical terms like tuning and fingering. Céline Frisch as no notion of rhythm, her solo in Brandenburg 5 was a kind of old train, running and slowing down accordingly to the hills and valleys of the path.
The rest is a bunch of mistakes and a soup of notes. The tutti in the strings was another shame, a mess, with no transparency and no colour. They play what they want avoiding the problematic notes just stopping to play in the most difficult points, hiding in the general mess! The horns didn't bother to finish the phrases in legato as written (with very difficult jumps in thirds and fifths!) and the entries where erratic. The first cello was always out of tune and the second used the vibrato like Madame Florence Foster Jenkins. The violas are so bad that is almost impossible to have words to characterize their performance...
The "trumpeter" was a cheater, technically very poor and making hundreds of musical mistakes, no 2 was completely out of his, less than average, range.
The oboes and fagotto where slightly better.
What a fraud...

Goldberg Variations by Staier

2010-03-09T23:05:00.004Z

Andreas Staier today in Lisbon: hundreds of wrong notes, but the subtle notion of the ethereal sublime in infinitesimal glimpses was always present during the performance. Was Bach there in this Clavier Übung IV? Probably.
Making a long story short: it was a catastrophic recital in the performer's perspective and not quite so in the listener's perspective.

Café Zimmermann in Gulbenkian

2010-03-08T21:11:00.007Z

The concert of Café Zimmermann this Sunday at Gulbenkian Foundation was really awful. Artistic fraud I must say. No evidence of rehearsal, bad technical preparation, no notion of tuning, no musicality at all and lots of mistakes. What a misery...
A minor detail: The trumpeter, with a fake natural trumpet (with holes), didn't even bother to pretend to play the "poor" notes.

Dammann soma e segue

2010-02-28T11:48:00.002Z

Continua o escândalo Dammann: cantores piores que maus. Orquestra péssima, coro abominável. Mais uma encenação banal, mas o pior de tudo são as escolhas artísticas. Anuncia a D. Branca do monárquico Keil (e amigo de D. Carlos) mas sem cantores para Setembro e Outubro de 2010 para celebrar a república...
Será que pagou aos que andaram por aí a fazer uns ensaios lamentáveis? Será que o tenor mostrou atestado médico? Será que não pagou aos cantores? Onde estava o plano de contigência? Que andou o João Paulo Santos a fazer com os materiais? Quanto é que este cancelamento custou ao erário público em época de crise?
E depois tem a lata de vir pedir mais dinheiro para a uma entrevista na Rádio...
A minha conclusão é que nada foi explicado por detrás de uma "doença" de um tenor, demasiado conveniente, e que me pareceu óptimo e fresquíssimo ao telemóvel no dia em devia ter sido a estreia. Como estava cheio de planos para a semana seguinte e o "seu Baile de Máscaras"! Quando lhe perguntei como ia a sua terrível doença, no final da conversa, ele disse-me: "Silêncio Absoluto o doutor deu-me uma semana de repouso" e aí tossiu uma tosse "cagalhoeira" (como se dizia na terra da minha avó) e enrrouqueceu durante 10 segundos para crítico ouvir...

CREL e Madeira

2010-02-23T13:21:00.001Z

Penso que o Miguel Albuquerque devia ser convidado para coordenar a remoção das terras na CREL...

Um artista português

2010-02-22T23:11:00.001Z

José Sousa: O homem é mesmo um grande artista e ainda há palermas capazes de lhe fazerem uns favores.

Para que serve ele?

2010-02-05T17:21:00.012Z

Este post é escrito após o concerto de 4 de Fevereiro de 2010 na Gulbenkian.

Em conversas com muitos melómanos que assistem aos concertos na Gulbenkian é costume dizer-se: "O Foster até é bom, mas não é um grande intérprete de Mozart, está fora do melhor repertório do maestro..." ou "O Foster até que dirige bem mas não é um especialista em Strauss"... ou "O Foster é um excelente maestro mas é demasiado pesado para Mendelssohn"... "A música contemporânea não é o forte de Foster, ele é muito bom noutros repertórios"... ou ainda "O Foster não é historicamente informado"...

Vem isto a propósito de um concerto a que assisti ontem. Mais uma vez observei a direcção do maestro americano em Mahler. Mais precisamente em "A Trompa Mágica do Rapaz"...

Foster dirige de uma forma assaz peculiar, circular, impreciso, o seu timming é ao compasso, nunca antecipa os movimentos e as entradas, quando não anda atrás da orquestra é porque está a tempo com a mesma. Este sintoma é, infelizmente, sinal de que Foster não dirige, Foster vai com os acontecimentos, Foster é dirigido pela obra e conduzido pela orquestra. A sua géstica é assaz deselegante, uma espécie de mistura entre um pasteleiro amassando a massa do bolo, um sinaleiro que levanta o braço esquerdo para mandar parar um trânsito há muito estacado e, a espaços, um toureiro de mãos atrás das costas depois de espetar uma bandarilha. A sua mão esquerda, de polegar invariavelmente esticado, vai pedindo boleia aos músicos da orquestra à procura da carrugem certa onde nunca entra.

Esta incapacidade de controlar os acontecimentos, a circularidade imprecisa do gesto, a errática escolha das entradas, o fecho do movimento, quando o som já lá chegou, e até expirou, são apenas sintomas de algo muito pior: uma falta de qualidade que se vem instalando e repetindo sistematicamente.

A mediocridade das suas direcções em obras mais complexas surge de forma confrangedora. Ontem, em Mahler, eu atingi o ponto de não retorno, ontem acabou o benefício da dúvida há espera de Godot há demasiados anos. Mais uma vez Foster foi grosseiro, óbvio e pouco subtil. A construção do som foi deficiente, a direcção foi superficial e não atingiu o âmago. Não foi irónica na espantosa crítica de Mahler aos críticos e perdida num óbvio, pesado e amalgamado (no mau sentido) conjunto, nunca se escutou o rouxinol, apenas os outros comparsas, e nem as quintas e as quartas sairam perfeitas e a tempo. Foster não foi trágico quando o menino morre de fome, não foi inspirado nem incisivo nem cíclico no sermão de Santo António. Com Foster não há planos sonoros, com Foster não há transparências, sobra apenas um caldo de notas onde, com muita sorte, os instrumentos entram a tempo e acabam juntos.
Com Foster não há equilíbrio, há apenas empastelamento numa espécie de corrida de carrossel ao som de um realejo. Pizzicati transformados em harpejos, entradas esborrachadas, som pouco coeso, estes os cartões de visita de uma direcção Foster quando dirige uma obra um pouco mais complexa e com mais detalhe do que "num mercado persa". É caso para dizer que este carrossel precisa de inspecção...

Mais uma vez não existiu densidade nas cordas. Afinal como se explica o critério da colocação dos contrabaixos longe dos fagotes e dos trombones do lado esquerdo da orquestra? Qual a razão do naipe dos segundos violinos, já de si pobre em som, ficar do lado direito a projectar o som para dentro da orquestra quando os violoncelos podem, com vantagem acústica, ser colocados na mesma posição sem perda de som?

Enfim mais um concerto perdido com uma direcção errática e sem critério, incerta, apenas movimento, apenas exterioridade sem a menor consequência numa riqueza musical apenas entrevista em memórias de Bruno Walter, de Szell, de Kubelik, de Boulez, alguns que me ocorreram entre largas dezenas de bons exemplos entre os quais não pontifica Foster. Grosseiro e pobre. Triste Mahler nas mão de semelhante banda de feira. E se há bons músicos nesta orquestra!? claro que há, mas com Foster temos sorte se, rapidamente, a massa se for mexendo.

Alguém dizia no fim: "Realmente o Foster não é um mahleriano". Mas afinal ele é quem musicalmente? Um especialista em Franz von Suppé? Um dedicado intérprete de Chabrier? Um grande intérprete de valsas? Um magistral director de Enesco? Um mestre da "americanada" vigorosa? Um emérito especialista em música de circo? Um Masseneano? Um dedicado especialista em música judaica? Um especialista em obras tipo: "pagode chinês" ou "bacanal" do Sansão e Dalila? Afinal para que serve ele musicalmente?

Ontem, para mim, o copo cheio finalmente transbordou e cheguei à, tantas vezes adiada, conclusão: Lawrence Foster está demasiado acomodado na Gulbenkian, demasiados anos, demasiada rotina, e nem sequer consegue vestir-se em condições para se apresentar em palco e respeitar o público, coisa que se perdoaria sem piscar os olhos a um grande artista mas que não se desculpa a quem não consegue dirigir ao mais alto nível compositores como Mahler.

P.S. Parabéns a Pedro Pacheco que conseguiu reunir energias para conseguir vestir o colete branco que respeita a casaca. Finalmente o cinturão negro de cabedal debaixo da respectiva barriguinha sobressaliente fica a bom recato. O seu a seu dono! Pacheco está mais confiante musicalmente e nota-se que bastou uma mínima mudança na aparência para aumentar a sua confiança e o seu brio profissional. E que me desculpe a brincadeira...

Götterdämmerung no S. Carlos - breves notas

2009-11-06T09:36:00.008Z

Alguns amigos pedem a minha crítica ao Crepúsculo de Wagner no S. Carlos. Tenho hesitado em escrever algo sobre o assunto. A principal razão é que existe um problema lógico inextricável, o que tivémos no S. Carlos não foi o Crepúsculo dos Deuses de Wagner, nem sequer foi uma obra de Wagner. Neste último mês tivémos, sim, o crepúsculo na senilidade de Graham Vick e o afundar num pântano angustiante de uma orquestra. Comento o que assisti ao vivo: A estreia...

De rajada que não quero perder muito tempo: esta produção teve uma cantora razoável em Brünnhilde, Susan Bullock, com um timbre algo feio no registo agudo, um vibrato agressivo nas notas em fortíssimo mas com bom sentido da frase e um Siegfried boçal e grosseiro em Stefan Vinke que, apesar de tudo, conseguiu gritar as notas do papel, ao contrário do que se passou na jornada anterior. O resto foi desinteressante, entre o mediano (por ex.: algumas vozes solistas) e o horrível (por ex.: o coro e outras vozes solistas), e não vale a pena destacar nada…

Graham Vick quer apenas destruir as ideias de Wagner, incapaz de clareza, de clarividência, pondo os personagens a actuar contra a natureza do texto e do seu devir trágico. A Gutrune submissa e inerte transformada numa assassina. O representante do eterno, mesquinho e sempre vivo mal, Alberich, vive agora decadente na senilidade (a mesma senilidade que é obsessão de Vick) é o chamado envelhecimento a velocidade supersónica, ainda na jornada anterior Alberich andava aos pulos, viçoso como uma alface na caverna de Fafner. As observadoras Normas, desprovidas para sempre de poder, preparam bombas no S. Carlos, o que até não seria despropositado. Motoqueiros em ridículas scooters eléctricas são tudo... menos convincentes. A nobre Brünhilde é bombista. O Reno, outro personagem mágico, deixa de existir transformado numa campa infecta. Só esta última questão seria suficiente para quebrar a ideia fecunda do cosmos que Wagner preparou durante 15 horas de música para o apocalipse (quase) final: nos ares refulge o fogo que consome os céus, em oposição às águas do Reno transbordando das margens e que invadem, purificadoras, as terras de Worms...
A ideia do totalitarismo presente na corte de Gunther é interessante mas banal. Os corvos de Wotan, interessante e bela ideia (pensei ao vê-los surgir), é assassinada barbaramente pelos trejeitos a que os desgraçados dos bailarinos foram obrigados pelo "coreógrafo", mais pareciam uns pardalecos tontos uma espécie de gatos-pingados esbracejantes do que os nobres observadores de Wotan, olhos do mais presente dos ausentes, olhos de Wagner afinal. Outra nota saída do bordel do "coreógafo" Ron Howell, citado universalmente pela crítica internacional como um coreógrafo sem ideias e que vive à sombra artística de Graham Vick, é a "dança" das ondinas. Confundir sedução e erotismo com aquilo é o mesmo que chamar de meretrizes a todas as mulheres...
Foi dito que Vick fervilha de ideias, que é um mágico do teatro. Eu pergunto-me: onde estão as ideias de Vick que sejam fecundas? Encontro apenas meros actos gratuitos, sem sentido, sem fluxo, esparsas provocações: um par a dançar danças de salão ao tema da redenção que encerra o Crepúsculo, banalidade que representa o vazio, banalidade pessimista em oposição ao pessimismo mágico, sublime, trágico de uma visão de Wagner da filosofia de Schopenhauer... Fica uma pergunta: qual a lógica disto? Qual o sentido de um grupo de figurantes a correr e a pular durante os mais belos momentos musicais da orquestra? A única resposta é que o que sai do fosso é tão mau que é necessário fazer barulho com os pés dos figurante, distrair e encher o olho do público para que este não perceba a miserável direcção de Letonja e o som horrendo que vai escorrendo, qual fluxo lamacento, de um fosso sem coordenação, sem conjunto, sem propriedades acústicas, sem nexo. Abafar as notas erradas dos trompetes no juramento de Brünnhilde, esconder os graves a entrarem todos descoordenados porque os instrumentos não se conseguem ouvir no fosso, esconder a falta de precisão das entradas dos sopros, esconder os trombones fora de tom da banda de palco quais buzinas desafinadas, esconder o paupérrimo som das cordas, esconder a triste marcha fúnebre, sem pathos, sem impacto, sem chama, mortiça, esconder a visão míope do maestro que não tem qualquer noção do conjunto wagneriano e dirige compasso a compasso, nota a nota, sem sublinhar os motivos condutores, sem construir uma linguagem estética, a medo, é que, infelizmente, não é possível e, quando chegamos ao final, suspiramos de alívio que a tortura acabou ao som de um insuportável e infernal lá bemol (?) agudo de primeiros e segundos (?) violinos, a imagem do sofrimento que termina para músicos e mim próprio mas fica a ecoar como um bicho que se nos entranhou no cérebro e nos causa uma enxaqueca até o dia seguinte. Quando o personagem principal é a orquestra, Vick dixit, fazer Wagner sem orquestra é um absurdo, e como tal não pode existir Wagner. Qualquer crítica a um Götterdämmerung que não é de Wagner mas de Vick é quase um desperdício de tempo e de palavras.

Mas Vick não tem uma única ideia interessante? Claro que tem, e com isto encerro este raciocínio rápido sobre esta produção: tapar o teatro por dentro com painéis plásticos de um cinzento "cor de burro quando foge" é uma boa ideia, o Teatro de S. Carlos está na miséria, miséria artística, miséria musical, miséria no canto, miséria no número de produções e miséria nos números com que nos querem enganar, o cinzento é a cor da lama pútrida da poluição, daquele cinzento nada vive, não é fecundo. O palco virado ao contrário (no lugar da plateia habitual), ideia estimulante pela novidade a princípio, já parece um vício: o vício da destruição do teatro mágico de Wagner tendo como brinde um fosso sem comunicação interna, plano e de tecto baixo, sem espaço para a orquestra de Wagner reduzida em 20 unidades sobre o pretendido pelo compositor. Trocando distância e sonho pelo concreto materialismo brechtiano do teatro a ser feito à nossa frente, encontramos apenas mais um estereótipo de Vick. Uma encenação sem hermenêutica, um vazio de lugares comuns materialistas, um pessimismo do concreto, de pacotilha, um Wagner esquecido. Esgotada a ideia transforma-se numa escravatura. Fica a única ideia genial de Vick, colocar uma escada em cima da orquestra com o maestro bem debaixo da mesma, é óptimo para a comunicação… parece. Esta escada revela o lugar que Vick tem na sua escala para a orquestra de Wagner. Tem a vantagem de colocar a OSP e Letonja no seu verdadeiro lugar: o vão de escada.

Entrevista a Alessis Gregory

2009-07-23T17:01:00.006+01:00

Volto depois de algum tempo de descanso a este blog para uma entrevista com Alessis Gregory, fundador do Prémio Vendome.
Foi com prazer que entrevistei o homem por detrás do concurso internacional de piano que oferece o maior valor financeiro e que tanto prestígio tem obtido desde o ano da sua fundação, 2000.

A edição deste ano decorre na Fundação Gulbenkian e termina Sábado no centro Olga Cadaval de Sintra para a final com orquestra. Sexta Feira, na Gulbenkian decorrem os recitais com os finalistas.
Alessis Gregory explica como funciona um concurso de rosto humano onde os jovens são tratados como artistas e não como máquinas.

Fica um testemunho e um prazer de encontrar este senhor nascido em 1936 na Suiça, de origens russas e que partiu para os Estados Unidos em 1939 onde fez sucesso como editor e especialista em arte.

Nota: A entrevista é em inglês.

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Parabéns a Mário Vieira de Carvalho Uma carta recebida por leitor identificado!

2009-04-19T10:44:00.007+01:00

Recebi este email que não posso deixar de colocar no blog:

Sr. Crítico dos Crítico, condeno o seu blogue por dizer mal do sr. professor doutor académico Mário de Veira de Carvalho e venho escrever-lhe pedindo que coloque no seu blogue este email.
"assinado e tal e tal"

A propósito desta Agrippina no S. Carlos endereço daqui os meus cumprimentos a Mário Vieira de Carvalho, pelo contributo do ex-secretário de Estado da cultura na actual situação do Teatro Nacional de S. Carlos pondo na rua um director pouco presente e pouco competente, pouco esforçado e mau profissional: Paolo Pinamoni, substituindo-o por esta luminária da cultura europeia que é Christoph Dammann.

Mário Vieira de Carvalho depois da obra que fez, amplamente reconhecida, ainda se dá ao luxo, incomoda-se e dá-se à canseira de botar bitaites e recados e de andar a escrever nos jornais e mandar emails. É preciso ter coragem, força de carácter, perseverança e energia pela causa pública. É obra!

Entretanto Mário Vieira de Carvalho desdobra-se e faz queixas ao provedar da rádio pública queixando-se do actual director adjunto da Antena 2 na perspectiva de que uma rádio deve ser um repositório musicológico-hermenêutico. Gostava imenso de ter o privilégio de poder escutar uma rádio dirigida pelo senhor hermenêutica em pessoa. Porque não convidá-lo a dirigir a Antena 2 durante um mês? Pela experiência do S. Carlos creio que seria outra obra para ficar no orgulho nacional.

Finalmente deploro a actual direcção da rádio pública: multiplicar as transmissões em directo? Apoiar os artistas e músicos portugueses em concertos e mais concertos? Subir as audiências no primeiro trimestre de 2009 para o maior valor de sempre da rádio clássica? Horror dos horrores isso é popularizar a rádio, banalizá-la, destruir a sua herança... O ideal era ter uma rádio académica-musicológico-hermenêutica em que todo o dia se enaltecessem as virtudes musicológicas de Mário Vieira de Carvalho e os méritos da demissão de Paolo Pinamonti e as excelsas virtudes de Christophe Dammann à frente do Teatro de S. Carlos. Proponho mesmo que João Almeida seja demitido e a Antena 2 se passe a chamar "Rádio Hermenêutica, a verdadeira rádio académico-musicológica".

A Mário Vieira de Carvalho, a esse especialista em rádio, a esse inato director de teatros de ópera, a esse polemista excelso, ficam os meus sinceros parabéns!

Alvíssaras

2009-04-19T10:26:00.006+01:00

Dão-se alvíssaras a quem informar do paradeiro, ou mesmo da existência, de um(a) secretário(a) de Estado(a) da cultura em Portugal.

Existe? Qual o paradeiro? Quem é? Qual o currículo? Qual a relevância? Terá passado à clandestinidade?

O mesmo se poderia dizer do ministro Pinto Ribeiro [ministro nome trocado] se não andasse de coche, único meio de transporte mais ou menos cultural que se lhe conhece...

Da qualidade e competência da justiça portuguesa

2009-04-19T09:59:00.005+01:00

Assim vai a justiça portuguesa:

Excerto de acordão judicial!

Comentários para quê? Uma redacção brilhante e uma conclusão surpreendente!

A catástrofe

2009-04-18T01:41:00.013+01:00

Depois de uma Salomé desastrosa segue-se uma Agrippina catastrófica. Nunca ouvi um naipe de cantores tão miserável, uma direcção tão lamentável e uma orquestra em tão baixo nível no S. Carlos. Na minha opinião aquilo é simplemente horripilante, é de fugir.
Christoph Dammann surpreende pela negativa em cada produção que realiza: pior do que a Salomé parecia impossível mas consegue agora, num esforço denodado de asneira, cair ainda mais na produção seguinte. Se a cenografia estática escapa, na sua banalidade estética, tudo o resto é um gigantesco erro de casting. Pouco mais há a dizer: se a Salomé era bola preta, esta Agrippina é a negação da música de Handel, é a negação da música e do canto. Espectáculo a evitar a todo o custo. Pedir dinheiro por bilhetes num espectáculo destes é enganar o público. É uma vergonha uma instituição pública cobrar entradas inacreditavelmente caríssimas por uma coisa tão rasca. Se Jorge Calado pedia a polícia para a Solomé, na última edição do Expresso, eu peço a ASAE para esta Agrippina. Nem me apetece fazer uma crítica detalhada deste lixo vindo de "Colónia Agrippina"...
O público ainda bate umas palmas envergonhadas e aparecem alguns bus aqui e ali. Por muito menos pateava-se forte e feio há alguns anos, é minha opinião que um público que ainda bate algumas palmas a coisas destas é profundamente complacente, ignorante, pouco exigente e analfabeto. É ser-se enganado e ainda agradecer no fim, de chapéu na mão, enquanto o sr. Dammann bebe champanhe, brinda e dá gargalhadas com os amigalhaços no intervalo, dando aos provincianos dos portugas as piores coisas que se podem imaginar com nepotismo à mistura (com o evidente exemplo de Chesey Schill), é obra! É tempo de dizer basta a este estado de coisas. Infelizmente temos um ministro da cultura absolutamente inútil e que parece não fazer a menor ideia do que se passa no teatro público que mais dinheiro gasta aos contribuintes portugueses, já é mais que tempo para demissão com justa causa.

Paradoxos

2009-03-30T01:13:00.007+01:00

Robert King foi preso por pedofilia, cumpre agora a sua pena de quase quatro anos a que foi condenado em 2007.

Paul McCreesh gravou um disco com música de Handel para a DG com Rolando Villazón, parece que nenhum deles foi preso, pelo menos até agora...

Todo ele um fórum - todo ele um penteado

2009-03-28T10:09:00.003Z

António Pinto Ribeiro [ministro nome trocado], é todo ele um fórum, é todo ele um penteado, é todo ele um fórum penteado, é todo ele um discurso, é todo ele um discurso penteado, é um discurso em forma de fórum, é um penteado em forma de discurso. A sua política cultural é toda ela um fórum, um fórum penteado, uma política do discurso em forma de penteado, é um fazer mais com menos em forma de penteado, é uma franja no topo de um fato, um fato penteado em forma de fórum. É assim a política cultural de Pinto Ribeiro [ministro nome trocado], uma política que é discurso em forma de franja em cima de um fato. Toda ela um penteado, toda ela um fórum.
Que grande ministro, o deste penteado!
Que bela política, esta franja!

Poesia de Tomás de Oliveira Marques

2009-03-28T10:08:00.002Z

“Por tua culpa” (in ostinato)

Por tua culpa
Tomo a música
No espírito em sangue
E voo prostrado.
................................................................................................................

Por tua culpa
Dói a valer
O que é secreto
Na voz do Silêncio
Ao ser cantado.

Por tua culpa
A noite é mais funda
No tormento que faz
Perder o cuidado.

Por tua culpa
Olho para trás
Em busca das chaves
Do tempo perdido
(E não as encontro),
Sei-me cercado.

Por tua culpa
Não abro a boca
Com medo de calar
O Silêncio clamado.

Por tua culpa,
Se fundo cantas
As dores do mundo,
Da turba surda
Sinto-me culpado.

Por tua culpa
O facies doloroso
Da música profunda
É obnubilado.

Por tua culpa
Pela voz primordial
Como o pão e o vinho
E Sede de Infinito
Arfo acossado.

Por tua culpa
A Terra agora
Já não é redonda
Nem roda constante,
Dilui-se densa
Do coração humano
Ao firmamento,
Onde canta o indizível
Crucificado.

07/03/2009
Tomás de Oliveira Marques

Nota: Dedicado a Maria Cristina Kiehr, pelo seu admirável e dionisíaco percurso no mundo da Música Antiga e, em particular, pela poderosa abordagem à ária “Scherza infida”, de Handel, lado a lado com o Divino Sospiro, dirigido por Chiara Banchini, no CCB/Lisboa, em 07/03/2009.

Resumo da Salomé no S. Carlos

2009-03-27T09:27:00.016Z

Amy Whinehouse com mais cinquenta quilos, trinta anos, pedrada e com os copos é a megera de serviço no papel de Herodias, Herodes é um velho e tonto pedófilo, Salomé é uma menina pura e doce, de soquetes, vítima de uma família disfuncional. Como Nancy Gustafson tem cinquenta e três anos aquilo não funciona sem uma dupla muda que faz de criança e que representa a menina Salomé.
Mas a cereja no topo do bolo e o motor de toda a acção é o S. João Baptista que rejeita Salomé porque é pederasta e anda atrás do pagem...

Num exercício de (pequena) imaginação pense-se no mesmo feito com Maomé ou com o genro Ali...

É o que eu chamo de encenação panfletária homossexual básica na antítese do texto genial de Oscar Wilde, que prova à saciedade que se pode ser homossexual e ser um génio. Oscar Wilde escreve uma obra em que todas as subtilezas, todas as ambiguidades têm lugar, dando lugar à elegância e à estética: como de outra forma se escreveria o horror da necrofilia senão em Salomé? Sem se ser básico e primário? Apenas Oscar Wilde para o fazer.
O encenador tem um padrão: todas as obras, todos os textos que por acaso lhe passem pelo estreito passam a ser motivo para panfleto. Numa visão deste tipo todo o homem é homossexual, desde D. Giovanni até Casanova, passando por Jesus Cristo, S. João Baptista, o toureiro da Carmen, Otello e Mefistófles, todos querem abafar a palhinha. Nas mulheres as coisas variam mas não andam longe. O encenador olha para a obra não numa perspectiva histórica, intelectual, ou estética, a música não interessa para nada, não interessa se a música de Jochanaan é majestosa e digna (e até intolerante) e a de Salomé é cromática e erótica, sedutora e torsa. O que interessa é servir a ideia pré-concebida do encenador de enfiar o pederasta algures e da vítima abusada alhures. As interpretações são múltiplas, não sou psicanalista, mas ao ver as encenações destes tipos (no sentido tipológico) acho que se podem tirar conclusões bem interessantes sobre os traumas dos encenadores, que tantas dores nos dão ao imolarem no altar dos seus fantasmas as obras primas do génio humano.
Retirando a camada erótica do feminino, eliminando a dança dos sete véus, colocando a carga negativa em Herodes, um simples pedófilo, fazendo de Jochanaan um vulgar pederasta, arranjando uma dupla muda de Salomé (solução banal e recorrente), que faz de conta que é uma criança, a encenadora destrói, do princípio ao fim desta Salomé, uma obra notável, que tinha tudo lá dentro sem precisar do canibalismo pseudo subversivo, deselegante, espelho de uma alma sem cor, sem imaginação no seu excesso panfletário, desta mulher-homem cinzenta e seca, óbvia, primária e transparente que dá pelo nome de Gruber. A encenação não dá lugar à subtileza e à ambiguidade, é um nojo.

Classificação: uma merda para tomates podres e que valeu bem a pateada e os "bus" que brindaram a encenadora quando veio ao palco. Uma das piores encenações que tenho visto no S. Carlos. Por mim fiquei calado e descontente, gélido: é que aquela porcaria já nem sequer serve para incomodar...

Sobre a encenação da Salomé devo acrescentar que o tomate podre se estende ao director artístico Christoph Dammann e, sobretudo, ao hermenêuta que o meteu no S. Carlos: para mim o pior secretário de Estado da cultura que ocupou o lugar desde o 25 de Abril de 1974.

Continua com aspectos musicais.

E Deus Criou o Mundo

2009-03-16T09:16:00.005Z

E Deus Criou o Mundo e nele incluiu Haydn para que este O louvasse.
Louvado seja Deus pela sua extraordinária Criação.

P.S. Criação de Haydn a 13 de Marco, Sexta Feira, Orquestra de Câmara da Europa - 19, coro Gulbenkian (brilhantemente preparado) - 18, maestro Douglas Boyde - 19. Cantores: Sarah Tynan (soprano) - 12, Ed Lyon (tenor) - 18, Darren Jeffrey (baixo) - 19 apesar do grão.

Orquestra de Câmara da Europa - A desilusão

2009-03-13T10:03:00.010Z

A residência da Orquestra de Câmara da Europa na Gulbenkian pauta-se por uma profunda desilusão até este momento.
É uma orquestra de excelência com músicos extraordinários e isso ainda se nota.
Os problemas foram:
a) no primeiro concerto um maestro superficial e banalíssimo na terceira de Brahms e uma solista de técnica irrepreensível mas robotizada e sem nuance, apenas com um som gordo e pesado que encheu a sala da Gulbenkian do princípio ao fim. Como o concerto de Sibelius não foi concebido para o circo e a sinfonia de Brahms não foi construída para ser tocada a despachar o concerto foi uma desilusão. Ficou a amarga impressão da destruição da ideia musical do terceiro andamento, ataques descordenados e um final verdadeiramente catastrófico.

b) No segundo concerto o maestro Hengelbrock, que esquizofrenicamente a Gulbenkian crisma com e sem "H" no seu site e programa, apresentou um programa esquizofrénico, provavelmente fruto da mesma epidemia que afectou o seu "H". Uma troca de programa trouxe a sinfonia 104 de Haydn para a primeira parte destruindo a lógica do programa. Umas árias e aberturas desgarradas de diversos compositores fecharam o concerto com uma cantora demasiadamente jovem e medíocre para o repertório, com voz de apito nos agudos e incapaz de dar densidade musical aos breves minutos de cada ária. Entre as notas erradas da cantora e as árias escolhidas sem qualquer critério sobrou uma sinfonia de Haydn, tocada com energia e sentido de humor, e aberturas de Rossini, tocadas com verve. Sobraram também as excelentes prestações da orquestra em Haydn. Um excelente maestro, uma bela orquestra mas uma tremenda desilusão ver um agrupamento destes a tocar as arietas da segunda parte...

Veremos hoje, com a Criação de Haydn, se o saldo ainda pode chegar ao positivo. Eu tenho esperança: é numa obra deste fôlego que espero ver uma orquestra como esta bilhar. Infelizmente o coro Gulbenkian pode estragar tudo com os gritos desgrenahdos que têm pautado as suas últimas actuações. Apesar do coro espero, sinceramente, que este concerto de hoje seja um acontecimento...

Casamento gay à vista

2009-03-13T09:47:00.005Z

Portas mostra-se aberto a casamento governativo com Sócrates. Vendendo todos os princípios por simples ganância de poder, Portas envia um recado aos seus potenciais eleitores: se não querem Sócrates no poder é melhor votar no PSD que o CDS já se colocou em posição. Dá a impressão que tudo vale para chegar à mangedoura do orçamento e das negociatas do Sr. José Sousa.

Estou interessado em saber qual a posição de Portas face ao casamento homossexual, tema caro a Sócrates e que será um dos cavalos de batalha das próximas eleições. Será que temos o casamento gay à vista após as eleições e com o voto do CDS? Será que os eleitores centristas, muito concervadore por tradição, vão dar carta branca a Portas para viabilizar o casamento gay de Sócrates depois deste ter liberalizado o aborto e ainda o pagar na totalidade pelo Sistema Nacional de Saúde? Ou será que o CDS está condenado a ser um partido em vias de extinção e dar os poucos votos de que dispõe ao PSD?

Manuela Ferreira Leite ri-se e agradece.

Ainda o Freeport

2009-03-07T10:15:00.006Z

A história da fábrica de pneus da Firestone no lugar do Freeport tem servido para justificar o crime ambiental.

Existia em Alcochete, junto ao Tejo, uma fábrica desactivada e degradada o que daria uma excelente oportunidade para reabilitar uma zona ribeirinha junto ao estuário do Tejo e devolver a mesma à Natureza, tão massacrada naquela zona.
A fábrica estava numa zona sensível e o facto de existir a sua ruína não justifica de todo uma maior carga e uma maior destruição da zona ribeirinha. É precisamente esse um dos argumentos do governo actual para dizer que tudo está bem naquele monstro. Para mim é exactamente um argumento contra o Freeport, aquele lugar é tudo menos indicado para aquele modelo pacóvio de desenvolvimento e que cheira à légua a crime ambiental, senão a outros... A existir uma fábrica a funcionar ainda haveria alguns motivos para a manter, no estado destruído em que estava nada devia impedir a extensão do parque natural.

O ministro do ambiente em Portugal, que devia chamar-se ministro dos "PINS e ambiente para disfarçar", serve, e tem servido desde Sócrates, para dar cobertura aos maiores crimes com a capa dos estudos de impacto ambiental encomendados para servir os melhores interesses. Perguntei num almoço de amigos se conheciam o nome de Nunes Correia, a resposta foi clara: é uma velho alfaiate na baixa pombalina, na esquina da rua Augusta com a de Santa Justa, e que está actualmente a praticar preços incríveis. Toda a gente fala do "Nunes Correa"... da baixa!

Vigarices

2009-03-07T09:57:00.004Z

Se eu, como accionista do BPI, visse o Fernando Ulrich a pagar com o dinheiro do banco um bem por mais cento e quatro milhões de euros do que o seu valor real e depois o inscrevesse nos resultados pelo valor pago e não pelo valor real, acharia que havia vigarice da grossa. Além disso consideraria que existia manipulação de resultados e uma claríssima fraude. Teria legítimas razões para ficar indignado por ter sido roubado descaradamente e ainda mais por me tomarem por parvo.

O leitor, como dono da Caixa Geral de Depósitos, como se sente face ao mesmo comportamento da actual gestão de Faria de Oliveira?

Quantos mais casos haverá na Caixa?

Qual a real situação da Caixa? Isto depois de dezenas de anos de gestões de criaturas, às quais não confiaria a minha carteira, sem grande currículo mas muitos amigalhaços na política. A não ser que ter andado a roçar o traseiro pelo parlamento, pelas secretarias de Estado e alguns ministérios seja qualificação para ser gestor de um grande banco.

Apelo

2009-03-03T15:41:00.002Z

Assisti ontem a um óptimo concerto do Jerusalem Chamber Music Festival. Músicos excelentes, interpretação cheia de energia e gosto pela música. O conmcerto estava às moscas.
Hoje repetem-se os músicos mas muda o programa. Quarteto com piano nº2 de Mozart, Septeto opus 20 de Beethoven reduzido a trio com piano, clarinete e violoncelo pelo próprio Beethoven (opus 38), o adagio para violino, clarinete e piano de Alban Berg e ainda a deliciosa História do Soldado de Stravinsky em trio com clarinete, violino e piano.

Um programa de alto nível, intérpretes de eleição e a sala vazia. Um verdadeiro escândalo. Apelo a quem me lê aqui que dê um salto à Gulbenkian hoje ao fim da tarde para um programa de que não se vão esquecer...

O Pinóquio e Espinho

2009-03-02T10:32:00.004Z

José [Sócrates] Sousa elogia o desenvolvimento de Espinho. Dois factos o desmentem: o óbvio apagão da prévia noite e, sobretudo, a diferença que se sente ao atravessar a fronteira com Gaia pela estrada junto às praias. Espinho tem alguma cosmética no centro, junto da Câmara, mas a antiga linha de comboio parece um campo de guerra, desordenado e em ruínas, as ruas junto ao mar estão num estado péssimo, as crateras multiplicam-se, o trânsito, apesar do "enterro" do comboio, continua um caos, os bairros pobres, junto ao estádio (decrépito e em ruínas), são miseráveis e tristes. A gestão urbanística é caótica e a construção é desordenada na periferia. Espinho é o espelho de uma gestão autárquica miserável e de fachada. Sobra a vista do mar e algum sol, quando aparece.
Apesar de não simpatizar com Luís Filipe Menezes noto uma profunda diferença de trabalho entre o PS de Espinho e o PSD de Gaia.

Concerto normal

2009-03-02T09:14:00.006Z

É assim que eu gosto de escutar uma orquestra. Uma temporada regular, um maestro jovem, um programa variado. Um concerto absolutamente normal. Apenas um trompetista célebre mas numa obra contemporânea que eu desconhecia. Foi o concerto do passado Sábado na Casa da Música:

Orquestra Nacional do Porto com Olari Elts direcção musical, Håkan Hardenberger trompete.

Programa

I. Johannes Brahms Abertura Trágica
Rolf Martinsson Concerto para trompete n.º 1, A ponte
II. Dmitri Shostakovitch Sinfonia n.º 6

Devo dizer que o concerto para trompete não me estimulou muito, o extraordinário virtuosismo de Hardenberger e a orquestra Nacional do Porto corresponderam à chamada. Já a composição me pareceu repetitiva, sem grande imaginação, abusando das mesmas figuras rítmicas, piscando o olho ao público e cheia de barulho. Talvez a secção central, lenta e melancólica, escape a este facilitismo. Enfim, impressionou-me o trompetista pelo seu extraordinário virtuosismo.

Foi no resto do concerto, com obras de resistência do repertório, que a Orquestra Nacioal do Porto mais brilhou. Gostaria de ter escutado uma sinfonia posterior de Shostakovitch mas a sexta serviu bem para se apreciar a orquestra. Em formação "pesada" sinfónica, com as cordas completas, deixei de notar a crónica carência de som dos violoncelos e das violas que tenho sentido na sala Suggia. A orquestra demonstrou uma perfeita maturidade, densidade sonora, articulação entre os naipes, qualidade dos solistas. A orquestra prova repetidamente, pelo que eu tenho ouvido, que é a única orquestra sinfónica portuguesa - não incluo aqui a Gulbenkian que se afirma no seu próprio currículo como uma orquestra de formação variável que pode, reforçada, abarcar algum repertório sinfónico.

O maestro Olari Elts, jovem e concentrado, mostrou um enorme entusiasmo e energia, embora algumas vezes me tenha deixado a sensação de ainda estar um pouco preso à leitura da partitura, e tenha dada algumas entradas antecipadamente, o que poderia ter causado estragos que acabaram por não surgir devido à concentração dos músicos. Fez uma leitura interessante em Brahms e Shostakovitch.

Recomendo a ONP como um valor seguro que proporciona concertos de qualidade ao seu público.

Reparei entretanto que na Casa da Música Shostakovitch se escreve com "C" e que o palco é largo mas muito pouco profundo. Isto separa os naipes da orquestra, creio que seria necessária a existência de quatro degraus o que permitiria aproximar as trompas dos trompetes e trombones ficando a percussão acima de toda a orquestra. Mas é impossível colocar quatro degraus por falta de espaço. Assim a orquestra fica espalmada: notei desacertos entre trompas e trombones, por falta de comunicação separadas por clarinetes e fagotes, as trompas do lado esquerdo e os restantes metais do lado direito da percussão. A falta de profundidade do palco é um gravíssimo erro de concepção que ainda não vi discutido na imprensa ou pelos críticos. Fala-se da ausência de um possível fosso, que a existir seria um profundo disparate num auditório para música.

Um concerto normal que mostra uma orquestra de bom nível. Como eu escrevi acima: a Orquestra Nacional do Porto é a única orquestra sinfónica portuguesa.

P.S. (Secção jocosa mas...) Reparei nos sapatos dos músicos, muitos ostentam os apropriados sapatos de polimento, numa percentagem superior à média nacional, as casacas pareceram engomadas e as camisas limpas. Estão ainda longe do ideal mas melhor do que a Gulbenkian e a léguas de outras orquestras que por aí vão actuando. Nos concertos da Gulbenkian reparo também no moda feminina das senhoras de calça preta e top, no último (27 de Fevereiro) havia um grupo de quatro violinistas, as últimas dos primeiros violinos, que se apresentavam nestes preparos de fardamento que começa a ser ridículo. Porquê ceder a este facilitismo e a esta uniformidade acéfala na indumentária? Top preto e calça preta não é compatível com casaca masculina nem é roupa de cerimónia. Nem para as criadas seria aceite...

Poesia de Tomás de Oliveira Marques

2009-02-28T20:22:00.000Z

MFA

(4 esquissos sobre masculino/feminino/angelogonia)

I.

Do homem e da mulher
Das diferenças a haver
O Diabo foi-se, já não se vem:
Seja o que Deus quiser.

II.

O que é o amor do homem
Para a mulher e vice-versa?

Para ele, é passar a pata
Ao que nela há de longilíneo:
O tensor de fáscia lata.

Para ela, que continue
O parceiro sobretudo primata.

Assim é o amor prazenteiro.

III.

Da igualdade tomada in vitro
Na dicotomia homem/mulher
Para o Diabo é já igual ao litro:
Seja o que Deus quiser.

IV.

Busco a fêmea
Insinuante da promessa
Enquanto macho
Tíbio na efectivação.

Digam lá
Deste meu desígnio,
É frouxo ou ígneo? ,
E no que dá
O que é sabido
Carcomido
D’antemão.

Nota: na glosa do meu velho artigo sobre trovadores, datado de 1992, onde caracterizo a democracia como o péssimo convívio entre a fêmea insinuante da promessa e o macho tíbio da efectivação.

25/02/2009
Tomás de Oliveira Marques

Poesia de Tomás de Oliveira Marques

2009-02-20T14:03:00.004Z

PH

(procriação e homofobia)

Risquemos então um fósforo
para se rever na História
homos e procriação:
Goebbels fez seis filhos
num buraco soterrado
com veneno os amou;
Michelangelo nem um só,
nem um doou à multidão.
Goebbels pariu Auschwitz
pela Besta fecundado;
Michelangelo a Sistina
David e a Pietà
em auto-superação.

Decididamente, sou
a favor da castração
do ego desabrido
que se multiplica malsão
e contra o casamento
do nazi danado
com um mestre da Criação.

17/02/2009
Tomás de Oliveira Marques

Poesia de Tomás de Oliveira Marques III

2009-02-19T17:37:00.009Z

PC

(pão e circo)

Palhaço, o 1º Ministro?
Bem, a haver circo,
Então somos nós, “todos”,
Quem arma a tenda
Quem paga bilhete
Quem apupa entre palmas
Enfim, quem salta trampolins
Ao sabor do chicote
(sabem de quem?)
Que vem de antanho
E só há-de parar talvez
Daqui a mil anos.

P.S.: com que então palhaço!
o chip para os carros
pode ser tudo
menos uma palhaçada.

15/02/2009
Tomás de Oliveira Marques

Câmaras

2009-02-19T10:08:00.003Z

Antena 1, hoje, "Elisa Ferreira apresenta-se como candidata à Câmara do Porto." As grandes diferenças? "Tudo, sou uma mulher"... E projectos? "Ahhh, enfim, ainda não apresentei o projecto, ehhh... mas existe uma mundividência totalmente diferente, rebéu rebéu béu..."

Entretanto o Costa de Lisboa, irmão do outro da SIC, é a maior fraude política de todos os tempos, lixo, lixo e mais lixo, jardins nos últimos estádios da degradação, crateras em ruas de toda a cidade que ninguém tapa, insegurança, serviços ineficientes, total e absoluta ausência de política cultural, marasmo e mais marasmo, negociatas com os milhões de contentores enfiados no coração de Lisboa bloqueando o rio com o beneplácito to Zé e dos outros, negociatas do sempre-à-mão Zè (recordar sempre e sempre que bloqueou o túnel só para chatear) negociatas com os palácios para arrebanhar mais uns cobres não se sabe bem para quê, desculpas sobre as obras de onze anos do Metro para justificar o corte do Terreiro do Paço por mais quatro meses (anos). Afinal o homem não ganhou a Câmara por falta de comparência já há dois anos? Não tinha tido tempo para coordenar as obras do Terreiro do Paço com o final das obras do Metro?
Todos os meis amigos sabem do meu total desprezo por Santana Lopes como político, mas entre este espantalho político socialista e o menino guerreiro prefiro sem dúvida o último. É evidente que se Lisboa continuar assim e as obras se eternizarem, como é natural e óbvio que aconteça, a campanha de Santana será um passeio triunfal. Enganem-se os políticos à la Carrilho. De qualquer modo, por uma questão de princípio, nenhum destes dois políticos e seus respectivos partidos políticos vai ter o meu voto.

Pequena greve

2009-02-19T09:37:00.002Z

Manuel Pedro Ferreira, um crítico simpático e sorridente, zangou-se! Declarou ir fazer greve porque a Gulbenkian não lhe dava uns bons lugares para escutar a Orquestra de Filadélfia. A greve era ajustada ao pequeno espaço que o jornal lhe dava, utilizado para, mesmo nesse estado, fazer uma crítica ao concerto, talvez sejam os serviços mínimos... No articulado Ferreira afirmava que entrava em greve e mais não dizia!
Poucos dias depois este crítico voltava à acção para uma crítica a outro concerto, desta feita no grande auditório da Gulbenkian. A greve foi bem de curta duração... Faz lembrar as greves da fome do queijo limiano!

No que me diz respeito não me parecem repetíveis as críticas deste crítico-musicólogo. Considero irrepreensível o tratamento que a Gulbenkian dá aos críticos, a par da Casa da Música, bem distante da forma como, por exemplo, o CCB lida com a crítica, que entendo, na minha perspectiva, como displicente e desinteressada. O CCB, através do seu gabinete de Imprensa, dá quase a entender que não precisa de crítica para os seus concertos, sobretudo os que têm muito público à priori. Foi notório isso no último concerto de Maria João Pires, para não citar mais exemplos que vou coleccionando com esta instituição. É evidente que tratamentos díspares não motivam qualquer alteração de perspectiva crítica, pois o crítico, quando escreve ou discursa num meio de comunicação de massas, deve ser absolutamente imune às condições criadas e deve focar-se no lado artístico.

Segue o comunicado da Gulbenkian sobre o "caso" Manuel Pedro Ferreira, publicado no jornal "O Público" há dois dias:

Ao abrigo da Lei da Imprensa, vimos solicitar a publicação do esclarecimento que prestamos de seguida relativamente às afirmações de Manuel Pedro Ferreira no artigo Instrumento perfeito, ouvido em mono, publicadas na edição de [dia] 8 de Fevereiro último desse periódico.

1 - No artigo de Manuel Pedro Ferreira sobre o concerto da Orquestra de Filadélfia que decorreu no dia 4 do corrente mês, no Coliseu dos Recreios, publicado em 8 de Fevereiro, acusa-se a Fundação Calouste Gulbenkian de ter uma atitude displicente relativamente aos críticos de Música. Refere o autor do texto que “há trinta anos,
pelo menos, que a Fundação Gulbenkian reserva aos críticos as posições mais periféricas, como se não fossem agentes culturais, mas parasitas, cujo eco jornalístico é tão irrelevante que não merecem sequer ouvir em estéreo”.
2 - No caso do concerto em referência, foram oferecidos ao crítico dois bilhetes numa das filas centrais da sala, os quais correspondem ao escalão mais
elevado na tabela de preços do Ciclo Grandes Orquestras Mundiais (1.ª Plateia), por se considerar ser este um dos melhores sectores do Coliseu dos Recreios.

3 - Tem sido hábito da Fundação disponibilizar aos críticos de música bilhetes para os espectáculos por si organizados, nunca tendo, em mais de 50 anos de actividade, recebido qualquer comentário negativo acerca dos lugares destinados para o efeito.

Miguel Sobral Cid
Director adjunto
Serviço de Música da Fundação
Calouste Gulbenkian

O hermetismo

2009-02-12T12:52:00.003Z

O hermetismo esfíngico da ironia é algo verdadeiramente supremo.
Estou convencido que um texto curto, de hermenêutica desconcertante e difusa, simples na mera aparência, chocante na abordagem, faz mais por um debate do que poses inflamadas e mangas arregaçadas em tonitruantes parangonas seguidas de longas perorações. A parábola é evidente, destina-se aos simples, o labirinto é complexo, é secundário, terciário, e por diante...

Mesmo que o autor tenha uma posição firme e pensada, assumida com a sua almofada. Mesmo que o autor seja apenas um primário sem sentido abstracto. Mesmo que os significantes não correspondam aos significados, o labirinto desconcertante do pensamento é a ssuprema forma de questionar, de destruir.

Por isso prefiro não clarificar, clarificar é destruir o edifício da abordagem analítica. É tornar primário aquilo que não o é. Viva o labirinto, o labirinto do complexo de culpa, o labirinto da verdade, o labirinto da mentira.

E ao Homem cabe substituir-se a um Deus que foi destruindo como rei da Criação!... Ser Supremo acima de todos, ao Homem tudo é permitido, só ele é sagrado, só ele é eterno. Face ao Homem tudo resta relativo e só Ele é absoluto, até mesmo na floresta esfíngica do labirinto do medo.

Os sapatos polidos da Orquestra de Filadélfia

2009-02-11T22:43:00.004Z

Já se falou e escreveu sobre o belíssimo concerto de uma excelente orquestra.
Reparei que além de tocarem bem também têm brio na aparência e apresentam-se, não de sapatos miseráveis e mal limpos, mas todos os homens, sem uma única excepção, de sapatos de verniz e com a indumentária perfeita.

Realmente o brio de uma orquestra vê-se por pequenos detalhes que definem o gosto e a qualidade. Sente-se que o prazer de fazer música em conjunto começa pelo brio e orgulho na forma como representam a sua instituição.

Fica a dica para as nossas orquestras de maltrapilhos... Não há uma única em que os músicos se apresentem, todos, de forma correcta.

Para rematar: acho inacreditável a forma como a Gulbenkian, a nossa orquestra melhor paga, se apresenta em público. Como será possível terem brio na interpretação musical se nem sequer são capazes de ter brio nos sapatos? Sei que são aspectos acessórios, e fique claro que eu prefiro uma orquestra de remendões a tocar bem do que um grupo de peralvilhos a desafinar. O que é certo é que a imagem dada é de degradação e a imagem da Fundação Gulbenkian sai notoriamente prejudicada pela forma como os seus músicos representam em palco, perante o público, a sua casa.

Poesia de Tomás de Oliveira Marques

2009-02-09T18:24:00.010Z

Recebi por email mais uma séries de poemas do meu amigo Tomás de Oliveira Marques. Parece que é desta que se prepara um livro que já fazia falta. E mais uma vez publico com prazer o material recebido.

PPL
(para a próxima legislatura)

I. “Que a Verdade não seja mentira”

Em prol do casamento
Entre almas (e corpos!) do mesmo sexo
Tomemos exemplar o caso
Da mentira e da verdade,
Lésbicas desde os primórdios,
Delas nem uma só ponta
De tédio a tolher a relação.

Animais milenares
Nos braços um do outro
Hão-de, desde já aposto,
Até ao final dos tempos
Dar-se terrivelmente bem.

Mentira e Verdade,
Com linhagem desmedida
Desde o Verbo até ao fim
Dos séculos e dos séculos. Ámen.
..............................................................................................................................

Verdade e Mentira,
Duas fêmeas insondáveis
Pela masculinidade
Do que as diferencia,
Tão difícil de dissecar,
À noite a porem à roda
A cabeça do filósofo
Sem deixarem de afiar
As facas da Teologia.

Mentira e Verdade,
Ambas fora do alcance
Da fina antropologia:
Frígidas no seio da Moral
Sensuais diante da Razão
Furtivas a qualquer medida,
Casadas havemos julgá-las
De facto, de corpo e alma,
Pela e para toda a vida.

II. “PSSU”

Pelo Santo Sexo Único
Deixemo-nos de vãs unções:
A dignidade, a haver,
Faz na mente o seu ninho
Ao sabor amargo dos tempos,
Não em vulvas, falos e c......

Deus não tem sexo
E o Diabo também não.
Era bom que Igreja, “Nobreza”
E Povo de vez deixassem
De colmatar a existência chata
Só com vulvas, falos e c......

Deixemos portanto em paz
Sem se querer ordenar
O Caos que jaz aos trambolhões:
Quando for grande hei-de deixar
Aos mortais conselhos isentos
De vulvas, falos e c......

III. “Marinheiro de mar alto”

Para se poder chegar
A salvo a porto livre
É preciso mesmo pagar
Depois um preço alto
A quem baixo alvitre.

IV. “Lavrador de lágrimas”

Lavrador de lágrimas
Perdidas no rosto
Da turba a sofrer,

Depois de bem secá-las
De enxada enxuta
Volta a casa o Poder.

V. “3 haiku de marcenaria”

Vai pró céu depois
De aplainar infernos
A Mão do Poder
***
É-se no Poder
Pagador de promessas
Para esquecer.
***
Quem se mete com
Quem não se deve meter,
Leva!... Se bater.

(Em tributo a Jorge Coelho)

(por outras palavras)

Quem se mete com
Quem não se deve meter,
Está fodido.

VI. “3 ou 5 haikai em contínuo sobre Direitos”

O cidadão na posse
Dos seus plenos defeitos

Tem por norma exigir
Sem nada dar em troca

Tudo o que deseja.
Eis a pá do insano!

(Caro leitor)

Vê nesta parábola
A trama dos Direitos.

Ou então, se és cristão,
O Demo dos Direitos.

VII. “666”

É próprio da turba
Haja o que houver
Pedir sempre sangue.

Daí os cordeiros
Que não têm culpa
Alguma (ou terão?)

Serem os chamados
À faca no altar
Duro dos costumes.

VIII. “3 haikai em contínuo sobre o Poder”

A vida é o que dá
Pó do pó, isso mesmo,

Até deixar de haver
Ardor autofágico

Em nós, nas mil gavetas
Do armário do poder.

IX. “VINDE A MIM A INOCÊNCIA”

Esmaguei no outro dia
Entre os dedos uma formiga
Sem haver qualquer razão.

Depois, fui à loja da esquina
Fazer compras e encontrei-me
Só, reduzido a multidão.

É por estas e por outras
Que não espero mais de mim
Do que dos outros – uma desilusão!

(Atenção! O poeta é um fingidor.
Finge tão completamente...
Que está cheio de si, até mais não.)

X. “2 haikai em contínuo sobreo o verbo crer”

O bisturi que trata
Na lógica do poder

Em sangue se retrata
A sós com o verbo crer.

XI. “Epílogo” (em grande, por terras de liliput)

Porventura mais
Do que verdade e mentira,
A Inocência e a Culpa,
Também lésbicas por natura,
Estão entre si ligadas
Por um elo indissolúvel,
De santa ignorância
Na perfídia do costume,
A tornar trágico
O riso escarninho
De quem bastardo se vê
Nas malhas da sua Cultura.

XII. “P.S.” (2 haiku post-scriptum)

Haja aquele
Que atire primeiro
A pedra cega

E possa ver-se
Diante do espelho
Nu, por inteiro.

02/02/2009
Tomás de Oliveira Marques

Nota: A quem interessar, haikai e haiku são formas poéticas curtas, de factura japonesa, com o intuito de sugerir uma ideia, um facto, uma impressão fugitiva, de modo a provocar no leitor/auditor uma reflexão sobre o significado profundo das palavras no poema: no haiku, composto de 3 versos com 17 sílabas (em ordenação 5,7,5, na versão mais clássica); no haikai, composto de 2 versos com 7 sílabas, cada.
Como se pode verificar, esta minha abordagem aos haikai e haiku é, como não pode deixar de ser, substancialmente ocidentalizada e, porque não dizê-lo, abusivamente livre. Não deixa, no entanto, de fazer bem ao nosso espírito atordoado pelo ruído do presente, o qual não é nada comparado com o que há-de vir.

Os Coelhos

2009-02-09T18:23:00.001Z

O último coelho foi esta do "tirar aos ricos para dar à classe média". A banha da cobra continua...

Tios e Sobrinhos

2009-01-23T11:22:00.002Z

Fortunas de milhões, sobrinhos taxistas na Suiça, tios empresários em Cascais. Offshores e contas numeradas. Áreas protegidas que afinal não o são assim tanto e deixam de o ser de acordo com momentâneas conveniências. Cursos da treta tirados de forma suspeita. Ministros do ambiente para disfarçar...

Qual será o coelho que vai sair da cartola de José [Sócrates] Sousa?

Prevejo uma medida surpreendente e inusitada para os próximos dias, é necessário distrair...

Estou cansado.

Casamentos diversos

2009-01-21T00:25:00.007Z

José [Sócrates] Sousa anuncia como pedra de toque da sua próxima cavalgada eleitoral o casamento civil homossexual. Não tenho nada contra o que o senhor Sousa decide usar como factor de rendimento eleitoral. Num exercício de abstracção e, lembrando-me de todas as minorias ingoradas e oprimidas, lembro que o muçulmanos, que pela sua cultura podem casar com até quatro mulheres, deveriam ver esse princípio consagrado também pela lei portuguesa. Depois virão os Mormons e por aí diante. E este assunto é sério e deveria ser debatido antes dos homossexuais...

E divagando um pouco: talvez em 2013 a próxima bandeira seja o casamento civil entre seres humanos e animais, quem não sente ternura por um psicanalista, ou mesmo um pastor, que ama uma bela ovelha? Basta lembrar Woody Allen... Qual é o direito da nossa sociedade de impedir a felicidade de seres que se amam? Os animais são, dizem muitos dos seus defensores, melhores do que os humanos - talvez Schopenhauer concordasse. Porque não a oficialização dos casamentos inter-espécie? E depois, como consequência lógica, a poligamia inter-espécie consagrada em lei?
Depois disso resta legalizar apenas a união de facto (por etapas primeiro, que o assunto é sensível) entre humanos e seres inanimados. Quem não conhece o macho lusitano apaixonado pelo seu automóvel? Casamentos entre humanos e automóveis seriam uma experiência que, a resultar, seria estendida a obras de arte, bonecas e bonecos insufláveis, e outros artefactos que só a imaginação poderá conceber...
Enfim, quem é a sociedade moralista, repressora, reaccionária, para impedir a liberdade do indivíduo, a sua afirmação e a escolha da sua orientação?
Penso que as associações de defesa de animais só iriam protestar quando um toureiro, casado com o seu cavalo e com um campino ribatejano, quisesse adoptar uma ovelha a par dos gémeos chineses já adoptados anteriormente.

Excelente Electra na Gulbenkian

2009-01-20T23:32:00.005Z

Escutei ontem uma extraordinária Electra de Richard Strauss, cantores em elevadíssima forma. Um naipe excepcional de mulheres com Rosalind Plowright em Clitemnestra, Deborah Polaski no papel titular e Stephanie Friede em Crisótemis. As cinco servas - Nadine Weissmann, Simona Ivas, Larissa Savchenko, Sandrine Eyglier e Liliana Faraon - foram todas de alto nível. Nos homens destacaram-se Johan Botha em Egisto e, sobretudo, o belo Orestes de Jochen Schmeckenbecher, correspondendo muito bem Diogo Oliveira, apenas um desastroso Marcos Santos destoou.

Foster esteve bem na música sublime de Strauss e, sem ser quadrado (caso raro), deixou respirar os cantores e usou o rubato como elemento dramático de grande efeito. A orquestra esteve perfeita, acabando alguns ataques (muito evidente no ponto em que trompas e fagotes andaram descoordenados) por serem os únicos pontos, minúsculos aliás, que me deixaram descontente...

Devo dizer que a Electra de Polaski foi de cortar a respiração, a voz de Polaski, tal como a sua portadora, tem rugas. É evidente que sim, mas isso apenas dá mais força, carácter, nobreza e dramatismo à sua construção, simplesmente assombrosa, da heroína trágica. Não perceber isso é estar a milhas do sentido do drama e não ter a menor sensibilidade.

Li uma crítica no "O Público" onde se "crucifica a cantora de quinta feira passada. Eu, que assisti na segunda, dia 19 de Janeiro de 2009, pressuponho que: ou houve uma transição de cento e oitenta graus, algo difícil de entender, ou que quem critica não percebe nada do assunto. Ele há coisas que devem ser objectivas, precisas, que devem corresponder ao que se passa. Outras serão subjectivas. Os critérios subjectivos, não podem nem devem fazer submergir uma crítica. Ler este "crítico", Pedro Boléo, louvar cantores abomináveis que têm passado no S. Carlos (sobretudo no consulado hermenêutico e do sucedâneo na direcção artística) e "massacrar" uma grande senhora como Polaski, parece-me, no mínimo, estranho. Tenho pena de não ter escutado na quinta feira passada para perceber se existiu uma tão grande metamorfose...

De qualquer modo, devo dizer que Electra na Gulbenkian foi um acontecimento de grande nível.

Nota sobre indumentárias: Foster aparece de roupão preto, ou robe de chambre, ou algo assim, amarrotado. Não tem o menor brio na indumentária, e no meu entender, dando um péssimo exemplo aos músicos. Os músicos, por seu turno, usam os mais variados tipos de sapato, uns de vernis, outros de pala, muitos de atacador, solas de borracha, alguns com ar vetusto e pouco limpo. Alguns músicos nem usam cinta nem colete branco e o cinto de cabedal aparece sob as banhas entre a camisa e as calças. As senhoras usam e abusam de calças de mau corte e os penteados são simplesmente nefastos para uma percepção estética da arte de olhos abertos... A visão da Orquestra Gulbenkian é quase a imagem do apocalipse; desordenada, sem brio no traje e sem disciplina na aparência. Basta ver a Filarmónica de Viena ou de Berlim para se perceber a diferença. A própria Sinfonia Varsóvia, uma orquestra de dimensão igual à Gulbenkian, apresenta todos os seus músicos com os sapatinhos polidos. Peço que pelo menos os senhores músicos, se não tratam do penteado ou nem sabem como se deve usar a casaca, pelo menos usem sapatos decentes para enfrentar um palco.

Policarpo e os casamentos com muçulmanos

2009-01-14T12:28:00.005Z

O comentário de D. José Policarpo sobre o casamento de mulheres cristãs com muçulmanos praticantes tem toda a razão de ser.
A intolerância e o fanatismo, o relegar das mulheres para segundo plano, e tratá-las como seres de segunda, é prática habitual e tenho-a presenciado em muitos países de maioria de muçulmanos que tenho visitado. Até na "laica" Turquia o papel da mulher é secundário. Se fizermos o passeio da Palestina para "ocidentalizada" Jordânia e acabarmos na medieval Arábia Saudita as coisas vão de mal a pior.
Uma coisa é conversão informada e convicta (só se mete naquilo quem quer), outra é tentar manter as convicções num casamento inter-religioso. D. José Policarpo tem toda a razão, estamos aqui a considerar factos e não ilusões, estamos a falar do muçulmano praticante médio e não de um ideal, quase inexistente, de tolerância que não existe na prática muçulmana.

E eu li o Corão. O que acentua tudo o que escrevo acima...

Comunicado à Imprensa - MISO

2009-01-12T17:31:00.002Z

Recebi o Comunicado que transcrevo na íntegra. Parece-me profícua a sua divulgação.

Comunicado à Imprensa
Parede, 10 de Janeiro de 2009

No seguimento do incidente de ontem no Palácio Foz, dia 09-01-2009, que marcou a apresentação dos programas Inov-Art e Inov-Mundus com a interpelação de Paula de Castro Guimarães (Paula Azguime) ao Senhor Primeiro Ministro Eng. José Sócrates, e perante o comunicado da DgArtes que tenta desviar a atenção da questão levantada relativa à internacionalização dos artistas portugueses com mais de 35 anos de idade; a Miso Music Portugal / Centro de Informação da Música Portuguesa, entidade da qual Paula Azguime é presidente e directora. vem esclarecer o seguinte:

Em relação às declarações do Ministro da Cultura José António Pinto Ribeiro:
Ficamos perplexos, abismados e revoltados perante a afirmação do Ministro da Cultura, que garante haver dinheiro para todos artistas: "Não há nenhuma falta de apoio para todos os artistas que existem em Portugal, é uma questão de se dirigirem aos locais próprios".
Esta afirmação demonstra um total desconhecimento da realidade dos artistas e das estruturas artísticas em Portugal e até dos próprios organismos do Ministério da Cultura! Os montantes dos apoios previstos para os concursos plurianuais e anuais da DgArtes não se coadunam, como todos sabemos e até a própria DgArtes reconhece, nem com o número de entidades susceptíveis, pela sua qualidade, originalidade e mais valia para o estado de serem apoiadas, nem com as necessidades das actividades em Portugal; muito menos com uma internacionalização consistente dessas mesmas actividades. Solicitamos pois como consequência directa das declarações do Senhor Ministro da Cultura que não havendo nenhuma falta de apoio para todos os artistas, e por conseguinte nenhuma falta de verbas, que sejam feitos de imediato diligências no sentido de se pôr de pé um programa especifico, tão longamente aguardado e reivindicado de apoio e incentivos à internacionalização dos artistas portugueses com mais de 35 anos. Sugerimos também que haja um aumento efectivo de verbas nos apoios às estruturas para que efectivamente ao contrário do que se verifica nos montantes anunciados para os apoios 2009-2012, elas possam também fazer um trabalho sólido de internacionalização dos seus projectos e dos artistas que promovem.
Afirmou também o Ministro da Cultura José António Pinto Ribeiro nunca ter sido contactado pela Miso Music Portugal para um pedido de audiência. Para que não restem dúvidas sobre a veracidade da solicitação da Miso Music Portugal juntamos em anexo documento com o pedido de audiência enviado a dia 9 de Maio de 2008, reiterado a 06 de Junho de 2008, a 22 de Junho de 2008, e ainda a 16 de Julho de 2008 (ver documentos anexos).
Foi-nos concedida uma reunião com o Dr. Luís Chaby Vaz, Chefe do Gabinete do Ministro da Cultura a 28 de Julho de 2008 que nos informou não haver dinheiro nem em 2008 nem em 2009, nem a possibilidade de nenhum enquadramento específico para o Centro de Informação da Música Portuguesa cuja principal função é a preservação e promoção do património musical português e a efectiva internacionalização dos compositores portugueses e das suas obras, numa perspectiva de circulação e de afirmação da música portuguesa no mundo. (ver documento anexo).

Em relação às declarações do Director-Geral das Artes Jorge Barreto Xavier:
As afirmações do Dr. Jorge Barreto Xavier só vêm comprovar a posição privilegiada da Miso Music Portugal / Centro de Informação da Música Portuguesa para em pleno direito se pronunciar quanto aos problemas efectivos das artes em Portugal e em particular à sua internacionalização. Como disse o Dr. Jorge Barreto Xavier "a Miso Music Portugal é a entidade mais apoiada na área da música", recebeu anualmente entre 2005 e 2008, 200 mil euros e é uma entidade que se tem vindo a internacionalizar e que por isso conhece bem os obstáculos e as dificuldades para essa internacionalização e as lacunas profundas das politicas para a cultura nessa matéria e correspondentes insuficiências financeiras.
É com profundo conhecimento da situação que os artistas vivem em Portugal, que reafirmamos a necessidade imperiosa de que seja implementado um programa especifico com meios financeiros adequados para a internacionalização dos artistas portugueses de todas as idades, e especialmente aqueles com mais de 35 anos com trabalho afirmado e reconhecido. Para estes nunca houve em Portugal até esta data, como acontece em todos os países culturalmente civilizados, nenhum programa efectivo de apoio à internacionalização.

Quanto ao apoio anual de 200.000¤ atribuído por concurso à Miso Music Portugal entre 2005 e 2008, deve referir-se que o mesmo já não está em vigor, tendo terminado a 31 de Dezembro de 2008. A Miso Music Portugal fez no final de Novembro tal como muitas outras estruturas artísticas profissionais e independentes, uma candidatura aos próximos apoios plurianuais. Todavia o tardio lançamento dos concursos e o anúncio da decisão dos mesmos que só será conhecida em Abril, vêm interromper em todo o país e para todas as estruturas artísticas os apoios financeiros por um período de pelo menos 4 meses, deixando as estruturas numa situação de completa indefinição e de precariedade não justificável, assim todas as actividades culturais independentes parceiras até final de 2008 da DgArtes. Contrariando-se assim o principio de estabilidade e de necessidade de consolidação, dinamização, e desenvolvimento sustentado das actividades artísticas previsto e estipulado pelo decreto lei Decreto-Lei n.º 196/2008 de 6 de Outubro.

Pela Miso Music Portugal

Paula de Castro Guimarães (Paula Azguime) e Miguel Azguime
Todas as informações sobre a Miso Music Portugal em http://www.misomusic.com e sobre o Centro de Informação da Música Portuguesa em http://www.mic.pt

--

Paula de Castro Guimarães
directora executiva e curadoria

Monstra e Belo

2009-01-12T10:51:00.005Z

Dois concertos, dois destinos, Orquestra Barroca de Basileia, dirigida pela concertino Julia Shröder, na Gulbenkian, desinteressante, pouco estimulante, planar [chato], desafinado, sem recorte nem cor, com instrumentistas esforçados mas pouco dotados, caso da oboé e de quase todos os violinos. Uma cantora doente a fingir que cantava e a dar imensos esgares...
Concerto sem o menor interesse, interpretação indiferente e banal.

Giardino Armonico, duas horas depois no CCB, com quatro solistas de craveira mundial nos violinos: como pode conceber-se o Fabrizio Cipriani estar na terceira posição e o Colleti na quarta? Bem, nas primeiras estavam o Barneschi e o concertino era o Onofri, está tudo dito. Todos os quatro têm um nível muiscal muito superior a uma Julia Shröder, uma intérprete razoável mas muito esteriotipada. Um alaúdista do melhor que há no mundo, Luca Pianca, violoncelos fabulosos, com Beschi à cabeça, um excelente e sóbrio Riccardo Doni no cravo e todos os restantes a um nível de elevadíssima qualidade. Uma equipa assim estaria votada a dar-nos um concerto fabuloso sob a direcção de uma musicalidade e uma energia absolutas de Antonini.
Escutámos um Handel vivo, cheio de cor e energia, pujante de nuances, com pianíssimos de uma beleza e transparência sem par, constrastes cheios de surpresa, fantasia, poesia nos andamentos lentos. Apenas Marco Bianchi, o concertino dos segundos violinos, falhou um pouco no início do Concerto op. 6 n.1 de Handel, quando entrou de forma desastrada e a "inventar", acabando a patinar desesperadamente nos seus soli iniciais, felizmente concentrou-se a acabou de forma mais sóbria e mais consistente as suas intervenções.
Vibrámos com a Folia de Geminiani, com solos extraordinários de Beschi, de Onofri, e com a cor do alaúde de Pianca. Subimos ao Parnaso com o solo de Antonini na flauta doce, no concerto de Sammartini.
Um concerto de altíssimo nível, uma orquestra de solistas, uma ideia musical pelo seu director. Simplesmente brilhante.

O público aplaudiu entusiasticamente. Infelizmente a sala não estava cheia, como se exigia. Será a crise ou o melómano médio anda embotado?...

Entretanto o bilhete máximo a 30 euros era ao mesmo preço do concerto da Orquestra de Câmara Portuguesa de 21 de Dezembro.

Revelações - Confirmações

2009-01-11T16:07:00.007Z

Em 2008 assistiu-se a algum marasmo no nosso panorama musical. Continuam as temporadas Gulbenkian e da Casa da Música, sendo a primeira muito conservadora nas suas escolhas, mas com elevada qualidade, e a segunda mais inovadora nas suas propostas. É tempo de espectativa, ambas as instituições mudaram de programador, os efeitos nas temporadas far-se-ão sentir a médio prazo, parecendo a Casa da Música manter-se numa certa continuidade. A Orquestra Nacional do Porto afirma-se como a melhor orquestra de formação (de raiz) sinfónica de Portugal e parece ter conseguido assegurar a transição de titular de forma eficaz e com valor acrescentado.

O Teatro de S. Carlos manteve-se a um nível muito baixo: fazer inúmeros concertos de concertina e reco-reco, a par de alguns outros mais meritórios, não é a vocação de um Teatro Nacional de Ópera. Exige-se, isso sim, ópera de qualidade, uma orquestra sinfónica de qualidade e um coro a subir de forma. Milhares de eventos menores podem ficar a cargo de outros programadores e/ou festivais, etc... Com esta direcção artística de Dammann, e apesar de Julia Jones como nova titular da OSP, não se nota evolução significativa. O coro está agora muito pior desde o, mais que discutível, afastamento de Giovanni Andreoli para dar lugar a um mais um homem de Colónia.

O CCB apresentou uma temporada em crescendo. São discutíveis as políticas de formação de preços: uma orquestra de jovens, como a Orquestra de Câmara Portuguesa, dirigida por um jovem promissor, mas sem grande currículo na direcção de orquestra, não pode ter o mesmo preço que uma orquestra consagrada dirigida por um maestro de craveira mundial como Marc Minkowsky.
Considero que a aposta na OCM deve ser mantida e, sobretudo, ampliada nos recursos. Uma orquestra de jovens altamente promissores não pode ter apenas dois ou três concertos por ano. O CCB deve investir mais neste projecto de Pedro Carneiro para apurar o estilo e a coesão dos instrumentistas. Alguns concertos iniciais promissores não tiveram neste final de ano a previsível subida de qualidade. O atingir de um patamar mediano não é desejável. Pedro Carneiro e os seus músicos têm muito mais potencial do que o demonstrado. São necessários mais concertos e o convite a maestros de alto nível para ensaiar (uma ideia inicial que parece não se ter mantido) e dirigir esta orquestra a par de Carneiro, senão o projecto ficará condenado à política das boas vontades na habitual estagnação portuguesa.
A restante programação do CCB tem tido momentos de elevada qualidade e algumas desilusões (como o do King Consort). A política de manter agrupamentos residentes, como o Divino Sospiro [conflito de interesse: sou sócio fundador], tem dado projectos com interesse. Apostar na Maria João Pires pode ser interessante mas também perigoso, uma vez que esta pianista pode ser capaz do melhor e do pior.
O CCB deverá de futuro ser mais consistente ao longo do ano e não se concentrar em alguns eventos que esgotam o orçamento.

A Metropolitana perdeu Gabriela Canavilhas e ganhou Cesário Costa. Michael Zilm trouxe momentos de altíssima qualidade que não foram acompanhados por outros maestros estrangeiros como Augustin Dumay. A Orquestra tem valor mas carece de ensaios e de direcções de qualidade. Espero que com Cesário Costa o nível geral aumente. O trabalho da Metropolitana é sério e profissional.

A Culturgest, dispondo de um auditório com fraca acústica, está condenada a uma programação alternativa e, quase sempre, com amplificação. No entanto o lado amplo, inovador e sofisticado da programação, onde predominam muitos elementos post modernos, acaba por ser quase sempre estimulante, quer seja no jazz, na ópera contemporânea, no bailado ou teatro... Gosto muito das conferências e ciclos que esta entidade produz.

Estrearam-se menos óperas em 2008 do que em 2007 [ano de Das Märchen de E. Nunes e W de José Júlio Lopes], assisti a "Um Outro Fim" de Pinho Vargas e gostei muito da música.

Artur Pizarro, para mim, destaca-se como o solista instrumental de maior qualidade em Portugal sem esquecer António Rosado. Na voz mantém-se o seguro Luís Rodrigues como "a rocha" dos barítonos portugueses. Tenho gostado do trabalho de Mário Alves (tenor) e Ana Quintans afirma-se como uma cantora de grande estilo.

Existe também um jovem naipe de cantores e instrumentistas portugueses que se tem vindo a afirmar.
Os problemas são sobretudo estruturais. O Estado não financia a música, a educação pública não dá qualquer valor à música. A população em geral não tem gosto musical o que impede um crescimento apoiado na sociedade civil: sem uma grande base cultural dos seus dirigentes as escolas privadas também não estimulam a aprendizagem musical e as escolas privadas de música são escassas. Os programadores locais e os pequenos festivais têm cada vez menos dinheiro. A crise económica afasta sponsors e as grandes empresas que, lideradas por gente pouco culta na sua esmagadora maioria, não destina quaisquer fundos à responsabilidade social na área artística.

Existe uma massa de jovens que eu prevejo, se o estado das coisas não se alterar, condenado à frustação, ao desânimo e a vegetar economicamente. A emigração, a participação em espectáculos ligeiros e as lições avulsas são quase o único destino destes jovens.
Por outro lado a crítica é pouco estimulante, mortiça, com pouco espaço público e, no meu caso, algo resingona. Em 20009 espero ser mais compreensivo para com os pequenos erros alheios e não usar de artilharia tão pesada para com o trabalho do próximo... veremos se consigo.

Melhores discos de 2008

2009-01-11T12:28:00.006Z

Procurei citar discos realmente saídos em 2008 e não discos saídos nas datas mais díspares, como 2007, que receberam menções na nossa imprensa. Considero o projecto Immerseel das Sinfonias de Beethoven o melhor conseguido pela envergadura da obra e pela qualidade musical e da gravação. Simplesmente notável. Todos os outros são mencionados sem ordem de preferências.

Integral das Sinfonias de Beethoven, dir. Jos Van Immerseel, orq. Anima Eterna. Editora Zig Zag.

Firenze, 1616, Le Poème Harmonique, direcção Vincent Dumestre. Editora Alpha.

Francesco Geminiani, Sonates pour violoncelle avec la basse continue, Bruno Cocset & Les Basses Reunies. Editora Alpha.

Robert Schumann Klavierwerke & Kammermusik - IV, Eric Le Sage. Editora Alpha.

Lamentatio Jeremiae Prophetae, Agricola, Morales, Arcadelt & Lassus, EGIDIUS KWARTET. Editora Et'cetera.

Vivaldi, Les Quatre Saisons & Autres Concerts, Gli Incognitì, Amandine Beyer. Editora Zig Zag.

Tartini, Sonate a violino solo, Aria del Tasso, Chiara Banchini, violino e Patrizia Bovi, soprano. Editora Zig Zag.

Handel - Organ Concertos op. IV, Lorenzo Ghielmi e La Divina Armonia. Editora Passacaille.

Zelenka, Missa votiva zwv 18, Collegium 1704 e Collegium Vocale 1704, dir. Václav Luks. Editora ZIG ZAG.

Margerit, Francesco Spinacino, Emanuela Galli, soprano, Gabriele Palomba e Franco Pavan, alaúdes, Josuè Melendes, corneto, Paolo Zucheri, viola da gamba. E Lucevan le Stelle.

Graffiti (Just Forms), Six Portraits of Pain, Acting Out António Pinho Vargas, Remix e ONP. Editora Numérica.

Erik Satie - Claire Chevallier piano Erard. Editora Zig Zag.

Grandes Descobertas

Ganassi, Sylvestro, Io amai Sempre, Venise 1540, Madrigais, Motets, Toccatas e Fantasias. Pierre Boragno, flautas, Massimo Moscardo, alaúdes e guitarras, Marianne Mudler, violas, François Saint-Yves, órgão e cravo. Editora Zig Zag.

Bohuslav Matěj Černohorský Laudetur Jesus Christus. Hipocondria Ensemble, Societas Icognitorum. Editora Arta.

Chant de L'eglise de Rome - VI - XIII siècles. Ensemble Organum, dir. Marcel Pérès. Um disco surpreendente. Editora Zig Zag.

Julius Röntgen, Complete Cello Concerts. Arturo Muruzabal, Orquestra Sinfónica da Rádio da Holanda, Filarmónica de Câmara da Rádio da Holanda. Maestros: Paul Watson e Henrik Schaefer. Editora Et'cetera.

Nota:

Estou à espera de "Le jeu de Robin et Marion" da Zig Zag, com a Patrizia Bovi, que ainda não vi por cá em Lisboa. Pela lista de prémios recebiods deve ser muito bom.

A Melhor reedição

Masters of Flanders, dir. Eric Van Nevel, Capilla Saint Michaelis, Currende Consort. 10 CD's. Editora Et'cetera.

À excepção da tal caixa reedição dos 33 discos da Decca com as gravações de Bayreuth, não considero interessantes as propostas no domínio da ópera para serem consideradas nesta lista.

António Pinto Ribeiro [ministro nome trocado]

2009-01-10T00:39:00.007Z

Pinto Ribeiro [ministro nome trocado] continua na senda do "Fazer mais com menos". Retirou o subsídio de 250.000 euros ao Círculo Portuense de Ópera e disse mais ou menos assim:
- A Casa da Música recebe muito dinheiro, eles que façam a ópera!
E questionado sobre a inexistência do fosso e teia na complexo de salas de concerto que constitui a Casa da Música Pinto Ribeiro [ministro nome trocado] acrescentou: eles que façam no Coliseu!

Suponho que a massa deva ir para pareceres jurídicos ou qualquer outra coisa importante, como uns automóveis melhores para o Ministério da Cultura [ministério nome trocado].

Mas será que eles não percebem que uma coisa são salas de concerto e programadores e produtores de concertos e outra são salas de ópera e produção de ópera? Não percebem que existem estes dois conceitos? De onde saiu este Pinto Ribeiro [ministro nome trocado]?

E depois disto tudo ainda somos informados que Pinto Ribeiro [ministro nome trocado] ainda tentou demover Ricardo Pais de se reformar!

Johnny Guitar

2009-01-09T20:22:00.005Z

Haiku "Bénard vindo da Costa"

Teu Livro é cinema
da Sá da Costa à Bénard
Um café e cigarro...

"There's only two things in this world that a 'real man' needs: a cup of coffee and a good smoke."

Faust de Gounod

2009-01-09T20:13:00.005Z

Estreou no S. Carlos, ontem, o Fausto de Gounod, o elenco foi entre o fraco e o sofrível.

O maestro foi desastroso.
O coro foi muito fraco.
A orquestra esteve mal e as cordas (concertino, violinos, violas e violoncelos) estiveram péssimas.
Os desacertos canoros, de ritmo, a desafinação e os erros decorreram calmamente do princípio ao fim.
Uma direcção sem chama nem glória, sem subtileza nem encanto, quadrada, pesada e sem a elegância necessária à mais conhecida, e mui digna, obra dessa estrela de segunda grandeza que foi Gounod.

O barítono estava enrouquecido e com dificuldades de respiração e não houve um substituto para dar um pouco mais de dignidade à estreia numa casa de ópera num teatro nacional europeu.

A encenação mediana, e não acompanhada pelo encenador, foi o melhor do conjunto. Está, no entanto, recheada de lugares comuns e sem grande rasgo.

Uma tristeza este Teatro sob esta direcção artística muito fraca vinda de Colónia e com gente, vinda de Colónia e arredores, de currículo muito curto.

Uma crítica mais detalhada posteriormente.
Classificação: nove e meio.

Incompetência Assumida

2009-01-09T18:53:00.004Z

Na entrevista de José [Sócrates] Sousa à SIC foi referido que o Estado tinha devolvido fundos comunitários no valor de seiscentos milhões de Euros destinados à agricultura em 2008 para se poder poupar cento e sessenta milhões de euros que o mesmo Estado teria de investir.
José Sousa disse que teve de ser assim para controlar o défice...
Mas será que ninguém explicou a estes senhores que apenas o IVA sobre o total dos investimentos, correspondentes a compras de equipamentos e serviços (que no caso de investimentos com fundos comunitários têm de ser documentados e contra factura), seria cerca de 155 milhões! Isto, sem contar com outros factores decorrentes do investimento, traria o retorno quase completo dos tais cento e sessenta milhões a "poupar" para controlar o défice.
Será que nenhum jornalista ou blogueiro percebeu a falácia que disfarça a mais completa e absoluta incompetência destes governantes?

Só este pedaço da entrevista seria motivo para o maior dos escândalos em qualquer país um pouco mais civilizado...

Ainda a encenação de "Um outro Fim" de Pinho Vargas

2008-12-29T23:04:00.017Z

O meu comentário à ópera "Um Outro Fim" foi apelidado de "agressivo" pelo senhor AMET que se afirma André de Mendonça Escoto Teodósio, do Teatro Praga [post que pode ser lido no final deste meu texto], creio que se trata do encenador da ópera.
Sublinho que ter chamado medianíssimo ao texto de José Maria Vieira Mendes é um rasgado elogio.
Passo a explicar o que queria dizer com "garotos com pretensões post modernas" e que julgo ser apenas uma constatação de facto.
Post moderno, no sentido quase indefinível do termo, de oposto ou reacção ao modernismo, aquilo onde "quase tudo é possível e quase nada é certo", uma espécie de pan confusionismo barroco post estruturalista, ou mesmo anti-estruturalista. No sentido em que um texto base, de José Maria Vieira Mendes, marcado com transições claras – e não analiso o texto, note-se, sobre o qual muito haveria a dizer – é depois transgredido, desconstruído, esfumado, vincado por elementos de géstica absurda ou fora de contexto: apontar enfaticamente e repetidamente o céu ou o público ou a teia, usar máscaras de recortes sem sentido, desmaterializando, acabar com as marcações, entradas e saídas, esbater qualquer relação entre o vazio e o cheio, mobilar confusamente toda a estrutura cénica criando uma "possível" desconstrução, esbatimento, dissolução do texto através de barroquismos visuais prolixos. Usar elementos de “série B” que desligam a acção da verosimilhança, quase uma distância brechtiana mas sem a força dramática e o despojamento moderno da mesma. Tudo elementos post modernos avulsos, sem um verdadeiro propósito desconstrutivista no sentido revelador do termo oculto, da leitura profunda, sem uma desleitura (e como fazê-lo a partir de um texto claramente não hermético, primário no sentido do sentido): Derrida sem Derrida e sem a crítica de Focault? Como realizar uma hermenêutica de algo que não é hermético? Como criticar uma massa esbatida, nevoenta, sem cisura, sem fluxo? Onde está o Homem na sua ausência? Em palco, claro está, para se perceber que volta no fim e se perder a construção/evolução dramática? Mas isso faz sentido? E uma grande e negra pistola apenas desenhada em folhas brancas de um album mas desconstruída, verdadeitramente, pelos estrondos na orquestra! Nesta encenação falta um enorme revólver preto, ele mesmo saído de um “Falcão de Malta” ou, no paradigma das armas inúteis, de “O Dia em que a Terra Parou” de 1951... Jogos de espelhos óbvios do Irmão-Homem, ciclos de identidades, faces sem corpo, silhuetas que se trocam umas pelas outras, jogos inúteis, indicações desnecessárias, estações sem fim sem um outro fim.
Afinal o encenador é colaborador do dramaturgo? É um desconstrutor descarado (pela máscara que esconde a face) e afirmativo ou é um desconstrutor confuso com o que está a fazer? Abomina o texto e quer eliminá-lo, desfazê-lo, estilhaçá-lo? Sublinha o texto pela prolixidade, pelos referentes, pela rama e não pelo âmago, antíteses eles mesmos do modernismo? Ficam as questões.

Ser o crítico agressivo? Por chamar "garotos post modernos" ao jovem grupo de encenação? Não me parece, pela explicação e pelas questões deixadas. Quando o crítico se debruça sobre uma obra, qualquer observação que faça já é um motivo de regozijo para o criticado. Merece o crítico levar com o sapato voador do criticado? Claro que merece! Agradeço por isso. Só o sapato post moderno pode suscitar a polémica, a diversão da discussão, formas de uma arte superior chamada crítica, superior – claramente – "à desconstrução" de um texto. Um sapato post moderno pode ser sempre desconstruído; foi construído para isso, aliás. E para acabar por desconstruir o sapato recordo que o texto de "Um Outro Fim" é servido por uma música (concebida para o texto e não para a encenação que ainda não se vislumbrava) claramente construtivista, moderna, estruturalista, de uma claridade e de uma força desconcertantes no seu propósito moderno. É uma arte com siso, a de Pinho Vargas. Será a antítese, ela mesma, da encenação "post moderna"?... Sem a sapatada do criticado o crítico nunca viria a terreno esclarecer o motivo da sua observação.

Escrevo o texto acima, e dá-me bem menos trabalho escrevê-lo do que fazer uma tradução para o senso comum. Infelizmente o serviço público obriga-me a publicar a tal tradução: Garoto com pretensões post modernas = ser humano, ainda jovem, auto proclamado detentor de uma grande intelectualidade, e que dá a entender que leu uma série de livros, mas que anda confuso com o destino da sua arte, gostaria de ser um "desconstrutor" (será "desconstrutivista"? estes palavrões post modernos deixam-se sempre confuso), um "post estruturalista" ou mesmo um "anti estruturalista" mas não passa de um "neo-confusionista à espera de Augusto”.

Nota final sobre a posição do jovem artista face à crítica:

É confortável para o criticado, num único acto com sentido construtivo, nas sua demanda da desconstrução, paradoxo ele mesmo enquanto construção que se quer desconstruída, colocar-se na posição de vítima: “desgraçado do jovem”, vítima dos velhos críticos com Hanslick à frente mas apoiado no velho amigo que até trata por “Augusto”, o primeiro e amigável nome. Será o “jovem artista” o génio Wagner incompreendido e batido pelo velho sátrapa? Mas se nem Wagner era jovem, nem incompreendido, nem o sátrapa lhe conseguia bater. Será o “Augusto” o César da crítica? O pater familias? O grande homem africano que protege? O amuleto salvador no momento Augusto da Angústia, invocado para (ex)conjurar os críticos malévolos, e decrépitos, que o insultam sem propósito? O deus ex machina? Augusto salvador salva o jovem artista vítima dos Velhos do Restelo que não perceberam a desconstrução! Será que alguém percebeu excepto o próprio? Questões? Interrogações? Derisões? O jovem artista Teodósio diz-se insultado e tratado com agressividade, incompreendido. Mas isso não é o objectivo último do “jovem artista”? Caro Teodósio, pela parte que me toca, creio que estou a fazer-lhe um favor à sua excelsa e admirada figura de jovem artista post moderno, esta minha incompreensão da sua belíssima e incompreendida obra. Este texto é o meu ordálio de serviço público, é a minha redenção anual de 2008. Incompreendê-lo é um grande favor que lhe poderia fazer. Será que consigo?

Finalmente: júris de concursos só mesmo em Praga! De facto fui avaliador num concurso em Praga, neste ano que acaba, mas não era de artes. Não lhe posso desconstruir (nem quero) o subsídio que acho bem merecido.

Texto original de E. Teodósio:

Errata

Bom, pelos vistos o jornal Público talvez publique o meu D.R. (é bastante provável que não editem o texto na sua totalidade, mas isso depois logo se vê) pelo que achei mais educado tirar o texto do blog até à sua eventual publicação.

P.s. Sílvia, não existe nenhum "jogo de ofendido/ofensor". Simplesmente respondi (cinicamente) no mesmo tom verbal em que a crítica abordou o meu trabalho. É que nós, em Arte, podemos errar no objecto. Agora os críticos (que, by the way não sejamos ingénuos, alguns são júris em concursos públicos + são formadoras de trends + e possíveis futuros gatekeepers como diria Augusto) não devem insultar. É que isto abre uma lógica perigosa (exactamente a contrária de um 'famoso' encenador que agrediu um 'famoso' crítico): pedir a cabeça de um encenador e impedir que os 'novos' entrem nos Museus sem desconto.
Resumindo: isto nada tem a ver com gostar ou não. O Augusto (que ainda não me disse nada) presumo que não tenha gostado, imensas pessoas não gostaram. Não gostar do que eu faço está na ordem do dia (E AINDA BEM i.e. SIGNIFICA QUE ESTOU NO CAMINHO CERTO i.e. AS PARTAGES DU SENSIBLE ESTÃO ON THE WAY). Mas nenhum reagiu agressivamente como a sr. Cristina. É que nem o seu amigo Henrique. E isso eu não posso permitir.
ABOMINO O MAL.

P.s.s. AMO-TE=AMET=André de Mendonça Escoto Teodósio
Publicada por Amet em 20:07 2 comentários Hiperligações para esta mensagem

Sobre Eduard Hanslick

2008-12-29T22:17:00.005Z

Foi professor na Universidade de Viena. Escreveu largamente sobre estética e música. Nasceu em ... Praga! Tinha origem judaica, o que aumentou largamente os preconceitos sobre a sua pessoa. Esses preconceitos perduram até hoje, como se pode ler em alguns blogues que por aí andam. Depois de Wagner ter publicado "Judeismo na Música" dedicado largamente ao crítico austríaco, após críticas negativas deste, o seu corte com o alemão foi total.

Teve o mérito de inspirar obras a Schumann e o delicioso Beckmesser dos Mestres Cantores do grande Richard Wagner. Hoje em dia seria bom que existissem mais Hanslicks mas parece que não há. Será que o Augusto tem alguma coisa a dizer sobre o assunto? Ser apelidado de Hanslick é um elogio?

Horror

2008-12-28T22:13:00.006Z

Liguei a televisão e observei um pouco da série "Equador" de hoje, notei imediatamente um aspecto detestável: a montagem da imagem, e sobretudo, do som não é feita "à faca", é feita à catanada.

A cena do S. Carlos não respeita a verdade história, falta o guarda vento nos arcos da entrada ou os bancos de madeira na plateia, do que seria o S. Carlos no início do século XX. Mas o pior é a cena do Tristão e Isolda que se segue. A Isolda parece uma caricatura e o canto é verdadeiramente atroz, quase fazendo da Natália de Andrade um modelo de virtudes, a cena é simplesmente infernal. Aquilo faz da ópera algo dantesco e demonstra uma enorme ignorância, e mesmo estupidez, dos autores e realizador da série. Tentei descortinar qual a orquestra e a cantora que tomam parte na gravação, mas não descobri. Talvez por vergonha não seja mencionada no genérico.

Creio que nem o S. Carlos do princípio do século XX fosse assim tão mau. Com este director artístico, se for persistente e prosseguir com tão belas temporadas como a primeira que dirigiu, talvez se atinja o nível mostrado nesta série. Mas isso será no século XXI, sob o signo socrático e deste também anedótico (recordo a anedota original: "fazer mais com menos") ministro da cultura do nome trocado...

Simplesmente vergonhoso.

ET

2008-12-24T16:09:00.005Z

ET
(Evolução em Trânsito)

Os portugueses são
Deste velho Continente
Os mais infelizes,
Por fatalidade.

Em vez da Educação
Cabe agora ao governo
Erguer em poucos meses
O Ministério da Felicidade.

Evolução 1

Recuando ao tempo
Da outra senhora
A escola era à fila
Com reguadas na mão.

Agora, é de gritos
A postura do saber
De pernas para o ar
E telemóvel à mão.

Criação 1

Há cerca de cinco mil anos
Foram desta para melhor
Os dinossauros
Porque não havia ainda
Ministério da Educação.

Agora, graças a Noé,
Ou talvez não, eles aí estão.

Evolução 2

Gramática e cultura...

Eu tomei
Tu tomates
Ele tomou

Com muitos valores
e nenhuma dor...

Nós tomámos
Vós tomates
Eles tomaram...

Ignorância
e TLEBS a rodos.

P.S.: Os nossos agradecimentos ao Ministério da Educação, pelo seu empolgante trabalho, ao longo destas ultimas décadas, em prol da arte da conjugação.

Criação 2

Darwin, Darwin
Vem cá abaixo ver isto,
Tu, que estás ainda
No Ministério da Educação
Pendurado nas paredes
Em vez da cruz de Cristo
(Calma, é só para a rima).

Até quando, não se sabe,
Que há razões para temer
Em breve teres de cair
Trocado talvez
Por um dinossauro qualquer
Deslocado no tempo
Mas a criar já raiz

Nas ruas e ministérios
Que devemos salvaguardar
Do demo que anda por aí,
Dizem, mas cá para mim
É só um surto truísta
A camuflar na educação
A semente criacionista.

Tomás de Oliveira Marques
12/12/2008

Concertos no CCB - Maratona Beethoven "Concerto de Viena" II

2008-12-24T10:46:00.002Z

II PARTE Dia 21 de Dezembro, 21h Grande auditório do CCB

Orquestra: SInfonia Varsovia
LATVIJAS RADIOKORIS (Coro da Rádio Letónia)

Direcção: Marc Minkovsky
SANDRA MEDEIROS soprano
JULIANA MAUGER alto
FERNANDO GUIMARÃES tenor
JOÃO DE OLIVEIRA baixo
Artur Pizarro piano

Sinfonia nº5 em dó menor, op.67 (1808)
Sanctus (Benedictus - Osanna) da missa em Dó, op.86 (1807)
Fantasia for piano em sol menor, op.77 (1808)
Fantasia em dó menor para piano, choro e orchestra, op.80 (1808)

Começámos a segunda parte desta maratona Beethoven com a Quinta Sinfonia de Beethoven mas o que escrevo sobre a quinta de Beethoven aplica-se a todo este concerto.
Estávamos com alguma espectativa: ver uma orquestra moderna dirigida por um maestro "antigo", titular da mesma, podia criar algumas tensões de estilo.
Nada de mais errado, a fusão e combinação das personalidades foi impressionante. Ouvimos um Beethoven empolgante, apaixonado, vivo, energético, denso mas, ao mesmo tempo, transparente. É certo que o vibrato e o som "polaco" desta orquestra ainda se fazem sentir mas a direcção de Minkowsky assegura articulações muitíssimo bem trabalhadas, finas, que lhes conferem uma elegância e uma capacidade de diálogo entre as diversas secções temáticas que revelam um Beethoven que trabalhou até à exaustão o detalhe das suas obras, um arquitecto de grande fôlego e um homem da precisão e do detalhe. Foram particularmente impressionantes os pianíssimos dos violinos no último andamento, de uma delicadeza ímpar e, ao mesmo tempo, de uma capacidade técnica perfeita, sem perder corpo nem textura, acentuando os mais ínfimos detalhes da articulação escrita na partitura.
Os mais pequenos detalhes de acentuação foram executados pelos músicos, todos os forte-piano, crescendos que terminam em p, sforzandi de acentuação em passagens rápidas executados com perfeição pelas cordas. Os contrabaixos e violoncelos foram perfeitos nas passagens mais exigentes. A coesão de toda a orquestra nas diversas entradas também foi notável, demonstrando uma perfeita empatia e uma equipa muito sólida. O trabalho dos soli nos sopros foi também perfeito com poesia e segurança em todas as intervenções.
Apenas não gostei de algumas colcheias isoladas em fortíssimo dadas com demasiado peso pelas cordas e do facto de Minkowsky, noblèsse oblige, não ter usado a nova (já nem tanto) edição "Urtext" das sinfonias de Beethoven.
Passando às partes com elementos vocais: a direcção de Minkowsky do belíssimo coro da Rádio da Letónia foi exemplar, gestos amplos, grande segurança, modificando a forma mais empática que usou para dirigir a "sua" Sinfonia Varsóvia na Quinta.
Os solistas vocais portaram-se à altura do acontecimento e todos, sem excepção, se apresentaram com dignidade nas partes em que se destacam. Gostei do peso vocal de João Oliveira, muito seguro e em plena forma musical.
Artur Pizarro chegou e encantou, a Fantasia em Sol Menor, raramente escutada, foi um modelo de elegância, suavidade de Touché em todas as circunstâncias: desde o mais suave pianíssimo ao fortíssimo nunca martelado (ao contrário do solista da sessão anterior). Pizarro teve o sentido de humor e a qualidade de nos dar unida e coesa uma fantasia difícil: parece desconexa nos seus contrastes mas Pizarro soube ter a magia de os unir, numa perfeição estilística de altíssimo nível.
O concerto terminou com a fantasia coral de Beethoven, uma apoteose digna para uma tarde que acabou numa noite magnífica. Um solista extraordinário no piano: Artur Pizarro, com uma naturalidade musical e uma segurança arrepiantes, com uma orquestra plena de energia e confiança, um coro excelente e solistas (agora saídos do coro) com um plano musical não inferior aos solistas anteriores.
Um maestro, Marc Minkowsky, que trouxe a partitura para todas as obras que interpretou. Parece que era a primeira vez que dirigia a Quinta de Beethoven com esta orquestra e quis assegurar-se de que todos os detalhes não lhe fugiam ao domínio. Trouxe também uma batuta enorme com encastoamentos em prata que fez a delícia do público que me rodeava... Uma batuta que usou para o serviço da música e foi excelente.

Concertos no CCB - Maratona Beethoven "Concerto de Viena"

2008-12-22T00:04:00.015Z

Sobre Pedro Carneiro não sei se estudou direcção de orquestra ou não mas sugiro que se torne assistente de um maestro, talvez como Marc Minkowsky ou Michael Zilm ou outro que esteja disposto.

Eu, se soubesse alguma coisa do assunto, diria:

1ª : Existe diferença entre piano e pianíssimo. Não ouvi um pianíssimo na Sexta de Beethoven.
2ª : Trompas em excesso de volume do princípio ao fim arruinam qualquer sinfonia de Beethoven.
3ª : Sforzando e forte persistente são coisas diferentes. Acentuação em Beethoven é muito importante.
4ª em forma de questão: Se Marc Minkovsky levou a partitura da Quinta de Beethoven porque será que Pedro Carneiro não levou a da Sexta? Eu acredito que deve ser porque Pedro Carneiro é um grande maestro e Marc Minkowsky não.
5ª : Uma trompa que dá notas erradas que davam para construir uma obra de Emanuel Nunes significa que algo está mal.
6ª : Sopros a tapar os violinos que levam a melodia principal enquanto se dirige enlevado, de grande sorriso e sem partitura, é sinal de que se deveria levar o papelote, ou ter alguma atenção.
7ª : Por sistema não se deve acelerar quando é forte e retardar nos pianos.
8ª : Quando se acompanham cantores deve-se dar espaço, e tempo, aos mesmos e não tapar vozes elegantes de belíssimo fraseado com o entusiasmo sorridente do fortíssimo.
9ª : "Tom sustentado [numa tradução algo livre] é o principal factor de qualidade de uma orquestra", Richard Wagner.
10ª : Em concertos com solista há que ter cuidado com as entradas e dar segurança rítmica ao pianista.

A Orquestra de Câmara Portuguesa parece ter qualidade mas precisa, para construir um caminho mais pensado e maduro, de uma direcção mais variada e com maior maturidade; senão teremos muita dificuldade em ouvir a estes músicos acentuações nas sinfonias de Beethoven, o mesmo para o trabalho de nuance e de subtileza.

O concerto nº 1 dos dois de ontem no CCB foi demasiado insatisfatório para poder ser considerado positivo. Uma Sinfonia nº 6 tocada de forma indiferente e sem nuance, com um trompa a cometer erros do princípio ao fim, uma ária de concerto cantada de forma exemplar por Pendatchanska e tapada de forma desastrada pela orquestra, uma Glória da missa em dó de Beethoven que teve qualidade e, finalmente, um desastroso concerto nº4 de Beethoven, por um solista mal preparado (Sergio Tiempo) irregular e mal apoiado pela orquestra, foram uma pequena tortura para mim. Escaparam as obras do meio, falharam rotundamente os pratos de resistência.

Ser jovem é uma vantagem, não é um inconveniente. Ter uma orquestra de jovens e passar-lhes a mão de forma paternalista dizendo: "é uma orquestra de jovens, temos de ser benevolentes"; é errado. Se são jovens é tempo de lhes exigir mais e mais. Só assim se tornarão superlativos. Já passaram o tempo da experiência e do lançamento, agora é tempo de trabalho profundo e maduro. Esta orquestra tem a beneficiar com o contacto com um maestro mais maduro, Pedro Carneiro também tem a beneficiar com isso.
Por outro lado, o preço dos bilhetes para este concerto não era um preço de "orquestra jovem", vender OCP com Pedro Carneiro na direcção ao mesmo preço que a Sinfonia Varsóvia com Marc Minkowsky ao comando, com o seu bastão, parece-me algo surrealista mas, também, é um convite a uma apreciação sem paninhos quentes para a OCP. A preços iguais padrões iguais. E se o padrão for o mesmo: o concerto da OCP foi muito fraco comparado com o que se lhe seguiu.

Continua com o concerto que se seguiu.

Mais comentários sobre "Um Outro Fim"

2008-12-22T00:00:00.004Z

Não percebo como António Pinho Vargas deixou que a sua belíssima música fosse usada no texto medianíssimo deste "Um Outro Fim" e, pior, a ópera fosse entregue a um grupo de garotos com pretensões post modernas (será que eles sabem?) cuja encenação foi o pior de tudo.

Salvaram-se cantores dignos e profissionais e a pequena orquestra com direcção de Cesário Costa.

A nova Ópera de Pinho Vargas merecia mesmo outro fim.

Excelente concerto

2008-12-21T11:38:00.002Z

Estou a escutar o concerto de Natal das Vozes Alfonsinas no CCB. Devo dizer que estou deliciado com a qualidade do grupo e da direcção e escolha das obras.

O director, Manuel Pedro Ferreira, e o grupo estão de parabéns por um trabalho de alto nível.

Ópera de Pinho Vargas

2008-12-20T23:55:00.000Z

Depois de ter assistido hoje à estreia o meu primeiro comentário será:

A música é muito melhor do que a ópera.

Estupidez

2008-12-19T10:19:00.004Z

Chamo a atenção para o post não assinado falta de ética republicana escrito no blogue "Diário Ateísta".
Vá ler e tenha o seu vómito, não é preciso dizer nada, aquilo fala por si.

A peça termina com:
"Comentário: A celebração de Natal – um acto de proselitismo religioso através do Presidente do Instituto Superior Técnico."
Fim de citação.

Próximo passo: queimar em auto de fé ateísta toda a música religiosa.

P.S. Este post marca o regresso deste blogue à actividade.

Banha da cobra

2008-10-31T09:54:00.002Z

Nunca esperei ver um primeiro ministro do meu país, por muito desvalorizada que esteja a função e a dignidade do Estado, a tentar vender banha da cobra numa cimeira de alto nível.
Simplesmente deplorável...

Siegfried no S. Carlos III

2008-10-23T11:19:00.018+01:00

A Sopa de Notas

Em jeito de balanço e após presença na última récita do Siegfried faço uma reflexão sobre a música deste Siegfried dirigido por Marko Letonja. Os meus comentários dizem respeito a esta última récita, bem superior à do dia de estreia em termos de "catástrofes" orquestrais e dos cantores.
Aproveito para me lembrar deste maestro, lembro a destruição arrasadora da partitura da Medeia de Cherubini, lembro alguns concertos menos maus com a Orquestra Sinfónica Portuguesa. Lembro ainda a Valquíria do último ano. Nas lembranças operáticas de Letonja recordo sempre um maestro que atinge um certo ponto e depois desiste de fazer melhor, uma maestro que dirige sempre no "mais ou menos" e que nunca atingiu, em todas interpretações a que assisti, qualquer nível de refinamento ou de grandes qualidades expressivas. No caso de Cherubini a interpretação foi catastrófica, no caso da Valquíria a interpretação foi mais ou menos indiferente.

Mas Wagner, uma observação que se pode estender a outros compositores mas de particular acuidade para o alemão, não se pode ficar pelo "mais ou menos". Ser "wagneriano" tem que se lhe diga. É necessário o estudo, é necessária a paixão, a "obra de arte total" não está ao alcance do primeiro que compra a "edição da Dover do Siegfried", como Letonja revelou ter comprado, e fez umas semanas de ensaios com a OSP. Por outro lado a visão de "encenador" da obra, deixa o maestro claramente na sombra, Letonja é apenas mais um instrumento ao serviço de Graham Vick e das suas ideias.

Não é alheio a isto o facto de tocar com menos duas harpas e catorze cordas do que o escrito por Wagner e realizado desde então em Bayreuth, ou pela Filarmónica de Berlim ou nos Proms de Londres ou em Mannheim ou Valência. Enfim, por todo o lado: dos Estados Unidos até ao Extremo Oriente... menos em Lisboa. Como se deu a volta ao Teatro de S. Carlos para se acabar com um fosso sem espaço? É algo que continua incompreensível e que, depois disso, haja um bom "maestro" capaz de dirigir nessas circunstâncias torna-se insondável. É evidente que depois de se escutar o trabalho de Letonja, da OSP e dos cantores, o insondável torna-se transparente.

A direcção de Letonja poderia ser até uma direcção "edição Dover", uma edição baratinha mas com um certo aprumo e digna mas acabámos a escutar uma sopa de notas sem ênfase, sem arquitectura nem rumo, onde os motivos condutores foram apresentados sem alma nem glória, embebidos no visco sonoro informe, sem realce, sem verve, sem cor, onde as indicações dinâmicas e as articulações foram integralmente desrespeitadas, onde passagens inteiras eram tocadas descoordenadamente por violinos e violas, eles primeiro... elas atrás. Nesta última récita os violoncelos primaram por um som horrível e desafinados (v.g. murmúrios da floresta) e onde as violas corresponderam com notas erradas, passagens destruídas, incapacidade de articulação do que está escrito. Nas passagens mais complexas foram passando staccati a legati alegremente. Os violinos desafinaram do princípio ao fim, e foram transformando as articulações escritas, geralmente cheias de cor e detalhe onde primam contrastes dinâmicas em passagens difíceis, sforzandi aqui e ali e acentuações por todo o lado em cima de escalas com staccati pelo meio, numa massa caótica com a articulação feita da forma para conseguir "dar" as notas e o menos possível para tocar o que está escrito de forma confiante e afirmativa. Foi notória uma passagem onde vem escrito "sempre staccato" pelo punho do Wagner, e onde a "edição Dover" do maestro não esquece a indicação, que foi tocada "sempre legato" e feita sem uma única acentuação. Entretanto os metais parecem só conhecer duas indicações: meio forte e fortíssimo e com a resalva da tuba lá conseguir ainda reunir forças para um "ainda mais forte" como vem escrito, louvada seja, apesar de se debater com o problema do fôlego que leva o instrumentista a interromper notas sustentadas para respirar e voltar ao assunto, que é como quem diz: à mesma nota mas agora de peito mais aliviado. Tem a desculpa de uma interpretação arrastada, lentíssima, que torna qualquer tubista num homem deprimido e sem fôlego... Uma interpretação que parece desconhecer as indicações de Porges, Levi, Mottl ou Kniese e do próprio Wagner que comentou que Richter (na estreia em Bayreuth) andou devagar demais e a arrastar: "se os senhores não fossem tão aborrecidos o Ouro estava acabado em duas horas!" Não seguir ou não estudar, ou ignorar ou querer ignorar, o que se escreveu, não se conhecer a nova edição da obra e andar a comprar a edição de vinte euros não quer dizer que não se toque uma "edição Dover" da obra: se fosse tocada como vem escrita na referida edição já não era nada mau... Mas a Letonja e ao S. Carlos exige-se a Neue Richard-Wagner-Gesamtausgabe.

Assim tivemos duzentos e setenta minutos de Siegfried na estreia e duzentos e cinquenta e cinco minutos na última récita! Evolução brilhante, que retira sob a mesma direcção cerca de quinze minutos ao empadão final. Se na última récita o Siegfried foi arrastado imagine-se agora a estreia... Recordo que Amsterdão fez o mesmo Siegfried em 2004 em duzentos e vinte e três minutos. O maestro Hartmut Haenchen seguiu a nova edição Richard Wagner e estudou a fundo as indicações recolhidas da boca de Wagner por Porges. Imagine-se a OSP a fazer o Siegfried em menos 47 minutos do que na estreia!!! Se esta produção foi o caos musical com menos 47 minutos o que seria?...

Uma palavra para a trompa, sempre em elevado plano. Já a tuba, como apontei, deixou-me algo insatisfeito. Noto que ambos os instrumentos são bem importantes para o fluxo discursivo da obra. O corne inglês a imitar a cana rachada de Siegfried saiu perfeito.

As madeiras não tiveram a qualidade de som exigível e no seu conjunto padeceram do mesmo mal do resto da orquestra: ausência de cor e de nuance. Falta de trabalho do detalhe. Falta de ênfase e cuidado na articulação. Som surdo devido à posição no fosso. Escaparam alguns solos apesar do clarinete baixo ter cultivado um som pesado e forte, provavelmente para se poder ouvir, em detrimento de um maior lirismo. As madeiras saíram sempre em défice sonoro face ao resto da orquestra, um desequilíbrio manifesto muito por falta do maestro.

O prelúdio do terceiro acto foi um dos piores momentos da direcção de Letonja, os metais com um peso brutal e sem a tal nuance que se impõe nos sforzandi e nas articulações abafaram todo o resto da orquestra. As cordas em número insuficiente e de baixa qualidade ou não se ouviam ou, quando apareciam, escutava-se uma espécie de miado longínquo das notas mais agudas dos violinos. As madeiras, neste trecho, pareciam que estavam lá ao longe dentro de um poço sem fundo. Tudo mesclado numa espécie de caldo informe onde os temas esbracejavam para se poderem escutar e sobressair no meio do viscoso mar de crude que invadiu o teatro no segundo acto e o fosso durante toda a récita, acabámos a escutar repetidamente o tema da lança servido pelos pulmões pujantes da banda metálica.

Outros momentos paradigmáticos desta informe massa sonora foram os murmúrios da floresta e o inenarrável caos sonoro pós quebra da lança de Wotan em que o fogo mágico de Loge soou atabalhoado, com notas erradas nos violinos, numa passagem exigente que acabou por ficar muitíssimo aquém do exigível para uma orquestra profissional e sob a batuta de uma maestro caro e competente.

Entretanto os cantores lá se esforçavam no espaço da arena do S.Carlos, o Siegfried de Stefan Vinke é um Siegfried sem refinamento, que sabe gritar muito cantando muito pouco, sem temperamento lírico e a cantar nas oitavas abaixo no terceiro acto: acima do sol, em notas sustentadas, podia-se contar quase sempre com a oitava abaixo porque a voz já não dava para mais e o cantor estava a ficar rouco. Além disso Vinke arrasta para além do tempo possível a gritaria de cada nota sustentada. Além disso, e apesar do alemão ser a sua língua, canta com voz de "sopinha de massa", fazendo lembrar o lamentável Wotrich...

Samuel Youn no Viandante apesar de ter belos agudos e uma voz de barítono com presença, cantou de forma muito irregular, de forma algo soluçante, sem nobreza da grande linha vocal. Faltou-lhe gravidade e profundidade nos graves. Tem o defeito de entrar sempre, ou quase sempre, atrasado o que além de ser sistemático revela problemas de musicalidade que devem ser resolvidos com mais treino e trabalho. A sua noção do tempo de entrada e do ritmo é perfeitamente aleatória acabando muitas vezes a arrastar as notas. Youn tem um belo futuro se controlar estes erros.

O Mime de Colin Judson foi muito conseguido, no meu entender, com uma bela presença de actor e uma belíssima colocação vocal num papel incrivelmente ingrato.
O Fafner de Dieter Schweikart foi conseguido sem causar grande impressão, é pouco profundo como baixo, mas é o possível.
A Erda de Gabirele May deve-se ter ressentido da encenação, o facto de aparecer senil e provavelmente com uma doença incapacitante, fez com que a voz aparecesse muito feia, destimbrada mesmo. May é, neste momento, tudo menos contralto.
Susan Bullock foi razoável mas distante da forma como abordou a Valquíria: vibrato excessivo, voz com poder mas com falta de convicção. Estava à espera de melhor mas, mesmo assim, foi muito razoável, a voz ainda tem o chicote da Valquíria mas falta-lhe a frescura necessária para a jovem heroína.
O pássaro da floresta de Chelsey Chill foi conseguido, creio que a canadiana encontrou aqui o papel da sua vida, apropriado ao seu registo estreito, voz metálica e nasalada, com agudos pobres e graves inexistentes. A tessitura estreita e uniforme deste pássaro da floresta é o ideal para a cantora. Entretanto a voz nos saltos para cima, notório no lá agudo, desliza de forma muito pouco natural, fazendo um brutal sforzando em stress ao atacar o som mais agudo atacado em fortíssimo agressivo sem qualidade, quando na partitura não existe qualquer indicação dinâmica e o canto deva fluir natural e uniforme. É o papel da vida deste pássaro mas, mesmo assim, bem longe do ideal.

Wagner sem música não é obra de arte total, nem sequer é obra de arte. Dar ao encenador o papel total é reduzir a dimensão da obra. O meu Wagner tem música, não sei como será o Wagner do leitor, ou como o leitor quer o seu Wagner. Os críticos da nossa praça parecem esquecer este lado e preferir o Wagner do encenador. Não percebo esta abordagem, creio que essa visão é provinciana e coxa. É uma visão sem referentes e, sobretudo, sem grande amor pela obra deslumbrante do compositor alemão.
Esta produção é um risco interessante como conceito, no entanto creio ser um falhanço enquanto obra de arte total e um falhanço estrondoso no capítulo musical. O meu balanço é francamente negativo e as culpas vão direitinhas para um maestro pouco wagneriano e complacente, para uma orquestra sem grande qualidade, sobretudo nas cordas, para uma encenação que despreza a música e uma cenografia que rouba espaço a uma verdadeira orquestra wagneriana. Veremos como corre o Crepúsculo dos Deuses, onde o coro entra de forma fundamental, mas a 75% desta produção o balanço é desolador, sobra a revolução no teatro e pouco mais.

Siegfried no S. Carlos II

2008-10-03T08:26:00.005+01:00

Uma brevíssima nota sobre VIck e esta encenação:
Creio que a encenação de Vick, não entende a modernidade do Ring de Wagner e reduz todo o mito sobre o homem moderno a uma encenação "doméstico-contemporânea", onde apenas existe uma leitura directa, primária, óbvia, do fluxo discursivo wagneriano: os capitalistas estão em decadência, o socialismo triunfará, o povo participa na coisa e vê a acção decorrer dentro de si mesmo, ali à frente, chegando os artistas a pisar os calos do próprio povo que está calmamente no seu camarote a tentar ver e escutar uma obra de teatro, não através de uma distância mágica que o transporta a um mundo de pensamento e emoção pura, como Wagner queria, mas percebendo que aquilo que ali está é apenas teatro, percebendo a mecânica daquilo, sem nada escondido.
Vários equívocos, o "povo" representado pelo "público" são uns senhores e senhoras que nunca serão o público que Wagner queria. Que se estão aliás nas tintas para a vitória do socialismo e a queda do capitalismo no mundo de hoje.
Esta leitura de Wagner é primária porque escamoteia a própria evolução do artista: Wagner saiu das barricadas de Dresden em 1848, Wagner antes de acabar o Siegfried escreve os Mestres e antes tinha escrito o Tristão, passam-se mais de vinte anos, Wagner não é o socialista em choque que imaginou o programa do Ring. Wagner não leu Brecht nem teve oportunidade de assistir às suas peças de teatro do pós-guerra, Wagner não viveu em Berlin Leste. Realizar Wagner no tempo de hoje com ideias de hoje é perfeitamente possível, ver por exemplo Braunschweig em Aix e Salzburg, obra em progresso de uma força e de uma beleza plástica incríveis, lendo até ao âmago e reinterpertando Wagner à luz do desencanto do homem moderno. O problema de Vick é que, ao tentar, subverter de forma alarve o texto de Wagner está, de facto, a reduzir a dimensão da obra a apenas uma faceta, a da parábola anti-capitalista vista no contexto de um drama doméstico, afastando-se do teatro conceptual que poderia levar a encenação a uma verdadeira subversão, a subversão da transcendência.
O conflito pai-filho domina esta encenação o que está certo no meu entender, a decadência de Wotan, por outo lado, é grotesca. Vick não percebe que esta putativa decadência é apenas aparente, esse é o seu erro mais grosseiro, Wotan perde poder mas ganha uma compreensão infinita, uma consciência tão forte que se torna insustentável e que só tem uma saída: o nirvana.
Não perceber isto é ser ultra conservador, é ser reaccionário, é ser redutor e incompetente. Por outro lado existe um desprezo total pela música sobrevalorizando o teatro. O que com os meios do TNSC era um risco também ele óbvio uma vez que a orquestra é incapaz da qualidade e subtileza necessária a este Siegfried e os cantores são de muito baixa qualidade (em média) e as condições acústicas são más, mas esse risco poderia ter sido minorado e foi engrandecido pelo encenador. Tudo demonstra mais uma vez a mais profunda ignorância ou o mais profundo desprezo, o que me parece mais plausível, pela obra de arte total de Wagner. A arrogância ignorante ou pedante do encenador sobrepõe-se ao génio de Wagner. Prefiro o segundo. Não me interessa o Siegfreid de Vick, interessa-me o Siegfried de Wagner.

Siegfried no S. Carlos I

2008-10-02T09:35:00.012+01:00

Wotan não é um bêbado

Siegfried de Richard Wagner. Teatro Nacional de S. Carlos, Lisboa.

30 de Setembro de 2008, 18h30.

Segunda jornada de: Der Ring des Nibelungen.

Poema de Richard Wagner. Estreia a 1876, Bayreuth.

Direcção musical Marko Letonja.

Encenação Graham Vick.

Cenografia e figurinos Timothy O'Brien.

Desenho de Luz Giuseppe Di Iorio.

Orquestra Sinfónica Portuguesa

Nova produção

Assisti à estreia de Siegfried no S. Carlos na passada terça feira, dia 30 de Setembro. Começo por fazer notar que a experiência de Vick como encenador de Siegfried é interessante. Do ponto de vista conceptual "virar o teatro ao contrário" dá ao encenador infinitas possibilidades.

Começo por abordar o personagem central da obra: Wotan, o centro, o pilar de toda a estrutura do Ring, a imagem do W, Wotan, Wanderer, Wagner. O W que serve de bandeira em Bayreuth hasteada enquanto o festival decorre, o W a que Wagner recorreu para domesticar o nome de Odin à sua aliteração, forma poética que cultivou à exaustão, e que foi o motor rítmico da composição a partir do poema.

Vick vê a obra quase como se tratasse de um drama doméstico, Wotan é visto como um chefe de família decadente, não é nunca um deus poderoso, faz negócios e engendra teias de esquemas em Rheingold, aparece na Walküre como um burguês sem poder com vulgares amantes e de roupão jogando bilhar em casa e, finalmente, como um bêbedo sem abrigo neste Siegfried.

É na essência no tratamento do personagem Wotan que Vick mais se revela como encenador. Esquecendo o folclore do palco ao centro do teatro como se tratasse de uma arena, a encenação vale muito mais pelo tratamento dos personagens, pela leitura em concreto da obra. É na leitura em concreto da obra e na sua passagem a teatro que Vick falha estrondosamente. Em Wotan, Wagner coloca o poder, a sabedoria, a potência, a sua lança tem geralmente uma acção simbólica e apenas é utilizada como instrumento de poder quando parte a espada de Siegmund no final do segundo acto da Walküre. Gradualmente este poder dissipa-se, não por acção dos elementos estranhos mas pela própria acção de Wotan que se enreda numa teia de compromissos inextricáveis que o atam a ele mesmo. Pela compreensão de que já não faz falta ao mundo.
Wotan concebe de Erda entre Rheingold e a Walküre, engendra Brünnhilde dessa Terra Primordial, sábia e eterna. A mesma Terra que é violada, a mesma Natureza que Wotan violou ao cortar a lança do Freixo do Mundo. Mais do que os compromissos é o destino de Wotan a perda de poder, ele tudo sabe mas a Fonte da Sabedoria secou, o Freixo secou, a lança vai perdendo força. Wotan apercebe-se e quer o Crepúsculos dos Deuses, ele afirma que o Mundo é das novas gerações, puras, sem malícia, sem culpa, sem tratados. Ele afirma-o neste Siegfried. Wotan realiza o supremo ideal de Wagner: a renúncia, a mesma renúncia que Wagner nunca realizou mas que amava em Schopenhauer.

Wagner passa do socialista em 1848, quando idealiza a obra, a pessimista em finais de sessenta quando retoma o Siegfried. É evidente que a ideia simples do início, uma parábola sobre o capitalismo destruído não pela força das armas em revolta armada mas pela arte e pela ideia, deixou de ter sentido para Wagner, que escreve após a epifania de S.: "O Ring continha em si a filosofia que vim a descobrir em Shopenhauer". Não só é isso evidente como a escrita musical de Siegfried foi, toda ela, realizada depois da revelação. O que antes no poema era semente torna-se com a composição da música filosofia pura, é com a música que se percebe a intenção mais íntima de Wagner, nos temas do crepúsculo, da lança, da falsa segurança do Walhalla, da angústia de Wotan, nos temas da Natureza e, sobretudo, na forma como são dispostos, os corais de metais que sublinham e suportam as últimas linhas de Wotan são um exemplo notável do amor que Wagner colocou neste personagem. A linha vocal de Wotan é sempre de uma nobreza sem par ao longo de todo o Ring, e neste Siegfried o personagem é tratado com um carinho e cuidado musical verdadeiramente reveladores da identificação que W tinha com W. Ouvindo o Siegfried, mais do que vendo, percebe-se o amor com que o Wagner maduro, com mais de cinquenta anos e depois de abandonar Siegfried por mais de uma década, retoma o tratamento de Wotan, agora o mais nobre senhor de toda a Tetralogia, deixou de ser o Deus poderoso e sonhador que olha para o Anel em Rheingold, deixa de ser o Deus em Queda livre que abandona o seu filho amado à morte por causa dos seus esquemas, o deus que clama desesperado "É o Fim" o eixo central da Walküre. Wotan no terceiro acto de Siegfried é mais do que um deus, é um homem sábio, o mundo pesa-lhe nos ombros, ele que tudo sabe não quer mais o poder, o poder afinal é inútil, basta-lhe saber, basta-lhe ser o senhor dos corvos.

Mas Wotan ainda é luz, é o Alberich Luz que se revela a Mime na cena das perguntas, é o senhor do cavalo de luz que Alberich entrevê por cima das árvores na floresta onde dorme o Gigante Fafner vestido de Serpente Dragão. Wotan renuncia mas ainda monta o cavalo de luz, ainda tem a lança na mão, ainda é o senhor dos corvos, os mesmos corvos que estão pintados por cima da sua imagem na casa de Wagner em Bayreuth. Pintura emblemática essa, Wagner não escolheu para encimar a porta da sua casa um retrato de Wotan deus, escolheu o retrato de Wotan como o viandante de Siegfried, rodeado pelos corvos que o hão-de servir até ao final do Crepúsculo dois Deuses, os corvos olhos de Wotan.

É pois neste personagem que vai perdendo poder mas vai alcançando a suprema sabedoria e o supremo bem da renúncia, que Wagner também admirava no budismo, na retirada de Wotan para um mundo inacessível aos mortais que ainda não atingiram o Nirvana, que Wagner atribui o papel central do Ring. Wotan perde poder e vai reganhando dignidade, torna-se finalmente um ser resplandecente ao entregar a lança ao seu neto para que este a parta.

Graham Vick trata Wotan neste Siegfried como um bêbedo que usa a lança para devastar em estado de grande decadência a gruta (gaiola) de Mime, que bate numa Erda envelhecida e enterrada num asilo, como um bêbedo bate numa velha e decadente amante, sem dó nem piedade Wotan arrasta-se cambaleando pela cena, arrota, as suas roupas são andrajosas e estão manchadas, os cabelos e a barba hirsutas, Wotan comporta-se como um fantasma sem consciência, como se a sua condição fosse resumida à inevitabilidade da queda na degradação humana. Vick não percebe, ou não quer perceber, que Wotan ao renunciar ao poder ascende ao supremo bem e à verdadeira iluminação. Wotan sombrio e sábio, presidirá doravante na sala do seu castelo à reunião silenciosa dos seus heróis, das suas filhas Valquírias, e dos outros deuses (que não Loge): é o Crepúsculo dos Deuses que se avizinha, Wotan já não está presente na cena, mas é a sombra tutelar do última jornada, Wotan que assistirá de longe à queda e corrupção de Siegfried, último representante da sua raça na terra, e até as nova gerações sem mácula cairão, e a sua queda será muito pior: Siegfried não renuncia, será morto pelas costas, não lhe é dada essa faculdade, essa sabedoria.

A cena da floresta com o esgoto industrial e a poluição não faz o menor sentido na arquitectura da obra, a floresta é primordial, é pura, da floresta nasce o herói sem mácula: Siegfried o idiota que conquista o mundo, o dragão é também um ser primordial. A mancha vem depois, surge no Crepúsculo, colocar o lixo tóxico, o esgoto, o petróleo, no coração da floresta de Siegfried é mais um erro crasso. Parece bem, é a denúncia ecológica do politicamente correcto, a "malta aprecia", mas convenhamos que não tem grande coerência.

O pior é mesmo um Wotan bêbedo e sem consciência, no meu entender um erro violento e grosseiro, incompreensível, que destrói completamente a mensagem filosófica da obra de Wagner. Poupem-me a encenadores que querem ser mais do que os autores da obra e que de forma alarve passeiam a sua ignorância e o seu ódio pelas obras cimeiras do espírito humano.

Tudo o resto são diversões e folclore, a falta de respeito pelos espectadores, com figurantes sentados nas cadeiras pagas pelo público no início do terceiro acto, com gente a entrar nos camarotes sem aviso, e a pisar os calos a pessoas de idade que querem descansadamente gozar as centenas de euros que gastaram para poder assistir a um momento de magia, sem um pedido, sem um aviso, tudo é marca de arrogância e desvario de um encenador que se julga acima da obra e do respeito que deve ao público pagante, mas isso é marginal.

Outro aspecto que Vick despreza alarvemente é o relegar o papel da música e do canto para um plano secundaríssimo, o espaço para a orquestra é reduzido, há menos catorze cordas do que o previsto por Wagner, tudo é mesquinho, os cantores são fracos e têm de correr e saltar desalmadamente, a acústica é muito irregular e depende da orientação dos cantores face ao público circundante, a direcção de Letonja é canhestra e despreza o detalhe, a orquestra tem momentos verdadeiramente miseráveis (mas isso fica para outro texto). Mas, como se sabe, a música em Wagner diz tudo e fazer desaparecer a música da ópera é não entender nada de Wagner.

Gravei ontem para a Antena 2 um possível esboço de discussão crítica, para mim a encenação valia sete valores, é uma classificação muito alta, e tem de ponderar vários efeitos: a direcção de actores é excelente, há efeitos cénicos muito belos como o dos pássaros na ponta de varas que oscilam sobre todo o teatro e sustentados por figurantes que irrompem pelos camarotes, a ideia do dragão está bem imaginada com a a empilhadora do Ouro do Reno transformada agora em aríete. Mas a competência cénica esbarra com um factor inelutável: a destruição da obra na sua visão global, e aí Vick tem zero.

Requiem aeternam

2008-09-29T17:40:00.004+01:00

Requiem aeternam

(Um pouco de bem-aventurança
e de alerta circunscritivo
aos que, ainda, andam por cá)

I. “Humanidades”

Jesus foi filho de carpinteiro
E de doméstica, impoluta
Do Tempo tingido num tinteiro.

Depois, morreu na cruz do absurdo
Da humanidade dissoluta
A pretender-se corpo inteiro.

Ele nasceu pobre e ao surdo
Doou a palavra benfazeja,
Porventura tumular,
Com o poder de calar
Os doutores da Sua Igreja.

II. “Decálogo”

Jesus foi filho de carpinteiro
E de doméstica, impoluta
Do Tempo urdido num tinteiro.

Depois, morreu na cruz do absurdo
Da humanidade dissoluta
A pretender-se corpo inteiro.

Ele nasceu pobre e ao surdo
Doou a palavra benfazeja
E o sal do mar, a poder calar
Os doutores da Sua Igreja.

01/09/2008
Tomás de Oliveira Marques

III. “Ad hominem”
(Na senda de “Invidia”, de George Steiner)

Jesus morreu na cruz,
Giordano Bruno
Cecco D’Ascoli
E tantos, tantos outros,
Arderam na fogueira
Da sede de Ser
Fogo e não fagulha,
Muito menos poeira.

Do primeiro, fez-se luz
E sombras a desbravar
O brilho nos outros rasteiro.

Dos outros, a má sorte
Que lhes coube da vida
E ao primeiro não se deu
A seguir à sua morte.

Eis os factos a encimar
As colunas do quotidiano
Da Besta em nós
Escondida e conseguida
Nas mentes a maleita
Da eternidade
Tão baça e diminuída
Pelas lentes próprias
Da formiga
Em si resumida
Ao carreiro e à colheita.

Tudo isto a ser dito
No medo de se acabar
O nosso cego apego
Às histórias de encantar.

15/09/2008
Tomás de Oliveira Marques

IV.
“Quo Vadis”

Ao longo do abismo
Que fulge do chão
E não tem fim
O DESESPERO

Em carne viva
Da presa que corre
À frente das presas
DO PREDADOR

Em nós implacável
O cego encalço
Nos restos, nos ossos,
DA COMPAIXÃO

Em si esgotada
Nas escarpas do ego
A não valer nada
A REMISSÃO.

V.

“Epílogo”
(O poeta é um fingidor...)

Para onde vais?
De onde vens?

Do fundo dos tempos
À luz das estrelas
Hirto hás-de arfar
Deante do vácuo
De orelhas alçadas
E o rabo a abanar
Como os cães.

10/09/2008
Tomás de Oliveira Marques

“ALIA VOX”

2008-09-29T17:38:00.001+01:00

"ALIA VOX"

Ah, o amor,
Alegoria armada
De ânsia e alcance,
Amigo de andanças
Da alma que arde
E arde, e arde...

E bebe no cálice
Da Dor o ensejo
De fundo ganhar
Halo e infinidade.

E jorra na luz
Da Música
Do Mar ao Nada,
Oculto o poder
Que queima ou rega
A sede de saber
Dos tomos do Tempo
A uivar, a uivar...

Veni vidi vici
Nos ventos da voz
Do vinho,
Na verdade
Vencido de vez,
Deste vosso xyz.

Lisboa, 05/09/2008
Tomás de Oliveira Marques

Dedicado à Família Savall,
pelo génio e integridade
que, ao longo das últimas décadas,
trouxeram a nós a voz dos grandes vultos
da Música que há-de perdurar para sempre.

Depois de Jericó o artístico Dammann

2008-07-31T19:42:00.005+01:00

Regresso a Jerusalém, depois de passar por Ramallah, Belém e Jericó (a 41 graus dia e noite), finalmente tive tempo de olhar a net e ver o programa do S. Carlos para a próxima temporada.
Constato sem surpresa a repetição de erros de palmatória. Se antes havia a desculpa de o novel director artístico Christoph Dammann ter sido nomeado pelo doutor Vieira de Carvalho e pela doutora Pires de Lima e de parte da concepção ser ainda de Pinamonti, ficamos agora a saber que afinal os erros eram mesmo deste artístico Dammann.
Quando regressar em força ao blogue, e à actividade crítica, depois do périplo por Bayreuth que se segue a este Médio Oriente esgotante mas mágico (o regresso total será pelos idos de Setembro) espero poder ter tempo para apontar com detalhe e de forma exaustiva os erros de Dammann.
Entretanto Portugal visto daqui, do Monte das Oliveiras parece-me tão distante. Vou mas é dar um pulo ao American Colony onde me espera um narguilé que eu sei que não existe...

Absentia

2008-07-20T10:20:00.004+01:00

Este blogue tem estado de férias, férias devidas a trabalho! Uma enorme sobrecarga de trabalho: conferências que se aproximam, estudantes de doutoramento, colaborações científicas, estadas intermitentes em Lisboa entre viagens, orais e avaliações, revisões de provas e lançamentos de notas, assinaturas em pautas, financiamentos para programas de investigação e bolsas, avaliações de projectos internacionais de investigação, revisões de artigos, gravações na rádio, uma viagem para Istanbul ainda hoje pela início da tarde, depois um périplo por Israel e Palestina, uma noite em Lisboa e o início de Agosto para um pouco de repouso em Bayreuth com sete dramas musicais, têm garantido uma intermitência a caminho da absentia. Não tenho a disciplina de assegurar o diário ou o hábito obsessivo da conectividade onde quer que se esteja. Não procuro ligações wireless, não configuro os telemóveis para receber emails, não corro para o café internet quando tudo o resto falha.
Estar online não combina com este concerto nº3 de Beethoven tocado por Joa Van Immerseel que vou levar na bagagem, não combina com o bazar de Istambul onde, por estranho que pareça, a internet já marca presença de forma firme. Mas, de qualquer modo, para mim a net será sempre um factor extemporâneo à visão romântica que tenho do lugar. Bazar onde comprei em tempos uns cachimbos depois de longas discussões, cachimbos que depois descobri a metade do preço na Anatólia... passear, beber chá de maçã, que compras no bazar nunca mais, apenas camisolas de algodão ao preço da chuva que a bagagem é de mão e doze dias pela Turquia, Israel e Palestina em missão de trabalho com quatro camisas e duas calças é utópico.
Não, previsivelmente não vou alimentar este blogue antes de chegar a Bayreuth, nos inícios de Agosto. Aí sim, prometo reflexões sobre os dramas, encenações, direcções musicais, cantores e poetas... prometo divagações sobre o drama da sucessão do velho Wolfgang, muito mais do que a sucessão do patriarca Wagner. Hoje o nome W é um símbolo numa fundação onde o sangue do fundador já não manda.

Se o tempo e os lugares o permitirem volto em Agosto.